胧月夜

孙文的眼泪为谁而流——《十月围城》有感

胧月夜 — Wed, 23 Dec 2009 04:16:00 GMT

观影后迟迟未提笔发表一下自己的感受，一来是因为此片在还未公映前就被不少人提到，二来上映后的众说纷纭，虽然口碑还行，至少在今年贺岁档来说是口碑不错的影片了。不过，影片还是引来了很大的争论。争论的焦点集中在几个无辜的百姓为革命做出牺牲的部分。

和朋友聊天的时候，许多人都对这样的情节表示了理解，但同时也埋怨不少。为什么出来保护孙中山的人可以在不知情的状态下那么奋不顾身的牺牲自我？他们知道自己做出的牺牲有多大的意义么？

我开玩笑的说，这些舍生取义的人不是为孙文而死的，是为李玉堂而死的。在他们的眼中李玉堂才是孙中山，而孙中山只是个很概念的人物，用现在流行的话说他是个传说，而李玉堂才是真真正正活在他们身边为他们带来希望的人。

阿四，李府的黄包车夫，对李府两位爷可谓尽忠尽职。这个人物由谢霆锋出演，是个纯真、简单的人物。在他的世界里只有好好为李府干活和娶阿纯两件人生大事。前一件已经通过自己的努力达成，而后一件则是李老爷为他实现了一半，后一半因为自己的牺牲无疾而终。

我非常喜欢这个角色，单纯得很可爱。对于两父子的效忠真是连命都搭了进去，当他发现假扮孙中山的是自家少爷的时候，他所表现出来的那种关切和奋不顾身颇让我感动。而这个功劳当仁不让的归谢霆锋所有，他的演技真是大为精进，令我刮目相看。

刘公子，街边乞丐，因为恋上后母而导致家族破败，流浪街头。刘公子一身绝世武功，却自我废弃甘愿在街边行乞，若不是得李玉堂救助恐怕早就陈尸街边了。潦倒的他醉生梦死，却欠下了李玉堂的情。所以，当李玉堂找他当保镖之时，他最是无畏的要求站在最危险的地方。那时，他已经心死了吧？或许此次赴死倒是成全了他。

初看这个角色的时候，竟然把他错看成了张国荣。据说陈可辛曾有意让生前的张国荣出演此片，不知道是否就是这个角色。在这部影片中，虽然黎明的演技不是特别闪亮的，但是他凄冷、悲凉的气质还是给我留下了深刻的印象，至少不似原来的木讷，眼睛里也多了些许内容。

王复明，一个做过和尚，后又卖臭豆腐的普通百姓。这个家伙个头高、力气大、侠肝义胆，有自己的可爱之处。曾经因为李玉堂与警司的对峙而对其人颇为欣赏，所以当李玉堂来找他帮忙时，他肝脑涂地的跟着他去了。他不太懂得人的复杂性，只是把人做简单的区分，当他问李玉堂他要对抗的是什么人，李玉堂答是坏人时，我有种莫名的感觉在搅扰。

王复明的角色是巴特尔扮演的，篮球国手。似乎很木讷的人，但是在影片中的武打部分也算是虎虎生风、酣畅淋漓。这位仁兄的牺牲也确实壮烈，当时对我震撼不小。说不少巴特尔的演技如何，但是他确实很令人感动。

方红，前革命志士的女儿，对自己的父亲有着复杂的情感。她憎恨自己的父亲带着自己在各地颠沛流离，可是当父亲及一干下属牺牲后她对父亲的爱被激发出来，一股力量在她体内爆发，推动着她走向牺牲的路途。

方红由李宇春饰演（春哥出场的时候，影院里爆笑一片）。开始挺讶异为什么导演选择了李宇春来扮演这个角色，大概是出于商业运作的考虑，也可能角色性格的决定。但是李宇春的表现还算过关，方红的牺牲很干脆，却没带来多大的感动。

沈重阳，这个人物有些神秘。是香港警署的一名警察，平时干点偷米摸狗的事情。与李玉堂的妻子有过一段可悲的爱情，身怀武功而少施展。这个人物做出牺牲完全是因为要让女儿安定地生活下去，过上幸福、优越的生活。此人死得最为惨烈，也最让我摸不着头脑，尽管可以理解。

