木卫二

囧杀手，雷到死

木卫二 — Thu, 10 Dec 2009 15:46:00 GMT

■ 文艺补白
　　
　　最新文艺片推荐
　　
　　《控制的极限》
　　
　　导演：吉姆·贾木许
　　
　　主演：伊萨赫·德·班克尔
　　
　　　
　　影片还有吉姆·贾木许(JimJarm usch)前作《破碎之花》的影子残留，持续的游荡，不同的相遇，比尔·莫瑞(Bill Murray)也客串了一下。只需要看一眼人物的做派，大家都知道贾木许这回要搞“杀手片”。冲《鬼狗杀手》(Ghost Dog：The Way of the Samurai)而来的人可能会失望，贾木许这次走得更加前卫，挑战起催眠跟忍耐的极限。里面的黑哥其貌不扬，表情缺乏变化，鼻孔充满个性。你要看着他用两个小时，完成一次变身——— 这哪里是风流倜傥的杀手啊，完全是故意的颠覆和恶搞。此君在片中最常做的事是走路、欣赏、看风景、喝咖啡、吞纸片，然后继续走路、欣赏、看风景、喝咖啡、吞纸片。尽管也有比画东方气道，像模像样，然而一个半小时里不见杀手出手，最后他却用神乎其技的意念穿墙入室，念完一段不知所云的台词，很干脆地干掉了大 BOSS，留下被雷的观众如坠迷雾。
　　
　　要评史上最有腔调的杀手，《控制的极限》(The Lim its of Control)里的这位小有竞争力，只因黑哥太不寻常，就连遇见的线人都极不寻常。他们开头总要来一句你不会说西班牙语吧，然后跟主角聊音乐、电影、科学、歌剧和精神，诸如此类，言词精辟。有趣的是黑哥基本不为所动，更不来电，他就坐那听着、看着，思考着什么。不管眼前是裸女还是金丝猫，他都把脸绷得紧紧，如临大敌。通过结尾的两人对话(这几乎是解读影片的唯一入口)，有人认为影片反映了“与自己斗其乐无穷”，有人则说这是影射物质生活与精神追求的永恒矛盾——— 贾木许没有作出任何回答，只用一幅蒙着脸的艺术品来扫尾。
　　
　　故事处处留白、毫无冲突，贾木许一直有意突出色彩的冲突对比，比如夺目的大红色。配乐也做得飘忽诡异，标准的冷调作风。除了前后重复的俯视和仰角镜头外，主角看画时的Zoom处理，线人出场时的升格和镜头运动，确有暗示人物内心的直观变化和思想动摇。交代人物信息，涉及具体空间时注重景深处理，不断在纵深和横拓方向上进行切拉。抛开这些，《控制的极限》比《午夜巴塞罗那》(Vicky Christina Barcelona)更像一部西班牙风光片，弗拉明戈舞、路上风光和各种建筑，不过没有俊男美女的调情说爱，只有耍酷杀手跟稀奇古怪的配角，其中的眼镜娘和奇装女还挺抢戏。
　　
　　出完字幕后，影片赫然打出了“没有极限、没有控制”的标语，仿佛在说人的思想不应该受到拘束。至于怎么理解电影，那也是你自己的事了。【南都】

　　
　　影片的故事冗长杂乱，但和过去贾木许作品相比，它少了精雕细琢，显得干净透彻，也更加美妙。 ———J. Hoberman(《村声》)
　　
　　影片就像充满饱和阳光法国印象派绘画，杜可风的镜头如此迷人，用柔焦影像写出了叙事诗。 ——Betsy Sharkey(《芝加哥论坛报》)
　　
　　反戏剧化的作品，纯粹的影像画面和配乐音效应该获得应有赏识。 ——Manohla Dargis(《纽约时报》)

许鞍华的恶之花

木卫二 — Thu, 10 Dec 2009 15:42:00 GMT

《天水围的日与夜》和《天水围的夜与雾》是姊妹篇，一正一反，一小一大，许鞍华尝试了两种截然相反的创作思路，投资规模、卡司阵容和拍摄手段上均有不同，外围评价也跟着呈现出好坏两重天的局面。许鞍华拍出日与夜是无心插柳，更多有赖学生吕筱华的剧本，柔情顺意，朴实无华，人间冷暖自在其中。夜与雾却是有心栽花——一朵阴暗罪恶的恶之花，然而缺乏土壤、凭空绽放，恰似雾中月水中花，不可触及。幸好这一二十年里，许鞍华作品水准向来大起大落，《天水围的夜与雾》的“花不成”亦非怪事。
　　
　　《天水围的夜与雾》的故事原型是一则真实的社会新闻，前前后后几起伦常悲剧，经过媒体炒作加热，这才有了天水围的名词升温。很不幸，许鞍华把影片拍成了一出社会奇观，平平无奇，毫无落差。任达华饰演的人物暴躁不安，打从一出现就邪恶附体，天生变态难自弃。他对妻子的青春和肉体有着疯狂的占有欲，不时的疑神疑鬼，继而拳脚相向，暴虐成灾。再有邻居等几个配角角色，用意明显，相当露骨。即便许鞍华把游行示威跟残杀戏份剪在一起，终归藏不住人为挑拨的痕迹，说到底还是以前玩煽动走路线的老一套，对理解案件毫无帮助。
　　
　　如果影片在表现新市镇生活上还属尚可，对任达华的变态入骨和张静初的纠结难耐还能给予一定肯定，那电影涉及四川的段落令我尤为愤慨，里面充满猎奇性质的假想意淫，无谓的枝节表现更是毛病一堆，方言口音、屋内道具瑕疵多多。孩子一人少小离家，为人父母的居然站在门口假惺惺道别。据我所知，除了没心没肺的，真没有见过这种父母。那般穷乡僻壤，至少得送上一段一程吧。影片刻意渲染了乡下的愚昧落后，可光有这些并不能等于万恶之源，你不能把天水围的一桩惨剧归咎到内地落后身上。即便有，也不能是全部。许鞍华偏偏浪费了太多笔墨在这上面，只可惜准备不足，流于形式表面。她试图从暧昧的中港两地关系入手来说点事情，可翻了半天也没整明白这变态与残暴从何而来，最终落了个“生来就是”的失败结论。
　　
　　许鞍华试图在生活常态下发掘出掩藏已久的罪恶，对一般人而言，这种思维操作往往是逆向的。对天水围来说，它可不是，天水围是由于伦常悲剧才引发关注的。就好比说贫民窟污秽不堪、下流混乱，大家都觉得没什么好稀罕，这本来就是它的现实特征。你要做到透彻极致，或者能让阴暗中的人看到希望察觉真情，方才显现功力。《天水围的日与夜》的成功就在于电影告诉世人，天水围也是普普通通一个地方，人情味不减反浓。到了《天水围的夜与雾》这里，一起杀妻灭子的灭门案件反倒没有了力量，主题不见深化，更谈不上有道德警示，那大概就是创作人的心态问题了。【理财一周】

侯孝贤与金马奖

木卫二 — Tue, 08 Dec 2009 02:55:00 GMT

金马奖的战略调整跟台湾电影的衰退在时间上几乎是重叠的，二者就相当于鱼跟水的关系。这段期间，很多台湾导演放慢了创作速度，或者作品拍得不成样子了，也有例外的，像侯孝贤就没有放慢创作步伐，接连入围戛纳，在世界上发挥影响力，被欧美评论界誉为是2000年以后世界最重要的导演之一。尽管金马奖已失去以往地位，侯孝贤却不管自己身居何位，尽心尽力，四处去帮忙救场。这点在他上任第46届金马奖主席后变得更加突出，侯孝贤试图做大华语电影的概念，促进两岸电影的交流，扶植青年电影人。

我的地盘我做主台湾电影的根在蔓延

我们只能隐约猜测侯孝贤的存在始终会对15人评审团有一些影响，比如打个照面、有所暗示，其实都还是合乎情理。毕竟初审复审刷掉了多数影片之后，几个重要奖项摆在评委面前也仅有四个选项，算得上相对轻松了。对比焦雄屏主政时代，这届金马奖去掉了费比西等奖项，节俭了不少。某种程度上，这也杜绝了留点面子的可能性，所以今回《如梦》和《脸》输得是体无完肤。

《不能没有你》的完胜从侧面说明，这届金马奖是在力挺台湾电影。这部电影是台湾本土制作，受到当地观众支持的电影，自然而然，它就交由台湾的电影奖项来最终肯定。前面有年中的台北电影节（这恰恰是侯孝贤策划创办的一个电影节），现在有年底的金马奖，戴立忍喜迎重庆，《不能没有你》终于如愿以偿成为了 2009年年度最佳台湾电影。

从底层写实角度上考虑，《不能没有你》跟《儿子大玩偶》时代的侯孝贤非常相似，不知名的小人物、卑微的工作和人世间最简单的亲情联系。即便侯孝贤在近十年里很少碰触这类题材，文艺到死，然而从戴立忍的黑白影像和情感克制当中，他是不可能看不到自己当年的影子。面对这样在坚持的年轻人，不卑不亢，谦逊温和，侯孝贤还有什么拒绝的理由？他只有变相地鼓励，毫不动摇。

侯孝贤给金马的定位可能就是人性，太人性的。《不能没有你》拿到中国内地可能司空见惯，但在台湾，它无疑还是很有代表性的，即便它造成的影响深度和广度确实无法跟《海角七号》相提并论。这样的电影没有试图煽动观众，却给观众带来了一定的思考。它可能做得不够好，然而这样的行动无疑是值得鼓励的。也正因有如此多的假设前提，《不能没有你》的脱颖而出就是件再明白不过的事情了。对比另外几个影片导演，他们跟侯孝贤的距离不是更远么？　　

作为金马奖的主席侯孝贤为打开华语电影新局面一直在做着努力

那个传说中精力不减的侯孝贤

　　由于众所周知的原因，杨德昌的《一一》成了人生最后一部作品，蔡明亮蜷缩在仄小封闭的城市里，李安的精力更多放在美国好莱坞那边。新世纪以来出现了一个空当，当真是前不见古人后不见来者，因而台湾电影的领军人物有且只有一个人选，那就是侯孝贤。自 1989年《悲情城市》在威尼斯获得金狮奖后，侯孝贤走上了通往大师的飞速道路，欧美地区的慕名崇拜者不计其数。从上世纪90年代开始，侯孝贤连续入围戛纳电影节，接受松竹和奥赛博物馆邀请拍摄命题电影，他越来越频繁地参与各项活动，发挥自身影响力。

　　侯孝贤本想借《千禧曼波》开始一个宏大的城市梦，他打算用十年时间来描绘台北这个都市，结果计划告吹。三段式的《最好的时光》原本打算由他执导一段，另外两段留给年轻导演来接手，后来电影还是被他一个人给拍完了。侯孝贤的确想改变台湾电影，多做点事情。当年大骂侯孝贤害死台湾电影的家伙早已销声匿迹，又或者不知道躲在哪里喷点口水发点小财。在《海角七号》之前，人们都希望有卖座片来拯救台湾电影，然而恐怖片《双瞳》和《诡丝》无法胜任，《十七岁的天空》反而拉开了一股拦不断的同片洪流，青春片、纪录片，这些都无法拯救台湾电影。