甄子丹出演此人恰到好处，与拳王的追逐戏非常精彩。对他实在没什么可说的，只是他扮演的角色很迷离，我一度想弄清楚此人的身世。

当这些人相继死去的时候，孙中山在与革命党领袖开会，说着革命要有牺牲的口号。很多人把这句话的含义放到极大，毕竟为他做出牺牲的人不是真正的革命者。而清廷是否推翻后，孙中山是否会追封他们革命烈士也是后话了。

开始听孙中山发表演讲的时候我觉得挺刺耳的，怀着对那些无辜牺牲的人的强烈情感。后来琢磨的时候，似乎觉得这话有多一层含义，革命是需要牺牲的，需要牺牲的仅仅是那些抛头颅、撒热血的革命者吗？整个中国的百姓因为战乱卷入了这场革命，只是他们不自知罢了。孙先生的“牺牲”或许有更多的含义吧？

片中还有个挺有趣的角色，就是大反派阎孝国。一个愚孝者，杀人不眨眼的人。他杀革命者的理由是国家需要统领者，而当时的清廷是国家唯一的政府机构，没有这样的机构国将不国，所以他甘愿为一个腐朽的王朝服务。

这样的人是最可恨的，可是影片到最后我却没恨他。他对李少白说的最后一句话很有咀嚼的意义，如果没记错的话李复光假扮孙中山从孙中山母亲那出来的时候，李玉堂紧随其后，阎孝国是看见了的。他是一个聪明人，不会不知道孙中山是假的。可是他又为何执着的追杀山寨版呢？

结合最后一句话，我倒觉得他为报师恩，有放过孙中山的意思。只是此人过于愚忠，为了对腐朽的清廷有个交代，只得选择去杀一个激进的学生。还真是一件悲哀的事情。

当革命任务完成，李复光牺牲后，孙中山含泪的眼光出现在荧幕上，不敢相信那是张涵予。但是这位硬汉似乎在本片中柔情了许多，眼里含的泪水分明多是怜悯，而没有太多的悲愤所带来的杀气腾腾。

这是我最感兴趣的一处，孙中山来的时候知道会有很多人会为他牺牲，而走的时候定然也知道这么多人已经为他牺牲。本以为他会在演讲时热泪盈眶，可是我见到泪水时他已安全离开。大概是我多想，但是我还是觉得似乎多了一层含义，他的泪水是为即将做出的更大的牺牲而流，还是为现在这些已经牺牲的人而流？

很欣赏王学圻的演技，也很喜欢李玉堂这个角色。为了帮助李少白完成保护孙中山的任务，他牺牲了自己的道义，牺牲了自己的儿子。前面说过四个无辜的牺牲者是为他而牺牲的，而他才是真正在为革命做牺牲。这样的牺牲是惨重的，不知道事后孙中山会知否，知后会流泪否？

王学圻的演技真不是盖的，我没流泪，但是我感动了。最终的掌声献给他。

美国人的另类救赎《猎杀代理人》

胧月夜 — Wed, 16 Dec 2009 13:10:00 GMT

很抱歉这次实在是忍不住了想挖苦几句，美国人对于救世的欲望太强烈了。在过去看到的关于灾难的影片中，无不充斥着美国人的英雄幻想。这次也不例外，虽然在遥远的未来，虽然只是一个外太空的幻想，但是急不可耐的YY救世情节还是这部影片的主题。

《猎杀代理人》讲述的是多年后的人们不再需要外出办事，所有一切由代理机器人完成即可。然而，一些反对机器人介入人类生活的人群却在代理机器人的生存空间里筑起了一道堤坝防止外来机器人的干扰。

需要代理人的与依靠双手自力更生的群体自然成为了矛盾的双方，而更讽刺的是猎杀代理人的阴谋制造者恰恰是最意想不到的伟大科学家。在人类群体的灵魂领袖在影片最后也是让人意想不到得大跌眼镜。

布鲁斯·威利斯此次担纲影片主角，宝刀不老的他在影片中扮演一名倔强而英勇的警察先生，依旧是能打敢拼的类型。大概是看多了布鲁斯饰演这样的角色，所以这部影片中他的武戏部分没多少让我振奋的地方，反而是他在回归人类感情的文戏部分出彩不少。

俗话说男儿有泪不轻弹，本就看上去不太爱言语，自我表达也不强的布鲁斯在本片中如此迫切的表达自我情感，还表达得情真意切、掷地有声，可真让我吃惊不小。不知道是他演技进步了，还是我看他的片看太少了，总之整体表现还是不错的。

说回影片的主题上来，科幻片虽然一直都会提到机器人将会代替人类完成许多高风险或者人类不想亲自去完成的工作，而且还会与人类模样相似。但是，这些科幻片还是在影片的最后让人类认识到了自己在地球上存活的意义，让人类摒弃机器人这件促使自己懒惰的工具。

这是个奇怪又正常的心理，不难理解，也无多大讨论空间了。不过，这部影片提到的代理机器人还是挺有意思的，一个人只需要躺在家里，所有的事情都可以让代理机器人在自己的控制下完成，而且还可以把机器人装扮成自己喜欢的模样。

我对这点的好奇无外乎女孩子的洋娃娃的兴趣一样，对新奇的事物总是怀有莫名的期待。假若这个世界上真有了代理机器人这么一个玩意儿，不知道我会选择当人还是选择让机器人当我。

有出现一个新的问题，就是当傀儡还是当主人的问题。我记得影片中提到过傀儡，被人类控制的机器人无疑是人类的傀儡。然而，完全依赖科技生存的人类何尝不是科技的傀儡呢？

观完此片，我唯一的感受即是人类还真是由矛盾与脆弱交织形成的群体。面对强大的力量时变得如此之脆弱，然而为了让自己强大却又如此固执的把自己的能力延伸到其他物体上。于是开始恶性循环。

影片结尾，布鲁斯·威利斯为代表的美国警察再次拯救了全人类，把人类从控制代理人的温床上解放出来，重新回到现实的世界。不知道这是好事呢还是坏事，事态会否沿着恶性循环的路一直发展下去？

父爱不言道《世界上最伟大的父亲》

胧月夜 — Fri, 11 Dec 2009 06:59:00 GMT

我的名字叫兰斯克莱顿，我生命中最大的恐惧就是怕孤独终老。我是个教师，但更爱写作，严格的说我是一个作家，一手的，虽然我写的五本小说全部被退回；还好在学校里我教最热爱的诗歌，虽然每节课只有两个人；不谦虚的说，我还有个火辣的女友，比我小二十岁，我们之间是一段充满神秘的地下恋，因为她时不时的还要跟一些肌肉男约会；我有个15岁的儿子，他是我的骄傲，每次讨论性话题他总是直言不讳，偶尔进入他的房间也会给我一些特别的惊喜，而我更担心的是他的下体着凉。这就是我的生活，我维持着远离孤独的生活，微笑着维持，狰狞的维持，即使发生了一系列意想不到的事，即使under pressure。直到有一天，在众人的注目下，我终于明白，我过去常常想，生命中最糟糕的事情，莫过于孤独终老，但事实并非如此，生命中最糟糕的事情是身边有人陪伴，却仍倍感孤独的离去。那一刻，我释怀了。

曾经看朱自清的散文《背影》了解了父亲的爱是深沉的、含蓄的，所以对那些含而不露的父爱充满了敬仰。尤其是在人人大唱“世上只有妈妈好”时，那些无人叫好的父爱变得愈发的沉重，在无掌声的大爱下，父爱无减地默默流淌。

不记得是在哪期杂志上看到的推荐，内容吸引了我。很认真的把《世界上最伟大的父亲》观看完，从不理解到为他鼓掌，我见证了一场真正伟大的父爱。

兰斯·克莱顿是一个失败的作家、背运的父亲，他的小说卖不出去，他的儿子也不争气。可他却从不抱怨，只是默默的承受着，用比哭还难看的笑容和不露声色的眼神来传达着自己的无奈。

这样的角色不好演，没有很大的戏剧冲突，没有高潮迭起的剧情，只有迂回曲折中自然流露的真情。有的演员可以在高潮迭起的戏码中嚎啕大哭或疯疯癫癫、歇斯底里，有的演员则可以用一个眼神来表达一件事、一份情，这两类演员都是好演员，但是要论两者之间谁更好，我认同后者。