　　在这种窘迫的形式下，侯孝贤如何保持个人创作力，答案就在于侯孝贤拍的电影早已脱离了台湾这个载体。他的电影就用那么几个演员，主创班底渐成固定模式，他的融资计划都是借助海外公司和国际资金，至于台湾观众和票房，那简直是可有可无的一项选择。既便如此，只要侯孝贤还在拍片，他仍然代表着台湾电影的最后荣耀。一部不痛不痒的《红气球的旅行》，美国文艺小众立刻把他封为上品，五体投地尽情膜拜。侯孝贤是戛纳和威尼斯的座上宾，第60届瑞士洛迦诺电影节更是发了终身成就大奖，可见他的成就确实得到世界公认。

　　江湖大哥侯孝贤的无奈与努力

　　杨德昌从未拿过金马奖的最佳导演，侯孝贤的影片从未拿到过金马奖最佳影片，这是金马奖留下的最大罪状，其中一项已经无法弥补。相比杨德昌愤然与金马奖决裂，蔡明亮大倒苦水最后还是被招安收编，侯孝贤的态度似乎相对温和，他出任过金马奖评审，不时会抛头露面下以示支持。事实上，侯孝贤另行主导策划了台北电影节的成立，用以跟金马奖和金马影展分庭抗拒。

　　金马奖本是个政治色彩浓厚的电影奖项，它的几十年发展就是一本时局风云实录。先不翻跟新电影的恩怨旧账，在90年代末，金马奖就已经孱弱得奄奄一息。这个奖项丧失了它赖以生存的特色，那就是台湾电影不争气，孬得没什么好说。一旦至此，无论金马奖引入再多的香港电影和内地电影，这都无法真正挽回它的声誉和辉煌。金像奖始终坚持发现和肯定港产片，这点一直没有动摇。但金马奖不能，如果它真的把香港电影和内地电影隔离在外，那么这个奖项真的可以寿终正寝。于是金马奖渐渐做成了华语电影的大联欢，更多时候给人一种这样的感觉：没领到赏钱的人重新聚在一块儿分猪肉。同一拨人跑完了香港和大陆，又在年底粉墨登场，尽是老料。因为金马奖倍受多番势力操纵，它做过了太多错事，自毁城墙之余把自己名声也搞砸了，进而这个奖项也失去了它的权威价值。有那么几个年头，金马奖简直是看都不能看，星光黯淡到极致。

　　焦雄屏把金马奖的弱势归结为评审体制不公，照理说金马奖是华语三大奖里面口径最大、包容度最强的，可为什么从外表看起来，它反而是最弱相的。好比今年华表奖，明星云集，然后即便年底金马还未揭幕，我们却都知道它肯定连华表都比不上。华语电影的制作中心已经发生了转移，不在香港更不会在台湾。内地市场被打开后，这一切不可更改。有观众就有一切，有奶便是娘。电影导演和制片人们深知这一点，要做公关、拍马屁自然也得选一个最有权有势的，金马奖瘦的快死了，当局也没有支持的心，台湾电影基本没有复杂的可能，试问金马奖如何做好，那几乎是一个不可能完成的任务。

　　可以从去年《海角七号》的现象说起，当时包括焦雄屏在内的众多电影人鼓吹复兴，喊出了千年等一回般的哭腔。结果一到2009年，台湾电影马上被打出原形。一年下来，几乎没有几部电影能被称为一般性质上的佳作。入围最佳影片的五部电影里面，真正称得上有成功价值的，无非就一部戴立忍的《不能没有你》。金马奖没有源头活水，何以能长流，焦雄屏解决不了难题，到了侯孝贤这里，难题依然在。

如何做好金马奖是侯孝贤一直在思考的问题

　　如何做好金马奖这是个问题

　　2009年对侯孝贤而言是重要的一年，这一年是《悲情城市》和228事件二十周年，他还要担任金马奖主席。从年初开始，侯孝贤开始了前所未有的积极活动，他先有表示大陆电影市场前景广阔，台湾导演应好好研究。后来出席在香港的亚洲电影大奖，侯孝贤出席海峡两岸暨香港电影导演研讨会，他进一步表示，大陆电影市场足以抵一个欧洲，市场潜力巨大，拍摄题材繁多，亟待建立更加多元化的模式。侯孝贤认为华语电影要想走向世界，首先要做好自己，以华语片打入国际市场，这才是竞争力的表现。

　　四月份侯孝贤正式担任今年金马奖主席，六月他就马不停蹄地来到大陆，出席专门举办的两岸电影展。侯孝贤在台湾影展上表示，现在台湾电影最需要的是与大陆的交流，台湾导演应该主动走出去。他还呼吁建立合拍片制度，让台湾导演可在大陆拍电影，而台湾电影在大陆市场不受配额制影响，能自由放映。随后他马上赶回台湾支持台北电影节，支持《不能没有你》的首映仪式。

　　随着金马奖步伐的临近，侯孝贤开始大刀阔斧地实行“新政”，他决定开办电影学院，请来吴宇森、李安、蔡明亮、李屏宾等人任教，他自己同时担任电影学院的院长，师资配置强大。电影学院试图激发年轻创作者的潜力，给予他们资源帮助和创作自由，接受前辈级人物的专门授课，共同促进华语电影的进步。十一月华语青年影像论坛在北京举行，侯孝贤又一次率团前来，他担任了论坛主席，为年轻电影人鼓气。这期间，侯孝贤还出席了在南昌的金鸡百花电影节，走走红毯颁颁奖。

　　这一系列举动的用意很简单，礼尚往来，台湾这边有过去，大陆那边你也要过来，尤其今年是老侯坐庄，用心良苦。这一把年纪了也不容易，人家的声望也摆在那。因此侯孝贤为首的组委会邀请张曼玉、陈英雄、是枝裕和等人，对方立马答应了，不看僧面看佛面。今年金马奖的侯孝贤色彩特别浓厚，比如致敬李屏宾单元、经典放映回顾单元里的《悲情城市》，就连金马影展开幕电影《狼灾记》，田壮壮都要好好感谢侯孝贤一把。御用女郎舒淇也顺理成章成为了金马奖的电影大使，摇旗呐喊。老搭档廖庆松等人全部被请了出来，无非大家都好好做事，把金马奖搞好一点的意思。

　　侯孝贤频繁到大陆走动，他接触有两方面的人马，一是官方代表，一是民间力量。对当局来说，侯孝贤更像一张亲和的文化牌，他的电影与资本没有太大联系，可以拉一把。侯孝贤真正想要示好的是另一边，也就是能跟真正金马奖发生关系的。五部最佳影片里面，《疯狂的赛车》和《斗牛》是两部国产片，没有大牌演员却有联合力量。能把这票人带上，任务也就完成了一半。这其中，《疯狂的赛车》还有好几个台湾演员的参演，可以说更具合作色彩，值得重点表扬。

　　从侯孝贤这一系列活动也开始看来，现在内地电影对金马奖的重要程度不言而喻，毕竟香港电影也没有从低谷中走出。大陆市场一片叫好的声音，金马奖总要调整姿态，以顺应这种大方向的潮流。如果从侯孝贤自身的政治立场来看，他是不蓝也不绿的中间派，从倾向来说，他不作出选择就是最好选择。两岸的大局不是一个电影人所能掌握得了，所以你解释不了《海角七号》的上映，更无法预料未来会出现怎样的和好关系以及无可避免的反复。

　　前任主席焦雄屏在总结经验时，反复强调一点，她努力想把金马奖作为一个国际电影节盛事，引进了费比西和奈派克奖，可惜诸多努力反遭误解。请不来国际宾客是焦雄屏的一大憾事，这其实怪不了她，因为她就是跑国际电影节出身的，她主导下的金马奖自然要走三大节路线。只是焦雄屏似乎搞错了一个定位，金马奖到底要做什么，它即便扩大到做大华语地区的电影，可依然局限在华语圈，外国人没有充足的理由来关注一个地区电影节，这是简单不过的道理。用侯孝贤前面的话来回应就是，金马奖都不能吸引本土观众，不能把华语圈的电影人引向台湾，还谈什么国际化道路，这不是缘木求鱼么？侯孝贤显然注意到这点了，因此我们没看到他跑日本还是跑法国，他就跑对岸的大陆，一年组团好几回。金马奖的香火能旺否，关键还是在大陆。

　　至于饱受诟病的评审团制，侯孝贤还是因循旧例。他这个主席不能取代评审团主席，否则就是一言堂了。侯孝贤只能从大方向上入手，调整举措，实现预定好的目标。金马奖的特色就在于它是少数人所组成的评审团，它没有金鸡百花的官方思维和色彩，也不像金像奖讲究专业人员的投票，照搬好莱坞模式。然而这么多年过去，金马奖还是没有走出困境，原因还是台湾电影不行，无法吸引周围地区，聚拢人气。改变这一局面只有从造血开始，这也是侯孝贤组建学校，开设一系列讲学班的用意，他想通过自己的声望和努力，带给年轻人一些有用信息，让他们在电影圈里少走一些弯路。只有从根本上改变台湾的电影环境，金马奖才能恢复到健康的状态。至于包括内地在内的华语电影部分，侯孝贤也寄予很大期望。即便《聂隐娘》还是走的国际合拍路线，但在不远的将来，侯孝贤一定会亲自实践一次合拍片计划。【搜狐娱乐】

点解一切纯属意外

木卫二 — Mon, 07 Dec 2009 10:45:00 GMT

■入评理由：银河映像的新晋成员，今年威尼斯电影节参赛作品，国际媒体评价良好。
　　
　　　　■片名：《意外》
　　
　　　　■导演：郑保瑞
　　
　　　　■演员：古天乐、任贤齐
　　
　　　　■上映日期：2009年9月17日（中国香港）
　　
　　　　■读家：木卫二
　　
　　　　■推荐指数：★★★★☆☆
　　
　　　　■一句话点评：高反差的打光，突然下起的大雨，银河作品里常见的心魔与宿命。
　　
　　看完影片的惊喜远远要高于大佬杜琪峰的《复仇》，放在今年的港产电影里，《意外》一样值得好好推荐。由于制作周期比较长，光是后期就拖了近一年。赶工赶拍、现拍现编的痕迹也不是没有，因此很多人会觉得这第一口气里有微弱的部分。我尝试用比较通俗和相对玄乎的两种手法去解读《意外》，看能不能说明白它到底好在哪里。
　　
　　银河团队的成员相对固定，郑保瑞进入银河，老大们给他的人员配置也还不错。《意外》里的冯淬帆好久不见，叶璇的形象改变也让人印象深刻，走也走得干脆。演员上面，古天乐和任贤齐的表现也受到了较多好评，莫小奇等的出现也算一点惊喜。影片走先声夺人路线，开场就是一场精心策划的意外式谋杀，某黑社会头目被从天而降的玻璃给当场砸死。在周围路人看来，这不过是一起意外，此人运气背、没办法，死了倒霉。实际上中间有四个人在相互配合，展开秘密行动。带头的负责控制现场，其他人里应外合，牢牢控制了整个事件的进程，比如女人用车把路堵上，既把羔羊赶入了虎口，同时又拖延了警察的抢救时间，可以说是环环相扣。
　　
　　这场戏的余音也交代了团队内部的矛盾：肥仔很精明，没问题；阿伯粗心大意，会出事；女人撒小谎，不可信；最可怕的当属带头的，通过手下提及他不近人情的暗示，他的冰冷让人感到不寒而栗。《意外》很快交代了主人公不是正面人物，他做这种买凶杀人的行当，家里叠了厚厚的钞票，拿到钱似乎没有太多快感跟乐趣可言。借助主观幻想，可以知道他的妻子也不在了，一个人的生活孤苦不已。这种人物情绪也给影片定下了基调，看起来不会让人感到痛快，因为这个人为心魔所困，而心魔在哪儿，他不时拿出的那块破表上有答案，表面的时间停止，所有一切指向了开头的车祸。
　　
　　接下来，我要从一些符号和意象上去解读《意外》。有朋友敏锐地指出，除了结尾，每个死亡现场都有鲜血，红色的、有点被夸张化表现的血。红色在片中是跟死亡很近的颜色，红色的车、红色皮球、红色衣物，首尾两个事件都是车祸（就连中间的一起意外也是），掺带不受人为力量干涉的宿命色彩。两个女人的死亡直接导致了主人公心理崩溃，这点就好比在做爱场景里面，女人总会占据住关键的女上位，她们在事实上主导了男人。显然，《意外》是个带有封闭感的故事，封闭就意味着没有出路，不得解脱，因而影片处处制造了不同圆圈的意象，细心的人可以留意下电影中关于圆的场景和物体，可以说有上有下，相当之多。
　　
　　天台偷窥监控一段，电影画面就宛如一个巨大的“瞳孔眼球”，眼睛是《意外》的一大关键。观众处于上帝视角，能看见一切。而其他在现场的、不在现场的都 “看不见”，他们才会觉得是意外。片中任贤齐有一本书叫《死亡的眼》，它就把眼睛跟死亡联系在了一起。古天乐没能亲眼看见妻子的意外，他认定那是一起人为凶案。而在结尾，任贤齐看到了古天乐的异常举动，所以他相信了那不是一起意外，旋即实行报复。最后，我们看到了两张表情古怪的脸，古天乐感受到腹部传递上来的一阵阵剧痛，却好像明白了什么。任贤齐激动又痛苦，他不明白眼前这个人为什么要加害自己，又因为出手杀人，恐惧吞噬灵魂。
　　
　　有几个地方给我留下了深刻印象，比如前面说到的开头。影片里有三处制造出来的意外现场，场面调度都值得一提，交叉表现了不同人的视角，机位变化也可圈可点。《意外》并不借助配乐和剪辑来制造紧张感，稍有不足的是结尾有点过了。中间的北角雨夜堪称一场高难度拍摄，几个人一直在等雨，反复不停地演练。迷雾一样的飘雨，倾盆覆瓦的大雨，等到真正行动时，周围充满了紧张、诡异和不安的气氛，最终导致了节外生枝，“意外”出意外。【北京青年报】

何处是我家

木卫二 — Sun, 06 Dec 2009 10:40:00 GMT

最新文艺片推荐
　　
　　《为子搬迁》
　　
　　 ●导演：萨姆·门德斯
　　
　　 ●主演：约翰·卡拉辛斯基
　　　
　　萨姆·门德斯(Sam Mendes)拍起轻喜剧让一些观众感到欣喜———没了之前两部作品的沉重压抑，只是就事说事谈情论理。格局不大，关于寻找的主题不新鲜，那就用千奇百怪的人物和现状来做戏。片中的大龄夫妻要迎接新生儿，烦心事不是没经验，而是家在郊野。他们想找个好地方，方便照顾孩子，有利孩子以后的成长。趁着孩子还没出生，两人托亲拜友，多处联系，踏上了寻找快乐老家的漫长路途。
　　
　　打从开头的床上戏开始，《为子搬迁》(Away We Go)就种下了幽默的种子。丈夫幽默风趣，从拿捏腔调到打情骂俏，无所不能。他总能想出各种方法来逗妻子开心，也会对遇见的极品们进行必要的行动反击。扮演妻子的那位不是传统的美型演员，但这个夫妻二人组合确实般配，跟他们的“自由身份”很搭。可能正是面对眼下的无根状态，加上意识到以后有了孩子，生活必须有所不同，他们才郑重地考虑起将来的事，那就是如何建立一个真正的家。
　　
　　菲尼克斯、亚利桑那、威斯康辛、蒙特利尔、迈阿密……夫妻俩换了一个又一个的地方，看着胜似蜜月，可产期却越来越近，内心焦急。言词粗鄙的老同事，不大开心的妹妹，一对特立独行、接近变态的教授夫妇，让主人公遭遇了几次不小的摧残。回顾这些古怪配角的出场，影片无一例外地把孩子放在重要位置，突出他们和父母的关系、受父母言行的影响，也说明一个健康或糟糕的家庭会对孩子成长产生多大影响。正因如此，主人公也出现了不小的心理波动，他们会觉得承担不起将来的重任。还好在蒙特利尔，他们感受到了爱的意义和家庭的欢乐。只要两个人能做好基本准备，无论孩子在哪都能健康快乐地长大。
　　
　　事实上，这对夫妻的关系好到了一定程度，他们欠缺一个形式上的婚姻，可彼此默契，交流无碍。片中有很多感人的非典型对白，他会说我会一直爱着你，即便你(因怀孕)胖得让我找不到阴道；她会说我不会答应结婚，但我永远不会离开你。
　　
　　这样的二人世界不需要什么忠诚度考验，也没有中年危机的侵袭，唯有平平淡淡才是真。可即便如此，他们还是需要一个家，毕竟一旦有了孩子，那就不再是两个人的事了。在影片绕圆圈的编排手法里，他们兜兜转转还是回到了合适的地点———没有惊喜，但也请别丧气，那当然不会是开头的那个家。【南方都市报】

　　门德斯作品里的人物依然为现实和道德所阻，不得自由，这是两名羇客为理想的家展开的一次搜寻。———David Denby(《纽约客》)
　　
　　主线故事温情滑稽，很有观众缘。影片在幽默和感人中间找到了合适的落脚处，虽有一些小失误但瑕不掩瑜。 ——Ross Anthony(《好莱坞报道》 )

哪有那么多残酷青春？

木卫二 — Sat, 05 Dec 2009 03:51:00 GMT

哪有那么多残酷青春？能再低劣一些么？
　　
　　按照三部定律，这导演的下一部长片不必看了。有张《迷幻公园》的海报，是吧？
　　
　　《阳阳》虽然得到了金马奖五项提名，但最终一无所获。片中只有女主角张榕容的表演值得称道，摄影也把她拍得很美。
　　
　　
　　　■ 金马败将
　　
　　《阳阳》导演：郑有杰出品：中国台湾（2009）
　　
　　　版本：DVDRip　推荐指数：★★☆
　　
　　由于《色，戒》成功以及2008年台片的苏醒刺激，李安和弟弟李岗搞了个“推手计划”，这部《阳阳》就是直接受益者，《九降风》的林书宇还担任了副导演一职。比起小成本的《不能没有你》，《阳阳》当真是烧了些钱，可惜郑有杰把钱拿来玩艺术了，镜头一路摇到死、晃到尾，典型翅膀还没长硬就想一飞冲天，太不安分更不靠谱，下场完全可知。
　　
　　《阳阳》是一部俗套的青春成长片，混血少女面临情感冲击，需要自我认同。前半段讲的是跑步跟劈腿，少男少女的冲动和选择。后半段来个大转弯，讲述起“我要成名”的辛苦不易。导演似乎对内在脉络的断裂熟视无睹，沉浸在人物特写和炫目镜头的自鸣得意当中。他可能想要讲述充满真实感的少女成长，然而做作的文艺腔台词让人情绪游离，难以带来触动。唯一有那么点看头的是张榕容，她的完美角度基本都给找了出来。【新京报】

十五年

木卫二 — Sat, 05 Dec 2009 03:47:00 GMT

http://t.douban.com/view/photo/photo/public/p329731638.jpg
　　
　　http://t.douban.com/view/photo/photo/public/p329731618.jpg
　　
　　很多人都应该见过的两张图，看了就知道
　　
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　　http://www.tudou.com/programs/view/AIelUNWiVFY/
　　
　　《黑色梦中》 - 窦唯、小柯（1m45s开始）（张元《北京杂种》 1993年）
　　
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　　坐地上看了第二遍，比第一遍的感觉要弱些。内容已经知道了，光在想怎么样会更好。有朋友直损看本片浪费时间，恐怕很多人不会认同吧。
　　
　　看到94年红磡现场红领巾加海魂衫亢奋无比的何勇，再对比15年后在小酒吧唱姑娘姑娘你漂亮何勇。其实啊，就想说，这十五年太可怕，没人会希望这样，我也是。
　　
　　那不是瘦弱和发福的差距，也不是窦唯掉了头发烧了别人的车何勇住进了院崔健还拍起了成都我爱你。
　　
　　希望我们的十五年后，不会这样。
　　
　　
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　　（非评论，新闻稿。图片里的人名顺序标错了，但不是我的错，大家应该不会认错）
　　
　　10月10日晚上，由盛志民执导的摇滚纪录片《再见乌托邦》在愚公移山酒吧举行北京首映。
　　
　　该影片在今年3月份的香港国际电影节上举行过国际首映，这是在北京的第一次公开放映，导演盛志民说这个电影是献给那些被摇滚乐改变了生活的人。放映结束后，导演还安排了一个意外惊喜环节。在片中接受采访的著名摇滚歌手何勇、马培、陈劲、余伟民等人一一上台跟观众见面，掀起了场内的阵阵欢呼和情绪高潮。
　　
　　到场嘉宾里面，何勇在片中坦言自己身处困境，他在所有活动结束后还特别献唱了一曲。马培等人曾经长期陪伴在小柯(吴柯)身边，陈劲、余伟民几人还有窦唯一起组建过做梦乐队，后来因为窦唯签约滚石旗下的魔岩唱片，乐队解散。用盛志民的话说，他们都是那个时代的见证人。
　　
　　《再见乌托邦》是一部反映中国摇滚乐黄金十年的电影，盛志民以过来人的身份和摇滚乐迷的姿态分别采访了“魔岩三杰”(何勇、张楚、窦唯)、唐朝、崔健、张培仁、张有待等人，通过寻找小柯和追踪小畅，见证了已逝的时代。影片用矛盾的心理和不安的手法来看待中国摇滚，赤裸裸地展现了理想和现实的差异。 1994年香港红磡演唱会中国摇滚势力震动香江，然而辉煌很快就宣告落幕，留下了众多的纠纷不清。这些当事人有的丧失了创作力，有的陷入了失语焦虑，有的只能出现在了八卦新闻版面上，看了让人很不是滋味。
　　
　　盛志民谈起创作影片的灵感来源，谈及一个细节，当他在四十岁的时候回头看，发觉80年代是一个充满质感的年代。何勇说，当年在台上的人要么原地不动要么变化不大，有的还倒退了，但是当初在他们周围的人却逐渐成长起来，就像现在的盛志民导演。(木卫二/文)