有些戏份不是单凭演技就能展现出来的，需要的是对角色的理解和生活的积淀。记得看《福斯特对话尼克松》时，影片接近尾声时尼克松那段时间不长的眼神特写让近乎所有的观众为之震惊。人们不仅在那一刻看到一位脆弱的、败下阵来的过气总统，而且更看到了一位演员对角色的精准把握，对人物心理的深刻理解。

曾经在《死亡诗社》里散发过超强魅力的演员罗宾·威廉姆斯此次出演《世界上最伟大的父亲》时要表现的同总统并没多大区别，一举手一投足都必须让别人看到一位生活在灾难中的父亲，是如何在沼泽中挣扎的。

生活不像演戏，尽管生活有时候如同戏剧。它更多的是一种平淡的、静默的形式，不似戏剧那般激烈。父与子之间的矛盾，不会升级到刀枪相见、你死我活的地步。麦克白、阿姆雷特只能出现在莎士比亚的戏剧中。

所以罗宾·威廉姆斯是下足了功夫饰演心理复杂的兰斯父亲的，他在处理父亲的矛盾与悲痛，幸福与隐忍时是收敛的。一个成熟的男人善于把自己的内心掩藏起来，悲伤独自扛着，所以在充满纠葛的生活梦魇下，兰登·克莱顿的孤独越然屏幕之上，感觉是那么真切，那么彻底。

帮助罗宾·威廉姆斯完成这次伟大塑造的是影片中适时想起的音乐，仔细看看歌词会发现，亦或俏皮、亦或讽刺、亦或叛逆的歌词正把两父子的关系和心境毫无保留的透露出来，即使你不能即刻理解兰斯的孤独，也能透过歌词凝听到一位父亲的叹息。

电影的配乐是了不起的，它用一种无形态的方式协调了调度中无法和谐的部分，节省了更多镜头对影片的诠释，也让演员的肢体表达更上一层楼。许多优秀的影片不乏电影配音的贡献，尤其是插曲和配乐。

《世界上最伟大的父亲》中，电影插曲成了一种解读，解读当时环境下父亲的心境和儿子的叛逆。正如我在前面提到的，他是兰斯·克莱姆的个性延伸。

在演员的努力和音乐的巧妙配合下，导演鲍勃·格德斯维克的表现也可算得稳稳当当。对于这位导演的了解不多，除了《星际宝贝》似乎没有接触过他导演的影片，在此也不知该做何评价。但是作为R级生活片的评定来说，这位导演对于生活的观察与理解也算有自己独到的地方。

为了体现父亲的伟大，导演刻意安排了两次儿子手淫时与父亲撞个正着的戏份，也安排了儿子意外死亡后父亲悲痛的完成儿子死亡日记的一幕，更安排了父亲说出真相后奔向游泳池中的释放。

影片中还有一个角色，是兰斯的儿子凯尔的朋友。这个角色看上去可有可无，却无处不在。他不仅是凯尔最贴心的好朋友，也是唯一尊重兰斯的小男生。从某个方面来说，他更像兰斯的分身，一个更渴望贴近儿子分身。

这个分身有些懦弱，有些自闭，却在凯尔死后一而再，再而三质疑兰斯的谎言。在他的推动下凯尔与兰斯的情感纠纷表现得鲜明，儿子死后父亲情感的转变也很自然。

我喜欢这部影片，在其中看到了父与子、爱与恨、希望与死亡的纠缠。到底生活要继续，只是断了情的父子关系就像掉了链的珠子，再无法接上。叹慰的是父亲的伟大，尽管在父亲借儿子之名发书时我不能理解父亲的所作所为，但是最后我只能用敬仰来对待这位老人。

不要迷恋中国，它只是个传说题

胧月夜 — Sun, 06 Dec 2009 05:55:00 GMT

影片《2012》中有句台词非常有名“看来，当初我们把方舟放在中国建是对的，因为只有中国人能在这么短的时间内完成这样的工作。”让无数中国人骄傲，也让很多中国人鄙夷。许多人在讨论美国人在拍电影时为什么要加入这样一句近乎讨好的台词，一些脑子动得多的甚至认为这是一句讽刺的台词，不甚喜欢。