再来一次，埃里克！

木卫二 — Fri, 04 Dec 2009 10:56:00 GMT

■文艺补白最新文艺片推荐 MovieL专栏
　　
　　《寻找埃里克》
　　
　　导演：肯·洛奇
　　
　　主演：斯蒂夫·艾弗茨
　　
　　这当然不是肯·洛奇推出的大师级作品，但它乐趣无穷，亲切友善，这也是肯·洛奇导演生涯里罕见的商业成功，没人会抱怨他从中获得好看的票房成绩。———Peter Bradshaw (《卫报》)
　　
　　肯·洛奇完美地捕获了足球的感觉还有对于希望的需要，一部炫目的作品，触动人心、欢快热闹。 —— Nev Pierce(《帝国杂志》)
　　
　　这是一部肯·洛奇拍的喜剧，又是一部标准的疗伤电影，还是一部拥护坎通纳、属于曼联球迷的精彩电影，结尾更是完全出乎意料。
　　
　　先有库斯图里卡联手马拉多纳，这次是肯·洛奇(Ken Loach)携手坎通纳，老牌导演和大牌球星性情相投、激情相撞，足球电影魅力无穷。《寻找埃里克》(Looking for Eric)和以前的肯·洛奇作品有所区别，可以说它是一部喜剧，不过里面还是有工会群体和社会矛盾。这又是一部标准的疗伤电影，借助事实上不存在的人物镜像，主人公寻找到自我。最后，它还是一部拥护坎通纳、属于曼联球迷的精彩电影，里面有绿茵场上的经典时刻，结尾更是完全出乎意料。
　　
　　埃里克·比索普是个失意的老邮差，黯淡无光；他难以面对前妻，无力管教养子，家庭生活残缺不全。片头就是他在飙车打转，结果出了车祸。埃里克濒临精神崩溃，烦躁不堪；怒气太盛的他把“f××k”挂在嘴边，可粗暴的言语不能解决任何问题，相反，他深陷于懦弱无助之中，无力自拔。埃里克无限度地崇拜曼联球星埃里克·坎通纳，那个在世人眼中毁誉参半却又无所不能的“国王”。有一天，当埃里克对着墙上坎通纳的海报喃喃自语，身后传来一个声音：那你呢？
　　
　　由幻想而生，一个不可能出现的人突然进入另一个人的生活，这类电影确实不新鲜了。《寻找埃里克》没有故意掩饰坎通纳的身份，大家都能明白他只是一个幻象。坎通纳的话只是埃里克的想像，通过寻找另一个埃里克，埃里克·比索普最终找到了自己。坎通纳要埃里克果敢一点，对不爽的事情说No，不能老是活在自责中，困难总会过去。埃里克听从了他的建议，改变形象、锻炼身体、热爱工作、善待亲人……他跟前妻达成和解，养子也明白了父亲的苦心，故事一步步走向设想中的庸俗，美好的大团圆结局似乎即将出现。不想前面还留了条私藏枪支的线索，把电影引向高度戏剧化的尾声，可以说，《寻找埃里克》的过半好评完全源于此。众人行动起来的时候，我们依稀看到了熟悉的肯·洛奇，他的愤慨和玩笑。以其人之道还治其人之身，这样的捉弄和暴力无伤大雅，可以接受。
　　
　　“预知所有危险的人永远无法远航”、“害怕掷骰子的人永远不可能掷出六点”、“最高尚的报复是原谅”……坎通纳延续言简意赅的作风，说了众多谚语，一度还导致埃里克怒气冲冲地回应：我还没从海鸥的鸟事中恢复过来，别老搬出你的谚语来说事。说这个是要提醒大家，出字幕之后千万不要走开，肯·洛奇会重现坎通纳退役发布会的经典一幕——— 你知道海鸥为什么要跟着渔船飞行吗？别急，坎通纳会给你一个终身难忘的答案。

生命因你有意义

木卫二 — Fri, 04 Dec 2009 10:50:00 GMT

■入评理由：年底金马奖的超级热门，可能是今年最好的一部台湾电影。
　　　　
　　■片名：《不能没有你》
　　　　
　　■导演：戴立忍
　　
　　■上映日期：2009年8月14日（中国台湾）
　　　　
　　■读家：木卫二
　　　　
　　■推荐指数：★★★★☆☆
　　　　
　　■一句话点评：它是导演进行的自我反思，希望能有更多人看到的同时又在极力保持情感克制。
　　
　　正如人们在开头所看到的，《不能没有你》是一部社会新闻题材影片。媒体在现场直击里拼命煽风点火，围观者继承了伟大看客的姿态，添油加醋、肆意涂抹或者无动于衷。按照戴立忍所解释的，他在现实中事件发生那会，一样表现得相当冷漠，事不关己高高挂起。后来当他决定采用这个题材时，他几乎批判了所有人，政府官僚、执法人员、新闻媒体也包括幕后的自己。
　　
　　然而戴立忍的矛盾也很突出，如果他只是想说教，让更多人消费掉纸巾、走出电影院，那现在所见到的《不能没有你》显然是不大成功的。影片采用了黑白摄影，不少人一听就下意识拒绝了，更多人会觉得故作玄虚。剧中人物的关系简单，因此就不存在特别强烈的戏剧冲突。敏感点撩拨不足，批判力度不够，打了很多拳，好像每一拳都没用上力。猛力煽情的段落少得很，好比那个结尾，几乎所有人都是面无表情，没有任何的动作反应。然而就在此前，影片几次用黑幕过渡，积蓄了满满情感力量就等爆发，结果还是被导演给摁了下去。这太不合常理了，绝对的冷静、冰冷的理性，跟台湾的苦情乡土剧相比，简直是完全不及。这些因素都阻碍了影片在票房上有更大作为，可正因如此，《不能没有你》方才显得不一样了。
　　
　　相比成群结队、四处泛滥的青春片，《不能没有你》在台湾无疑是比较罕见的一种类型，它居然采取自我隔离，故意不吸引人。观众能获得很大的想象空间，充分接受导演提供的额外信息。武雄所做的工作是神秘的，从头到尾一直没有点破。片中总共有三次潜水段落，第一次潜水就给下了意外的诱饵，然而不等结果出现，直接跳跃了过去，平安无事。观众很自然地以为第二次或第三次武雄会出事，做好准备接受催泪大考验。结果他真的出事了，但最后没事。再有台北归来路上，两人骑高高去采摘树上的芒果，妹仔很费力地拉下了包在外面的袋子，似乎没摘到。下一个镜头，父女二人在开心地食用。怎么摘的？是真的吃到了么？导演说，不知道。轻快的配乐、流云的调调，美好假象应运而生，仿佛他们一回到高雄，妹仔的身份户口可以得到解决，开心去上学，父女的希望也不至于破灭。
　　
　　这当然还不包括占据相当大片长比例的空镜头数量，有成片积云的天空、风力发电的风车、多变和多雨的天气，就连武雄眼中的高雄都跟台北有本质区别。武雄长时间潜在海底里工作，大海的神秘、朦胧还有混沌。水底下的父亲看水面上的女儿，光是这个地方，影片就多次反复强调。如果用一种俗气批评方式来说，影片简直在本末倒置，放弃了渲染父女情的可能，转而暴露需要想象和意会的场景。戴立忍显然过于相信观众，宁可放慢叙事节奏，也要坚持表现小人物的无能为力。
　　
　　武雄显然不擅长交际，他能求助的对象少得可以。问题在台北被打回高雄，在高雄又被打回台北，给踢了一圈皮球后，武雄不自觉地找到了上访形式，然而个人努力终告失败，他也背负了牢狱之灾。一直到这里，武雄事件就跟开头接上了轨。
　　
　　可感动能来得再多一些么？这个来自底层的中年男子，连妻子以前做什么都不知道，他也不曾料及女儿身份会带来如此多麻烦。居无定所，害怕执法人员出现，面对行政人员总得仰视跟乞求。相当之可怜，更多是心酸。类似控诉社会不公的事情在身边周围，的确太过常见。他看似懦弱，却有着自救的理由。一切只因妹仔是他女儿，血浓于水，在妻子走掉后，女儿的开心与幸福就意味着他生命的全部。父女被人为拆散后，妹仔也不快乐，然而结尾镜头是从她的脚开始往上摇。显然，妹仔不用再住在脏破乱的废弃屋子，也能跟同龄人在学校里读书，可她失去父亲的时间太久了，她的生命被抽走了灵魂，所以她始终闷闷不乐。生命因你有意义，说的大概是这道理吧。【北青报】

你还想要我的血么？

木卫二 — Thu, 03 Dec 2009 11:01:00 GMT

■入评理由：今年戛纳评委会奖，朴赞郁自述是最沉重与最黑暗的个人作品。
　　
　　　　■片名：《蝙蝠》
　　
　　　　■导演：朴赞郁
　　
　　　　■上映日期：2009年4月30日（韩国）
　　
　　　　■读家：木卫二
　　
　　　　■推荐指数：★★★★☆☆
　　
　　　　■一句话点评：颠覆你在以往见过的吸血鬼形象，难以抑制的渴、疯狂崩溃的爱。
　　
　　影迷口味、B级片情趣、哥特巴洛克西方古典悲剧，这是过去的朴赞郁。当金知云改造完东方式西部片、奉俊昊再创犯罪惊悚题材新高，下一棒的朴赞郁翻出了多年前读过的左拉小说《泰蕾丝·拉甘》（中译本名为《红杏出墙》，讲述一对通奸男女遭受了鬼魂的可怕折磨），他选择了更加偏锋的吸血鬼。光从剧情梗概上就可以得知，影片血浆程度远超《我要复仇》，再有毫不掩饰的情欲场面，这部片子看上去本应是前所未有的圆满。但事实并非如此，《蝙蝠》是部难以形容的怪味片，它的诡异程度远远大于此前的复仇三部曲和机器人小品。我们已经不能用玩心太重来掩饰朴赞郁的肆意妄为，他根本不想去理会观众的保守底线。
　　
　　电影一开始讲述了神职工作者因意外变成吸血鬼，重点讲述牧师（吸血鬼）的内心挣扎，他无法抑制吸血的冲动，又害怕死后会下地狱。很快，电影成了偷情男女的道德负罪，与吸血鬼无关。龚古尔曾评价原著小说，称那是对悔恨做了一次杰出的病理解剖。《蝙蝠》描述了牧师的心灵忏悔，他在通奸杀人后内心充满悔恨，带着一颗有罪的心存活，痛苦又不得解脱。牧师想掩饰自己的吸血鬼身份，掩盖不伦关系的事实，后来更不想谋杀败露，见不得人。与之相反，少妇精力旺盛，她在牧师身上找到欲望河流的决口，无所顾忌，一步步把对方还有自己拖进了万劫不复的境地。
　　
　　牧师以仁爱自居，不想踏上了一条通往邪恶的道路。虽然自身堕落，拥有超能力的吸血鬼身体，但人性没有泯灭。他要喝血也是偷偷摸摸的，宁可不要新鲜的，吸食病人的血、和信徒做交易，也要主动远离杀人放血的卑劣行径。相反少妇获得重生后，她就暴露了吸血鬼的天性，滥杀无辜。正如少妇劝诫牧师所说的，救我或者不救我，你都会后悔，《蝙蝠》描述了这种致命的诱惑，正如牧师变成吸血鬼后只能靠血液存活，否则只会导致自身的毁灭。遇见少妇后，牧师就疯狂地爱上了对方，弃理性和道德于不顾。少妇不信教，她只想逃出那个病态家庭。她光着脚在午夜的街道上狂奔，利用惨遭虐待的错觉，搔首弄姿眉目传情香汗淋漓，激发了牧师的妒忌和愤怒，牧师无可救药地爱上了她，最终酿成杀人惨剧。
　　
　　《蝙蝠》由开场处起就是白色的医院病房场景，借助诡异的推镜和离奇的场景讲述了牧师的死而复生。也许白色不能完全等同于光明，但少妇的家居装饰原本是冷冰冰的色调，死气沉沉令人不寒而栗，后来双双变成吸血鬼后，屋子被粉刷成白色的天堂，形成鲜明反差。有趣的是《蝙蝠》到了结尾才出现洋溢着金黄的暖色调，这跟奉俊昊的《母亲》不谋而合，两个电影都是上来就通过音乐开场，希望观众赶紧进入那种观影情绪。
　　
　　朴赞郁大量尝试了黑色幽默的喜剧手法，牧师当然想不开，他要自杀了断，结果怎么都死不了。他主动让老师“掏心”，对方态度立马转变，好一个讽刺。牧师原本对上帝无比虔诚，结果在堕为吸血鬼后变得麻木空虚，然而信徒们依然对他不离不弃，期望能有奇迹出现，最后牧师让他们的幻梦破灭。
　　
　　影片有多处身轻如燕的飞跃，中间有一段还被用来抒发情感，少妇在牧师的怀里，忽上忽下，享受到了前所未有的快乐刺激。打麻将的场景更是奇怪，普通闲谈就像调情对话，死去儿子和瘫痪母亲就如同鬼魅般的存在，看得人心惶惶。
　　
　　相互折磨、爱到不能，常人都看得到这些，可影片还是太跳了，很多人会难以接受。然而只需要有穿鞋那种灵光一现的细节，我就对朴赞郁充满敬意，那远要比什么目瞪口呆和情欲交织来得更有意思。【北青报】