其实，在影片中提到中国并不是稀罕的事情。只是过去提中国与现在提中国的形式不同了而已。

记得早前的美国影片中，但凡提到“China”的地方均与神秘的东方文化和落后的经济、愚昧的人种有着密不可分的关系，而且提到的次数不多，几乎只是两句话带过来创造效果而已。

而进入二十一世纪以来，随着中国“大国实力”的不断展现，金融危机的奇迹脱困，“China”几乎成了一个传说，而在美国影片中所展现的“中国文化”亦是越来越频繁，甚至成为一种流行元素。

美国人真的迷恋中国文化么？或许有这样的因素存在里面，日新月异在中国不是一个夸大的形容词，而是完全切合实际的用语。中国每天都在变，不让那些害怕中国发展起来的西方人关注是假的。

然而聪明、商业气息浓厚的西方人并没有被中国的迅速崛起惊愕得无所适从，反而让这种崛起成为了一笔赚钱的买卖，一个把金钱摇得叮当响的传说。

美国人挖掘中国风的潜力似乎与追捧奥巴马有着异曲同工之妙，记得早前曾有人提到“奥巴马”不再是一位美国总统，而是一个被概念化的，打着美国旗号的政治品牌。围绕在奥巴马周围的是无数的商业利益和政治宣传，在“奥巴马”的名词下美国媒体和政治部门可谓赚的盆满钵满。

再回看充满中国元素的影片，《功夫之王》、《功夫熊猫》、《地狱男爵2》、《木乃伊3龙帝之墓》等诸多影片无不在票房上创造了高回报。一时之间，“中国”不再是一个国家，它更像是一种风格、一种象征来诠释神秘、古老而且美丽、风韵的国度。

乐观的人说，好莱坞大打“China”牌是因为中国强盛了，国际地位提高了，已经有入大国的趋势；消极的人说，美国那帮鬼佬借着“中国”搞外销，让民族情绪强烈的中国人心甘情愿地掏腰包。即便是掏完腰包骂娘也在所不惜，能在电影里看到中国元素那是一件多么荣耀的事情啊？

这是一种很奇怪的心理在作祟，经受八国联军蹂躏后的中国人似乎有一种难以言表的自卑情绪，对于国外的商品有着爱恨难舍的古怪态度。一方面，不少人打着爱国主义旗号要求抵制进口，提倡“中国造”；一方面，国人又在批判着国内商品的拙劣。

而电影方面，这样的情况更甚。随便问问那些年纪尚轻的一代。在大肆受到西方影片的熏陶后，毫无情感的对国产电影表示鄙夷。而当好莱坞拿着“China”做话题时，那股强烈的爱国情绪被勾起，于是就出现了“中国”影视概念化的现象。

我也进电影院看过这些打着中国旗号的电影，无论是《功夫之王》、《木乃伊3》还是《2012》，凭心而论这些影片都没有打动我。《功夫之王》玩的是花哨的中国功夫，《木乃伊3》寻找的中国背景下的贪婪，《2012》无非是一个乘机捞钱的应景之作，乏味可陈。

可是看看这些影片的内地票房，截止11月26日《2012》的内地票房是1.46亿元，垄断了88.02%的市场份额；《功夫之王》首周票房就破了亿，《木乃伊3》的首周票房也在6千万，《功夫熊猫》票房过亿有口皆碑。

难道看了这些影片就是爱国了么？假如真爱国，为何不多多支持国产影片的发展？或许有人会委屈的说，国内影片确实不好看，即便是国内大导演拍的片子也就那么回事。说CG比不上好莱坞，论文艺跟欧洲无法抗衡，那么中国电影还有什么可看？

国庆的时候，恐怕最热门的两部国产影片恐怕就是《建国大业》和《风声》了，在票房口碑双飘红的记录。即使是这样的影片也有人狠骂，怎么都觉得不如人家。但是我要说的，今年看到的国产影片有不少已经超越过去太多太多了，新一代的导演浮出水面，虽然不能拍出让人感叹的电影，但是在影片拍摄上的大胆尝试也是令人尊敬的。