少女与谎言

木卫二 — Wed, 02 Dec 2009 07:38:00 GMT

■ 文艺补白
　　
　　最新文艺片推荐
　　
　　《地铁上的女孩》
　　
　　导演：安德烈·泰西内
　　
　　主演：艾米莉·德奎恩
　　
　　 有批评说泰西内的这部电影拍得不像社会新闻题材，有如一出单亲少女的内心成长记，关键词是谎言。可泰西内忠于记录，不就够了吗？

　　 2004年7月，法国地铁里发生了一起恶性反犹案件。一女子声称被几个年轻人误认为犹太人，并因此遭到了攻击，身上被划下侮辱性的标记。事件发生后，法国一片震惊，希拉克也出面表态。警方后来的调查却让人大跌眼镜——— 该女子承认：这是她自编自导的一场闹剧。
　　
　　安德烈·泰西内(A ndréTéchiné，《野芦苇》)挑选这个敏感的社会新闻题材，重点不在还原事件始末。女子如何瞒天过海、警方如何戳穿骗局并不重要，为什么要冒天下之大不韪编造谎言、反犹为何会引发轩然大波，才是泰西内思考和关注的方向。
　　
　　少女珍妮就这么出现，她的教育背景、家庭环境还有个人梦想一一确立。案件本身被处理成少女生活中的一起风波——— 珍妮并非有意挑衅大众，只是男友出意外后，她受到很大冲击，加上现实生活中的压抑不满，珍妮不自觉地受到媒体报道的影响，制造了后来的闹剧。
　　
　　影片名叫《地铁上的女孩》(La filledu RER)，实际上地铁跟影片主要场景关系不大，这个片名只是对珍妮的一种称呼。影片以珍妮为中心，让她跟母亲、男友、律师以及结尾的小孩建立不同程度的联系，珍妮的性格特征就隐藏在这些关系中。她喜欢无拘无束的生活，希望能享受自由的快乐，但总要受到来自周围的束缚，比方说工作求职。
　　
　　影片质感很好，拍得相当漂亮。珍妮和男友在马路上滑行，两人对着电脑裸聊，这些段落都拍得相当养眼。泰西内有意增强了画面的曝光度，让影片闪现出金子般的光泽。珍妮到了乡村的那段，是最为人熟悉的泰西内风格——— 人物关系单纯，情感温暖流动。解开珍妮心结的不是长辈不是人生导师，而是个小孩———一个要过成人礼的小孩。在他面前，珍妮反而敞开一切坦然相待——— 彼此信任、没有隔阂，这是泰西内作品中人物的一大特征，往往留在结尾处出现。
　　
　　有批评说泰西内的这部电影拍得不像社会新闻题材，好像没有批判任何东西，没能加深题材的力度。然而法国媒体依然偏爱这部电影，影片有如一出单亲少女的内心成长记，关键词是谎言，泰西内忠于记录，不就够了吗？【南方都市报】
　　
　　泰西内对复杂的现实事件进行了深刻的研究，影片提供了一个窗口，让我们看到现代法国政治和文化的复杂性。 ———Jonathan Romney(《每日银幕》)

我给第一届优质华语电影大奖的个人选票

木卫二 — Wed, 02 Dec 2009 06:43:00 GMT

第一届华语电影优质大奖

年度十大华语电影选票

名次	分数	片名	评选理由
第一名	10分	天水围的日与夜	虽然许鞍华的状态起伏不定，虽然这部片子更像是无心插柳，然而里面的天水围就像大多数人身处的当下时空，华人社会的人情味儿挡都挡不住。人生但求皎月般圆满，如有残缺破损，也是常事。自当迎难而上，寻得豁然达观。
第二名	9分	情非得已之生存之道	电影是什么东西？电影它不是东西。作为新人导演的钮承泽，面对乌烟瘴气的台湾环境，好题材、好电影都被先人前辈拍尽，创作无奈下选择了讨巧的应对。你可以笑话里面的很多东西，但是我欣赏他的低姿态。
第三名	8分	九降风	近五年来最好的一部台湾青春片，对有些人来说可能不够爆也不够尖锐。棒球涉黑和纯真幻灭预示了青春的收场远去，如果更仔细去考察1996到1997年的时空期间，台湾在政治文化体育乃至电影领域发生的事情，都在日后造成了全盘影响。
第四名	7分	文雀	拖了好几年，杜琪峰把《文雀》拍得随意松散。诙谐轻快的小情调，风格化的摄影和配乐，珍藏的老城区记忆。这个故事无关爱情，只有诱惑。
第五名	6分	海角七号	幸好这不是按照票房成绩来评选。海角的最大成功是台南的小镇风情和几个小人物，台湾电影在这块领域的表现上也已经缺失许久，引进内地也是个文化话题。
第六名	5分	证人	这样的警匪片没能超越时代、推陈出新，不过林超贤尚能与时俱进，加上几名演员的集体发挥，可以一看。
第七名	4分	立春	顾长卫眼中的第二个十年，烟尘尘的开头，光明到来的假象，小人物在小城里的挣扎与不甘，文艺腔稍重。
第八名	3分	李米的猜想	曹保平以160公里的时速在小片路线上高速狂飙，根植于城市的现实题材开出了感人的花朵。
第九名	2分	千钧。一发	老鱼也要过冬天，中国的独特环境，高群书的翻身之作。你要知道他原先的起点，才能看出进步。
第十名	1分	保持通话	他山之石，可以改编成好看的类型片。吃人嘴短，你无法要求陈木胜做到一百分，不过他已经做得不错。
总体评价	以小见大，以小片来说大片，以小年来说大年。2008年的华语电影还是有值得称道的地方，票房片、类型片、文艺片全片开花，然而参加三大电影节的华语电影却只是匆匆过客，票房之争好像也没有真正云开见月明。还好台湾地区取得了惊人的突破，即便所谓的复兴言之尚早，但台湾的确是整体表现最为优异的版图。香港依然低迷，不过有《天水围的日与夜》的存在，这一年不会被人遗忘。对内地而言，2008年的重要性肯定比不上我们正在经历的2009年，但整体向上的势头还算不过不失。

第一届华语电影优质大奖

年度华语电影个人奖项选票

类别	姓名	评选理由
年度最佳导演	许鞍华[天水围的日与夜]	许鞍华一用力就失准，太把电影当回事，那就只能跑调，还好这些前后的事情与本片无关。人间冷暖谁得知，小片当中见真情，我们还是要感谢许鞍华，除了她，香港似乎不再会有合适人选。
年度最佳编剧	吕筱华[天水围的日与夜]	纵然无心而得，可内里的力量不减。招式去尽，细节出彩。影片的成功，有过半是这个不起眼剧本的功劳。
年度最佳男主角	张家辉[证人]	矮子里面选高个。不是张家辉太强，而是站一排比的人太弱。这个自毁形象算是毁对了，这个疤面坏蛋还能打动人。
年度最佳女主角	鲍起静[天水围的日与夜]	可以默默无闻，可以保持低调，是本色还是功力，这些都不再重要，因为这样的朴实无华角色足以叫人动容。
年度最佳男配角	王学圻[梅兰芳]	很不幸，这个片子的其他演员都被他比了下去。如果说《梅兰芳》有什么难得之处，腔调十足、要什么有什么的十三燕肯定是其中之一。
年度最佳女配角	陈丽云[天水围的日与夜]	她是在演么？那分明是从现实生活里跑进去的，一名可亲可敬的独居老人，无法用形容词来评价和描述。
年度最佳新人男演员	林宗仁[海角七号]	茂伯一出，谁与争锋。在他身上，我们能找到当年李天禄的健谈风采，更多的还是欢乐。纵然不是国宝，也是影片一大发现。
年度最佳新人女演员	徐娇[长江7号]	选童星的一大难处是梁朝伟那句经典名言：她懂得什么叫作演技吗？可徐娇这个角色实在太吃重，周星驰甘当绿叶，片子完全为她量身打造。

冬天的歌

木卫二 — Sun, 08 Nov 2009 08:20:00 GMT

Moody Manitoba Morning - The Bells

心事如云，怎样都行

木卫二 — Sun, 08 Nov 2009 08:17:00 GMT

■ 文艺补白
　　
　　最新文艺片推荐
　　
　　 ●《怎样都行》导演：伍迪·艾伦
　　
　　主演：拉里·戴维
　　
　　《怎样都行》没有任何新鲜的东西，它就是个人生喜剧，肆意地调侃爱情，挑逗或者说挑衅那些正在观看电影、有着严肃道德观和精神洁癖的男男女女。
　　
　　纽约小老头离开了欧洲，回到美国。看海报上的拉里·戴维(L arry David)摊着双手作无奈状的模样，总有理由让人怀疑他分明就是伍迪·艾伦 (Woody Allen)本人。他回想起当年的纽约故事，索性拿出来再演一遍。当年写给幽默大师泽罗·莫斯特尔(Zero Mostel)的剧本，改由热门喜剧明星拉里·戴维接手，倒也说得过去。至于是否会被影评人嫌弃，谁在意呢？《怎样都行》(Whatever Works)里的鲍里斯，自封高智商天才，为人苛刻，特别喜欢挖苦和讽刺他人。不用说，这样的人肯定也活得不开心。他有严重的焦虑症，跳楼摔瘸了腿，老婆也跑了。虽然好像全世界的人都欠了他什么似的，不过他孤家寡人生活倒也清闲。
　　
　　影片始于他和几个老友的寒暄，鲍里斯又开始滔滔不绝，众人说服不了他，或早就习以为常。鲍里斯突然起身，向着镜头走来，开始一通独白式的说教。他把看电影的观众也开涮了一遍，说这些人是莫名其妙的白痴。熟悉伍迪·艾伦作品的人肯定不会感到意外，这种把观众也带进去的方式以往早有出现，《怎样都行》无非原封不动拿来，放在头尾用了下，趣味有余而新鲜不足。值得思考的地方在于，很多人不就在看电影的过程中骂这个家伙笨说那个家伙蠢？满嘴火药的鲍里斯恰好是个例证。
　　
　　在意宗教在意上帝，在意家庭在意父母在意身边人，伍迪·艾伦说 take it easy(放轻松)，他们都是虚的。人类的七情六欲在鲍里斯看来都无比可笑，他很容易把话题上升到时间和宇宙的层面。鲍里斯把这套东西灌输给身边人，不停地洗脑。简单来说，无非就是不要把爱情看得太重，只要不伤害别人，放任自流，怎样都行。即便是嫁给鲍里斯的姑娘后来跟别人好上了，他也一点没有悲伤；只是回到以前的不开心生活，他又一次选择了跳楼，然后接受命运的安排。
　　
　　这么说吧，《怎样都行》没有任何新鲜的东西，话唠狂的对话成灾、必不可少的美女、冷笑话和荤段子、打过来和打过去，这些不是都有么。就连人物所在的纽约，那谈不上风光的风光也被搬演过了千百次。《怎样都行》就是个人生喜剧，它肆意地调侃爱情，挑逗或者说挑衅那些正在观看电影、有着严肃道德观和精神洁癖的男男女女。至于看完后是喜是怒还是小感触，随你怎么样，都行。【南都】
　　
　　伍迪·艾伦透露剧本创作于上世纪70年代，这也许解释了这部最新作品为什么看起来那么老。———Lisa Schwarzbaum (《娱乐周刊》)
　　
　　
　　影片给伍迪·艾伦指明了方向，从格劳乔的话语到帕斯卡的智慧，无所不包。导演想说的就是，心自有其道理。 ——Roger Ebert (《芝加哥太阳时报》)

给法国人看的枪战片

木卫二 — Fri, 06 Nov 2009 06:20:00 GMT

在以前，杜琪峰电影里不是没有过外国人，《大只佬》和《神探》里有南亚人。杜琪峰也不是没有走出过香港，他写澳门、说内地，不过根始终扎在了香港。对《复仇》来说，这两点恰是最大变化，少了草莽的江湖气息，多了几分不中不外的洋味。法国摇滚老爹约翰尼·哈里戴的现身，绝对跟“独行杀手”阿兰·德龙不可同日而语，毕竟他们身份就不一样。所以法国人看到《复仇》里身披风衣、咬着雪茄的哈里戴，等他一开口就笑场，那可能好比多年后，我们看到苍老的崔健戴着墨镜，以大佬姿态出现在港片里，的确有点匪夷所思。
　　
　　《复仇》的故事始于澳门，加入了异国来客，途径香港又回到了澳门，杜琪峰又让他作品里的人物绕了一个圈，好一个生死有命。不客气的说，杜琪峰在电影里是在不断重复自己，没有编出新花样。《文雀》里的瓢泼雨夜，《放·逐》里的多人枪战，传统港片里的友情义气，统统是一碗搁凉了的残汤。中间几场枪战打斗或能让人眼前一亮，像狭窄楼道里的激战、潇洒的跳窗，可惜过于短促，经不起回味。相反在垃圾场的围剿一战，三个杀手推着四四方方的垃圾堆前进，以此作盾，跟老大决一死战，这一段又拍得过于抒情，子弹凭空乱射，反而失去了悲凉情境。更不用说之前有如内置了微电子遥控器的飞盘、试枪时自个在走的自行车，均显得相当的突兀和做作，没有此前杜琪峰的行云流水，有拼凑粘贴的迹象。
　　
　　老牌杀手一心要替女儿复仇，他却不断失去记忆。当他忘记了复仇这件事，别人还要不要帮他接力下去？三个杀手面临了这样的难题，他们宁可以卵击石，也要信守承诺。由失忆触发的复仇题材电影有很多，杜琪峰选择了最保守的做法，只是让主角拿着Polaroid（宝丽来）照相机，用照片和备注来认人：我是谁，做什么，这个是朋友，那个是敌人。他强迫自己不要忘记，但这种简化形式本身似乎无法让人信服，冷冰冰的，无法唤醒代入和认同。
　　
　　人类的情感如此复杂，一边希望能忘记不愉快的事情，一边又强迫自己不要忘记。有个最终了断，才好安心走开。《复仇》里的男人都在经受精神上的折磨，老牌杀手无心卷入纠纷又不得不出手，否则亲人冤死，怎能平息怒气。三个杀人意外受命，本可知难而退，一走了之，可他们还是不愿放下那个可怜的复仇者 ——他从法国来，倾尽所有，只为复仇。显然，看透了生死的复仇不再是个先决问题，反倒成了形式问题，就看由谁来完成。
　　
　　对华语地区的观众来说，《复仇》里面依然有很多闪光的配角，杀手黄日华或者大肚婆叶璇，能弥补一些遗憾。对法国人来说，《复仇》是高人气的香港导演为他们上的一道东方大餐。《放·逐》几部电影上映后，杜琪峰得到了法国评论家的热捧，他们迷恋安静画面下的暴力迸发，慢节奏的叙事画面和男人间游戏般的生死情意，因此《复仇》就是一次额外的结好表示，这可能也是中国影迷感到少许失望的由来。

不要相信任何人

木卫二 — Mon, 12 Oct 2009 05:22:00 GMT

(Spoiler Alert! 以下内容有不可避免的剧情泄露，可能影响观看)
　　
　　　　■入评理由：奉俊昊再次挑战犯罪题材，诠释如何超凡脱俗。细节会让人沉浸其中，无法自拔。
　　
　　　　■片名：《母亲》
　　
　　　　■导演：奉俊昊
　　
　　　　■演员：金惠子、元彬
　　
　　　　■上映日期：2009年5月28日（韩国）
　　
　　　　■读家：木卫二
　　
　　　　■推荐指数：★★★★★★
　　
　　　　■一句话点评：经典的找凶手的故事，如出一辙的反类型结果。想看催人泪下母子情的请绕道。
　　
　　荒野里，母亲跳起了舞，随音乐声扭动起身子，顿生怜伤。那股不自然和文艺腔，让我对电影的期待打了不少折扣。当然，这一切只持续了三分钟，否则我不会这么用力推荐。三分钟以后，那位熟悉的奉俊昊又出现了。
　　
　　近景，母亲在切草药。远景，儿子在马路边玩。两个景别加在一起，透露了母子间的感情关系。即便母亲在忙事情，儿子就在眼前，她也放不下心。危险发生，母亲几乎是在瞬间就有反应，冲了出去，但儿子并不理会母亲的关心，挣脱跑开了去。这个镜头组不仅有反复的切换，还有特写，母亲冲出去的长镜头更是把情绪一下子带了起来。因此，开场至少包含了以下信息：母亲倾尽所有，关注和照顾儿子，儿子必须依赖母亲又有所排斥。危险总是无处不在，对一个单身母亲和智障儿子尤其如此。
　　
　　随后，奉俊昊继续深入交代人物。到飞踹奔驰的后视镜，儿子的失败还有先前车内的表情特征都已经充分说明他的身份。高尔夫球场一段有很多流畅的镜头运动，内容大多围绕儿子和他的混混老友展开。影片不断给傻儿子加分，他的眼睛、纯洁的表情还有好笑的动作。纵然上天对他不公，可这个人物的存在至少博取了多数观众的好感。作为一种思维定势，在一部犯罪题材电影里，我们很容易给人物贴标签，正和反、善和恶、好人和坏人，《母亲》里的母子完全是处在弱势底层，导演的意图还不是一目了然？
　　
　　由于开头的撞人纠纷，影片提前安设了警察的出场。《杀人回忆》里乱办案，《追击者》里混乱无能，韩国警方在电影里不大会有什么正面形象，《母亲》里他们也表现尴尬。极为黑色的超级旋风腿侧踢片段，出现嘴咬苹果，让人脱裤，邪恶点的还以为是不是狱霸要发威了，结果啊，还好是想太多。《母亲》里有大量类似细节，过目难忘。像混混和小女生的连词游戏、闪回镜头里五岁的道俊、流鼻血的女中学生，再到一些看似无关紧要的龙套人物，收破烂阿叔和猥琐二人组，往往都跟剧情关键有重要联系，不能遗漏。
　　
　　找凶手的过程一波三折，有落有起。母亲追查案情，雨夜戏里透出寒光冷意，弥漫着诡异不安的气息，仿佛凶手就藏身在无边的黑暗里，随时会现身。混混提供的一点线索更是把惊悚悬疑推向了顶点，尸体为什么会被拖到天台上，是否真带有公然示众的挑衅意味。回忆死者时，影片把当下和过去两个时空剪在了一起，秘密越挖越多，产生出异样蒙太奇魔力，让人猝不及防。但在真相揭开的那一刻，原来所有经过竟是那么简单，正是这种无可辩解的简单逻辑，令母亲立马崩溃。
　　
　　疯狂的代价是把记忆放进古老又沉重的石磨，忍受无休止的打转却难以化除。《母亲》里的儿子不是完全的痴呆，他在记忆准确上出了问题，逊于常人，然而他的记忆里也包含了母子间的阴暗，甚至不排除他在某天会突然想起那晚上发生的事情。把影片很快地重过一遍，发现导演早就埋好了前因后果，儿子被人刺激后的暴起、被区别对待的智障群体还有不负责任的程序机构。有这么多的合理解释，就不难理解为何会有将错就错。《杀人回忆》里大家都在苦苦寻找凶手，就连锅炉工也成了嫌疑犯，到头来没有凶手，所有人都是共犯。《母亲》过后，依然会有很多人会去寻找传说中的真相，或者说是最接近真相的真相。就好比为什么阿叔的照片也在手机上，他的话就能百分之百确信？就连观众都无法轻易接受事实，可见母亲的痛苦要远甚常人太多。
　　
　　如果不好的记忆也能付之一炬，那么结尾那支银针就不用扎下去。对与错，原来就是一念之差。最应该被原谅的两个人反被推到了最不利的位置，这般峰回路转，足以让人坠入虚无，让观众跟母亲一样在荒野中迷失。片中的混混用启示般的语气说，不要相信任何人。其实这段话还可以补个结尾：尤其是你的儿子，包括你自己。当然，还有奉俊昊和这篇评论。【北青报】