中国的电影发展时间还不长，需要给予更多的包容与爱护。今年的国产电影很有超越，希望来年的电影更精彩。因为看到《2012》中对中国话题的讨论非常热烈，突然发表一下感慨，也欢迎大家与我共同讨论。

男人的忧伤《和沙莫的500天》

胧月夜 — Sun, 06 Dec 2009 03:16:00 GMT

女人痛哭着，男人坚定的抱紧女人，给女人安慰。可是女人在得到安慰之后依然离开了男人，离开了曾经给女人拥抱的男人。男人心里那个恨啊，恨女人不知好歹，恨女人无情无义，恨女人把自己掏空了就过河拆桥。女人只一句话，就把男人击倒：“其实你根本不知道我需要什么。”

　　男人，总是用自己的理性去理解女人的感性，他以为控制了自己的情绪，就是控制了女人的情绪，这掩耳盗铃的悲哀直到女人离开，他也未必知道。于是女人择了新枝，男人在理性的痛苦中装深沉。

这是在某个网站上看到的关于男人被抛弃的名言，很有一番道理。尤其在看了《和沙莫的500天》后感觉尤为深刻。

很特别的一部影片，颠覆了爱情剧的惯常模式，把失恋男生推上了银幕舞台做主角。突然间才认识到，原来在爱情的游戏里也有失败的男人，也有多情的男人，也有被遗弃的男人。上天没让所有的女人成为爱情中容易受伤的动物，他给人们的机会是均等的。

我喜欢《和沙莫的500天》的叙事方式。断点叙述，把不同的时间，两个人做的不同的事穿插在一起，有喜有悲，看上去很亲切、很真实。与我们的生活那么接近，近得触手可及。

忍不住想想自己曾经的幸福、现在的相守和未来的期待。有太多的东西需要珍惜、需要理解、需要选择。

影片用很轻松的方式讨论了男人为什么被抛弃的话题，诚如开头前引述的那段话，男人不懂女人心，就想白天不懂夜的黑。和沙莫在一起的500天，汤姆过着从天堂到地狱的生活。他爱沙莫，为了爱他，他可以接受她不需要爱人的现实，可以承认他们只是朋友，尽管扮演了夫妻，恩爱上了床。可他们还是朋友。

戏剧化的是，最后，不愿有男伴的沙莫结婚了！虽然已婚，沙莫还是喜欢和他在一起，把他当朋友，不要难以理解这样的方式。有时候女孩子如同男孩子需要红成知己一般需要一位异性的闺中密友，汤姆很大程度上被沙莫当成了闺蜜这样的角色，只是汤姆自己没有入戏，依旧把自己当男人，把沙莫当女人。

感情很多时候是一厢情愿的事情，失恋的男女分手那天理由有很多，最后受伤的那位无非是自己的单恋太深伤了自己。

汤姆只是这千万人中被放大的那个，他的故事背后有太多孤单的身影。看完他的故事，对着身边的伴侣不知道有多好人发出感叹。

这个片很适合失恋的男女在思念对方的时候观看，也适合假期里身边放一大堆临时，边吃边看，不过看完了别忘了为身边的人祝福。每个人都需要爱，每个人也有失恋的时候。

《天水围的夜与雾》：从悲情到惨烈

胧月夜 — Thu, 03 Dec 2009 09:43:00 GMT

2008年因为《天水围的日与夜》我知道了一个叫许鞍华的香港导演，也知道了一个叫做天水围的贫民窟。一部纪录普通民众生活，没有刻意营造故事和冲突的影片，推送到观众内心的暖流远远超出了许多人的想象。

生活就是这样的，平平淡淡，没有太多的潮起潮落。许鞍华用一种质朴的方式讲述了许多人的故事，娓娓道出了平民小百姓的那点简简单单的感动。

今年，2009年。许导的另一部影片上马，《天水围的夜与雾》。片名相似，所以很多人都拿这些相似的、不似的来说。有的人喜欢，有的人不喜欢。只是喜欢的为何喜欢，不喜欢的为何不喜欢呢？这样你自己看片才能给出答案。假若要问我的想法，我不知道该怎么回答，这部片没有勾起我太多的感情。