小游戏大历史

木卫二 — Sat, 10 Oct 2009 01:32:00 GMT

■入评理由：这部新作好评多多，有人说它是《低俗小说》之后最好的一部昆汀作品，甚至还更好。
　　
　　　　■片名：《无耻混蛋》
　　
　　　　■导演：昆汀·塔伦蒂诺
　　
　　　　■上映日期：2009年8月19日（美国）
　　
　　　　■读家：木卫二
　　
　　　　■推荐指数：★★★★★★
　　
　　　　■一句话点评：涉足二战历史，昆汀依然能说会玩。他用烧掉胶片的方式来篡改历史、超越自我。
　　
　　《无耻混蛋》的英文名叫Inglourious Basterds，英文好点儿的会发现两个单词都有拼写错误，显然这是昆汀故意为之。影片涉及了四个语种和不同的地方口音，如果你一直以说一口地道的美式英语为荣，那在《无耻混蛋》面前还真别太high。农场第一段，大反派汉斯·兰达和农夫对话时突然改口说英语，人们会以为这是为了照顾美国观众或者是纯粹炫耀，结果后面就证明此乃一处惊人的可怕伏笔。再有一些法文单词像牛奶的谐音，影片里也多次出现，它们同样属于对白魅力的一部分。
　　
　　饰演大反派汉斯·兰达的克里斯托弗·瓦尔兹要说四种不同语言，法语、英语、德语和意大利语，样样在行。凭借过人的语言天赋还有非典型的神经质，瓦尔兹拿下了今年戛纳的影帝殊荣。此前他完全在电视圈里厮混，跟电影表演完全是隔行的。看来昆汀不仅能让咸鱼翻身、起死回生，他还能让名不见经传的演员焕发出异样魅力。原先被认为是一号主演的布拉德·皮特有一口搞笑的南方口音，他还皱着眉头、厚着脸皮去卖弄意大利语，完全忘记了自己是在执行秘密任务。影评人出身的英国上尉，一出场就夸夸其谈，看似无所不知，潜入沦陷区后还没发挥就因古怪的德语口音而搞砸了。
　　
　　影片本是经典的二战主题，有关密谋刺杀和特别行动，听起来就惊心动魄。不过昆汀顺着片名意思，把身处其中的人物表现成混蛋加白痴的集合。盟军一方的混蛋小队个个是暴力宣泄狂，他们的个人背景昆汀根本不想多说，反正就是恨纳粹恨到骨子里去的。间谍卧底大多不靠谱，成事不足败事有余。纳粹一方，汉斯·兰达虽然诡计多端，不过还有让人大跌眼镜的搞笑一面。至于希特勒和戈培尔，看他们在电影院里的兴奋劲，完全颠覆了很多人的印象。
　　
　　影片分为五段，昆汀大多严格遵照起承转合，带有平静假象的开场（起），大量的对话口白（承），对峙中一语道破天机（转），突然引发的暴力杀戮（合），其中起承部分又会占去很大的篇幅。以第四段为例，敌对的双方在玩游戏，之前由口音引发的猜忌已经种下了不安定因素，这里还是个沦陷区的地下室酒吧，别以为掀翻桌子、撞碎玻璃、放几颗子弹就可以潇洒地跳窗走人，如果不小心走火了，大家就是撞墙死翘翘——在旁边有一桌HAPPY PARTY的德国兵。玩这游戏的过程中，其他人都不能露馅，否则德国军官就要吃掉他们。昆汀的好玩之处就是用个小游戏来表现明争暗斗，层层剥茧中还不忘抖出有关黑人的冷笑话，两次mexican stand-off（三个或更多角色用枪同时指着对方）也给本段留下了一个精彩叫绝的结尾。
　　
　　相比第四段，有人更喜欢高潮部分的第五段，极尽癫狂，不爽不休。纳粹军官们端庄正坐，观看一部散发强烈个人英雄主义的政宣电影，希特勒希望用坚韧的意志力来挽救帝国的大厦将倾。不想戏院里迎接他们的除了电影，还有地狱火海。第五段是昆汀元素的大集合，猛击不断。煽情的时刻到来，莫里康尼的音乐声响起，一袭红袍的复仇女神和国民英雄狙击手重重落地。历史在戏院里电影开演的那一刻已经重写，复仇的火焰吞噬了一切。在一些人看来，昆汀玩的这些不过是小游戏，每种玩法在个人作品或者前人旧作中都能找到。他就像一个翻箱倒柜的坏蛋，找到东西后得意洋洋说道，你看，这玩意够酷够带劲吧？
　　
　　世界上的影迷导演有很多，在电影史上面，颇有建树的就包括混电影资料馆的戈达尔和自学成才的痞子昆汀，在他们的片子里，拼贴、致敬、模仿和考据随处可见，要单独拿出来当话题从来就不是一件难事。昆汀为了告诉观众硝酸纤维素的赛璐珞胶片如何易燃，用上了一段希区柯克的黑白影像来解说。类似亮点在片中大量存在，从德国电影公司UFA到莱妮·里芬斯塔尔，男的对女的一见钟情搭讪话题就起于电影，影评人的出场要带上炫耀一番理论知识，重视电影的纳粹领导人，片中片的结构方式。昆汀用电影来表现历史，又用烧掉胶片来改写历史，一部爱不释手的得意之作由此而来。【北青报】
　　
　　(Spoiler Alert! 以下内容有小部分的剧情泄露，可能影响观看)
　　
　　小游戏部分原放在日记里，为了不影响观看，另作推荐时做了半数删减改动

无人收割的麦田&虚张声势的狼灾

木卫二 — Sat, 10 Oct 2009 01:25:00 GMT

麦田里的寡妇们

要从第一印象说起，《麦田》挺好看，服装设计带有浓烈的日本风，画面也算漂亮。生死的气节、情感的升华，影片不做保留地推崇一种形式上的美。可要在《麦田》跟日本时代剧间划等号，说何平学人家皮毛，那恐怕只跟先入为主有关。况且时至今日，第五代导演已经拍了多部古装片，哪怕里面真是失败居多，分析样本早已经足够多了。不能说何平真可以做到对症下药，但扬长避短总还是可以。

如果以高潮迭起的传统历史剧做比较对象，那《麦田》依然逃不脱被误解的命运。影片避开了战场的正面表现，似乎停留在了较低的层面上，小打小闹、缩手缩脚。这可能跟女人戏占据主导地位有关，两个逃兵充当了引线的功能，贯穿麦田和潞邑城两个主场景。就在一正一谐的逃兵身上，如果说前者还能做到不过不失，那后者的做作搞笑会引发观众的生理反感。两个人的对戏拖沓冗长，无疑要给《麦田》减分不少。

终日望君君不至，举头闻鹊喜。范冰冰饰演的女主人是潞邑城精神支柱，她的欣喜、迟疑到落空，一整个心理变化就是这座城的命运反映。《麦田》的主题是有关谎言的破灭，一场残酷战争的胜负结果不再重要。对任何一方来说，只要是一丁点的有利消息都能引发狂欢。在逃兵添油加醋的编造中，黑白颠倒，战争变得有些儿戏。然而气泡被戳破的时候，所有的希望全部落空。何平看到了这群被蒙蔽的受害者，他的切入要点就是远离战争、围绕谎言。因此即便在完成度上有所欠缺，瑕疵难免，可只要读到这一点，那么《麦田》还是有其意义，它不会是一个帝国的兴亡、一个承诺或阴谋那么简单。当摄像机拂过那片收获的麦田，时间倒退回故事的起点，充满母性的大地包容了一切。麦田里的寡妇们消失不见，空留下一个红色的孤独背影。

遥远的人狼传说

《狼灾记》有个不能避谈的国际合作模式，日本人井上靖的原著，田壮壮怀揣多年的改编梦想。江志强的安乐公司充当推手，小田切让和Maggie Q的新奇组合，影片故事本身还带有历史魔幻的色彩，这么多的东西掺在一起，最后化学反应的结果就不是田壮壮所能控制得了。

这么多年来，田壮壮始终不愿妥协，安心做起世外高人。这回不能免俗，别人还等着看场好戏。说是一样的钱，还要看怎么去花，《狼灾记》似乎砸在了一些必需的CG特效上，可一遍下来，这些东西并不能也无法真正替影片加分。影片问题出在了故事讲述上，即便还用文艺片的眼光去看《狼灾记》，我们很难理出个深意究竟，里面的人变狼到底是啥意思。七夜夫妻的段落，再有那个开放式的结尾，楞没看出个道理。

陆沈康经过与人斗、与天斗、与自己斗，终于变成了荒野上的一匹狼。田壮壮重拾了一个人性、兽性与神性的主题，陆沈康先是经历了人性退化，再到割断与人性的联系，激发了兽性。在一场遮天蔽日的沙暴中，他仿佛意识到了冥冥中有命运的安排，选择接受。

回到原著上，田壮壮生怕观众不理解时代背景，添加了很多的字幕说明。事实上，像大雪封路、需要撤军，完全能用片中人物的言行来交代。田壮壮始终想保留住小说的讲述口吻，可惜气韵没有找到，还造成了不必要的断裂。影片的前面部分既平又碎，太过频繁的闪回徒增其反，没有回味效果不说，人物的情感爆发就变得毫无来由。狼灾狼灾，从何而来，到结尾真正需要字幕做总结时，影片根本就没作说明，过于相信了观众的理解能力。

影片想往大格局走，田壮壮似乎寻找到了最拿手的被放逐状态：风云万千的大气象，孤独伫立的边缘人，然而这是个神话传说，就比如人变成狼，人与天的对抗无法解释所有的东西，因为观众需要一条理解的底线。我们能想象到《狼灾记》将要面对的困境，试问两边不是人，还能怎么玩。

第五代的历史空城

正如文学著作里常见的借古讽今，第五代导演热衷于书写沉重历史，不失为避开现实纷扰的一道捷径。不过走到2009年，当中国电影一次次掀起新高潮时，第五代跟激情主义和理想主义早已搭不上关系，它成为一个名副其实的古旧名词。何平跟田壮壮再一次选择历史述说，文本出处和发力点不尽相同，可历史记载的意象还是值得注意。《麦田》里的长平之战和《狼灾记》里的西域边疆，观众可以不知道前后史实，却被套进一个银幕上的历史空壳。两个影片可以归为现实的缺失和历史的假想，导演也能做出个人解释自圆其说，然而这真是南辕北辙的尝试么？

一代人有一代人的思维，要完全扭转第五代导演的思维，不可能。灌输商业片理念，更像是个笑话。换句话说，他们的每一次尝试都要面临背离需求的风险，当寓意说教被称为老掉牙，当技术垄断的劣势愈发明显，如何把古装大片拍得好看似乎成了终极难题。投资不是关键，演员不是筹码，导演和观众的不对等交流成了主要矛盾，双方都觉得自己委屈了。当观赏性成为一项指标，无异于逼每部影片都要加入动作指导和打斗场面，这样来看，没有爱情的《麦田》和没有高潮的《狼灾记》至少提供了另一种可能。《麦田》和《狼灾记》都有可取的地方，然而它们的缺陷所在也是一眼可见。问题可大可小，却又绝对不是重改再剪所能解决的。

人们常说立意不同，高下立判，那么《麦田》和《狼灾记》都没有“众乐乐”的姿态，不愿跟观众打成一片，第五代导演依然喜欢保持孤独行者的姿态。再有一例，《麦田》里的低俗娱乐，《狼灾记》里的情欲交战，把它们拿出来单独对待，当成退让或者说试探，我们恰恰能发现，这两部分反而会引发大量争议。当一个导演觉得这样做会吸引观众时，有什么比观众看后觉得大倒胃口还来得更讽刺呢？两部影片之所以会有空城的感觉，大抵如此。【南都周刊/原稿，可能有删改】

从前，有个人变成了狼

木卫二 — Sat, 03 Oct 2009 04:49:00 GMT

网易娱乐独家评论（文/木卫） 应该说，《狼灾记》和第五代导演的气质不谋而合，好似黄土地上的盗马贼，有大有小，深度摆在那。然而你看不明白田壮壮有没有经过深思熟虑，是把艺术片商业化还是用商业手法来拍艺术片。对有些人，那可能就是一个问题或者不是问题，但这是田壮壮的重要转型，试手魔幻历史大作，宣传噱头不断，而他在上世纪的商业电影根本不能拿出来示人。不过田壮壮自己说了，那是被人误解的电影。麻烦来了，《狼灾记》还会被误解吗……

井上靖的宿命传说

福田宏年谈及井上靖作品，认为人们能在他的文字里看出超越个性的人类原始存在。想必大家都知道，井上靖就是《狼灾记》的原著作者，短篇小说《狼灾记》被收录在1959年的《敦煌》中。几十年后，台湾大导演侯孝贤非常喜欢这篇东西，就把它推荐给了田壮壮。田壮壮看后爱不释手，珍藏一二十年，终于等到机会去改编重现，一朝梦圆。上世纪80年代末，中日蜜月期的顶点，上了年纪的影迷应该知道电影《敦煌》，一部有着恢宏气势和优美音乐的合拍巨制，它也是改编自井上靖的同名作品，围绕中国西部的疆土和历史说事。

普及这些背景知识主要为了说明，《狼灾记》的来历就不是田壮壮一人讲了算。井上靖的文本就摆在那里，就看你怎么改。相比较于拿《收获》上面的当代中短篇精选小说，抑或者凯哥凭空想象出一个不存在的无极世界，《狼灾记》有个不离其宗的内里本质，影片也好，原著也罢，它们还是在重复着井上靖的叙说：真实存在的朝代，一个找不到位置的主人公，在沙漠荒野和不同边城间长途跋涉，突然出现致命的异族女子，需要一个亲密爱人的代替者，他们都接受了宿命的安排。《敦煌》和《狼灾记》里都有躲在屋内洞中的女子，她们的异样气息强烈吸引了眼前人。再有时间形式上的约定和期限，直接改变了人物的命运，就像《敦煌》里的一年后要回来，《狼灾记》里的七天七夜。

受挫的狼崽养成计划

有网友坚持认为影片讲述了这样一个故事，陆沈康胆小怕死，不敢上战场，他宁可放放羊，养一头小狼崽，享受简单的快乐。小狼崽尚还没有显露兽性，就像小狗一样温顺可爱。受到长官的提携鼓励，陆沈康性情大变，作战勇猛。后来因为长官离去，部队需要回撤。路上小狼崽不幸死去，陆沈康失魂落魄，动情太深。结果小狼崽有在天之灵，它化身成异族女子，诱惑并接纳了陆沈康，两个人享受了鱼水之欢，最终双双变狼，露出了原型。

严格来说阴阳相隔人兽跨界畸恋的解读没有任何错误，小狼崽的素材原著里没有。故事本来就晦涩，加入这般生活化的细节，无疑会误导观众。田壮壮加入它很可能是为了做比较，同时把小狼崽当成陆沈康的心灵寄托。小狼崽的死去也让陆沈康失去了作为人的乐趣，狼崽没养成，他自己倒变成了一头狼。遇见故人后，这头狼人性未泯，不愿动口，恰好跟没有受到兽性支配的小狼崽形成了呼应，无论是人是狼，它们一直受到了人性和兽性的双重支配。

遥远地方的色狼传说

张安良被恶狼咬死后，西北边闹起了狼灾，那其中有两匹狼特别的凶残、狡猾。一个杜撰的影片结尾，《狼灾记》丢掉了原著的结局，似乎要让观众自行去想像后来如何。悲剧开始于汉朝士兵打扰了这两只狼的交欢，记得它们后入式做得正欢，我旁边一女孩转头大声跟她闺蜜说，看，那头是小田切让！

狼是太色还是出于天性，不可得知。不过它们最私密的交流活动被人类撞破了，而且受到很大惊吓。这对狼夫妻逃脱后变得异常凶狠，紧追不舍，直欲把所有士兵一一咬死才罢休，仿佛只有这样，它们的羞耻感才会消除。有人坚持认为《狼灾记》在这里有隐语，只有人类才会有的羞耻之心，怎么跑到狼那里去了，它们不是搭搭人的肩膀就好了。事实上《狼灾记》是一个象征色彩很浓厚的片子，不可解释的由人变狼、身上背负的恐怖诅咒、异族婚配的血缘禁忌，每一点都能单独拿出，写成一篇洋洋洒洒的论文。

色与狼还是影片的两大看点，除此之外，其他类似对白和龙套等等，真的称不上看点。影片分为三部分，第一部分是关于战争的闪回交代，第二段就是色字当头，好一对露水夫妻。第三段是恶狼抢先，特效为王。

田壮壮的边缘美学

这么说并非指田壮壮的美学理念已经被边缘化，有很多证据表明《狼灾记》依然有田壮壮的风范。第五代遗留的深焦镜头，用以表现大漠风情和边疆气息，人的存在好像只是风景的一部分。部队驻守前线，恰是田壮壮一路下来的偏好区域，从学生时代作品到《盗马贼》，从《茶马古道》到《吴清源》，他一直在关注边缘化的地区，远离传统的中心地带。我们知道，第五代有过下乡支边的成长背景，那无异于被放逐。田壮壮追求的自我放逐和等量齐观，恰好在作品中得到了天然体现，《狼灾记》也不例外。陆沈康好像来错了地方，其他的从军侯到兵士，每个人都不知道为何而战，战争好像很快就能结束又永远不会结束，无休无止。

可惜的是，田壮壮这套东西适合用来拉片分析。真要放在电影院观赏，在感受到美之前，更多的人恐怕要昏昏欲睡，毕竟影片的故事脉络相当薄弱，断断续续，没个头绪。《狼灾记》不把明星当明星用，主演转一圈，很难让人入戏。田壮壮的这套东西，很有可能跟不上外面的时代了。有那么些时候，虽然两个影片的题材和取景地相差有十万八千里，我却想起了同样有小田切让主演的《荡寇》，完全叫不知所云。 (本文来源：网易娱乐专稿 )

战国风情录

木卫二 — Fri, 02 Oct 2009 07:31:00 GMT

先前不少中国导演被问过这样的问题，你不怕观众看不懂吗？大意是，电影里的东西脱离了观众的欣赏水平。导演一听，怒了，我拍的电影是一回事，观众懂不懂是另一回事。不消说，双方互不相让，就这么卯上了。《麦田》很可能会遭遇类似疑问，这电影没有一些人期想中的长平之战，再者近几年任何一部古装大片总要塞进打斗——置弱智脑残的风险于不顾，冷兵器等于致富路。可惜《麦田》里的动作戏基本没有，即便有也不值一提，里里外外只有大大小小的玩笑。因此，所有的愤怒不满好像就会转化成开头的问题，那就是看不懂。
　　
　　可《麦田》真有那么难懂，我看不然。这个电影不同于之前第五代的中国式大片，没有宫廷帝王更没有魔幻神仙，不见有灌输大一统的理念，六合同风、九州共贯。《麦田》讲的是蝼蚁蚍蜉，一群出处不可考的小人物，一座不知名的、虚构的赵国城池。仅凭这点，可以断定影片视角在当下语境里是独特的。这倒不是说小人物万岁，一定要被寄以卑微绵薄的同情。见过太多装模作样的浩然正史，看点不入流的野史，影片倒也是一种裨益补充。剩下的难题就在于何平（去他博客看看）所表达的，能否让人尽览他的想法。
　　
　　给你这样的男人
　　
　　故事可以浓缩为两个秦国逃兵误入赵国寡妇城，经过河水冲刷，他们衣不蔽体，昏迷不醒，进而也就暂时失去了身份。如果抓着合理性做文章，这个故事根本无法成立，逃兵的本国口音和女人们的信以为真似乎无法联系在一起，他们的身份太容易露出破绽了。然而女人翘首期盼太久，希望战争结束、亲人归来倒是真的，敌人的逃兵被当成我方的英雄，听着荒谬，可用来制造冲突，不正是很合理的一件事情么。
　　
　　影片有很多低俗搞笑的场面，甲乙逃兵一正一谐，为了自保张嘴瞎说，真把那群女人给骗得团团转了。在另一边，城主夫人和占卜祭司始终保持着威严姿态，她们并不像下面的人那么容易轻信。事实证明，天底下确实没有不漏风的墙。
　　
　　严肃完毕，说点看法。在两个男人身上，《麦田》的选角较差。俊的作战英勇，只想回家收割庄稼。丑的猥琐不堪，跟别人屁股后面。前者表现无功无过的话，后者就是多余累赘。《麦田》给出这样的配角，有两三分钟可能会是好戏，完全装疯卖傻的表演拖上二三十分钟，那只能打负分。这样的人物根本不会让人轻易接受跟认可，有他出现的场景还要大打折扣。死就死了，一点悲剧性都没有。这样的男人，谁都不敢要。
　　
　　五行相生，天地翻覆
　　
　　《麦田》采用了五行递进的叙述时间，开头加结尾，五行相生，循环不息，人世间因战祸而起的悲剧不会就此告歇。你看懂这个外在的形式，那理解《麦田》就不是什么难事了，至于是反战的泣歌还是谎言的罪恶，问题就不是那么重要了。
　　
　　五行必合阴阳，《麦田》里的男性与女性站在分割对立的位置上，除了性别差异、数量悬殊，他们还是交战的敌对双方，本不可能同处一城，于是影片反其道行之。表面上阴阳经过了人为的调和，打打闹闹、关系融洽，然而血仇还在，背后的真相注定是残酷的，阴阳要被重新割裂开来，结果乾坤逆转，天地翻覆。远方的长平之战也把潞邑城的女人们带进了坟墓，她们本是无辜，依然要遭受牵连受累。田野大地上留有大片的金色麦田，无人收割。在逃兵甲的注视下，眼前世界有他最初的个人希望，但又化作了一片苍茫。与此同时，倒回的镜头又孕育着下一个故事的开始。
　　
　　回看陈凯歌在《荆轲刺秦王》里的赵国城破，女人和小孩以死殉国，《麦田》没有耗费那么大的篇幅去渲染死亡的悲壮美，更多是传递一种静默的力量，一片素服让人看得心头发凉，无比压抑。可能是这样的缘故，《麦田》无关大义凛然的家国情仇，女人决然赴死，成为了战争附带的牺牲品，命运悲惨至此。
　　
　　吹动麦田的风
　　
　　范冰冰的角色是潞邑城的化身，逃兵的意外介入和强盗的到来刺激，这座城走向了毁灭。那在另一面，城外的麦田意味了什么？简单来说，麦田承载了不变的收获与希望。逃兵甲既不厌战也不怯战，他只为收割麦子而走。冒着被砍头风险的理由看似牵强，何平又刻意把小农的个人自私放在了台上，为国捐躯和一己之私的界限原来就这么简单。当他意外打败了趁火打劫的强盗，矛盾变得更加突出。这个人盲打误撞，好像完全走错了地方。他奋力想要回到属于自己的那片麦田，却在一片又一片的相似麦田中迷失。打从开头的出逃开始，麦田这个大环境就始终存在，前中后三次，里面的情感一次比一次来得强烈。纯粹的金黄色下，人的存在显得渺小而碍眼，中途的追逐戏时，他们的喜怒哀乐和彼此关系，好像一下子失去了意义。这些人和身处其中的麦田变成一幅油画，供以观众远观，时间永远凝结在那一刻。
　　
　　战争像一场洪流，席卷而过，这些小人物想要逃避却不能，无处藏身。逃兵炮制了黑白颠倒的谎言，女人们相信了谎言并欢心鼓舞了起来。人类的历史太擅长开玩笑，战国时候的谎言好似只因消息闭塞，困住了一座死城，可谎言就不会在今天出现？为什么里面的以讹传讹、将错就错有点好笑，因为那样的场景太过熟悉。有人会不依不饶地说，这《麦田》是什么玩意，可我真的相信，它还是有点意义的。【网易】
　　
　　SIFF印象 http://www.douban.com/review/2074684/