这个大概与张静初饰演的晓玲有点关系，张静初是个似水柔情的女子，也是一个骨子里韧性十足的女子，却不是一个适合山寨川妹子的人物。在我印象中川妹子是豪爽的、独立的、敢爱敢恨的，不似张静初这般的恬静，也不像如此的任由任达华摆弄而不反抗，只能依靠香港的议员为自己寻求避难所。或许导演让晓玲的背景换个地方可以让电影中要表达的情感更真实一些，而纠结也会更深吧。

任达华宝刀不老，饰演的李森非常鲜活。起初爱恋晓玲时温柔、体贴，移情别恋时冷酷无情，害怕分离时不安、狂躁。人物心理变化的每一个爆发点都精准得似乎数学公式计算过一般，言行举止拿捏到位，让我不得不信这样一个人的存在。

《天水围的夜与雾》戏剧冲突很大，男女主人公的命运像是海浪里的船起伏不定。影片以插叙和倒叙的方式铺开整个故事的全貌，随着事件的发展，香港目前存在的各种问题被层层揭开，就像是暴露出将即将愈合的伤口里尚未除去的腐肉，充满了令人厌恶的恶臭和无法正视的血腥。

或许可以把这些理解为蛰伏在平静下的危机，潜藏的黑暗。尽管《天水围的日与夜》跟此片没有太大的关系，但是分章断节的表现及不同角度的叙事似乎更完整的把天水围这个地方展现了出来。

不过，这部《天水围的夜与雾》无法让我像喜欢《天水围的日与夜》那样喜欢它。这除了跟演员有关系外，可能惨烈的爱情悲剧也是一个方面。这样的电影不能圆满的，圆满的俗套不能让故事主题升华，而悲剧的主题似乎亦没把爱情故事升华成社会问题。

不是故事的问题，是电影包容量的问题。一部电影能包容多少呢？这是一个无法估算的问题，可是假如包容得太多，影片的主题一定会盆满钵满便的没有主题。《天水围的夜与雾》在影片里装载了太多的内容，从打工妹到香港社会的问题都有所涉猎，但最终又只是蜻蜓点水。

晓玲和李森的悲剧不仅是他们双方造成的，社会也存在一定的因素。导演说了，但是没说得太透彻。所以为两个可悲的情人胆寒之余，更对影片有些无奈。

《秋喜》你是纯洁的，我是懵懂的

胧月夜 — Thu, 03 Dec 2009 05:26:00 GMT

《秋喜》早在国庆假期就已上映，可惜工作繁忙到现在才能一睹真颜。由于影片之前各种争论不绝于耳，故在观影时便很慎重。但是，即便仔细观看下来还未能对影片了然。细细想来或许是对导演的不够了解，亦或者是对影片的琢磨不透。始终不能释怀的还是秋喜这个纯洁而美丽的女孩。

影片以《秋喜》作为片名，可见“秋喜”之重。可是与同期当的《风声》相较来说，“秋喜”作名就显得不特别贴切了。毕竟看的是谍战片，过于深邃或委婉的词汇不是太能渗透人心的。

而“秋喜”这个美丽的姑娘，作为影片中的象征也仿佛游离在影片之外衬托着郭晓冬饰演的共产党员间谍晏海清最脆弱的一面。电影中夏惠明说秋喜是纯洁的，晏海清是纯洁的，其实他也很纯洁。可是此纯洁谓之何意呢？

解放战争自身已经不再是正邪较量那么简单的问题，政治力量的最后对决集中在解放战争的八年时间里。《秋喜》则是国民党覆水难收的失败后逃匿台湾的一段切片，地点在广州，而冲突双方则是反间谍和潜藏者之间的斗智斗勇。

为了加强冲突，导演把正反角色树立得很纯粹。夏惠民残忍、狡诈，这样的国民党特务机关头目，很有老狐狸的特质，似乎可以看作是那个时代最典型的国民党分子；晏海清悲天悯人、性格温和，很美好的爱国主义形象。

这两个看似格格不入的人物，在特殊的时代背景下因为特殊的事件而不得不走在一起。所以夏惠民说他和晏海清很像，是一种无可奈何的相像。或许不露声色的晏海清会觉得虞夏惠民的说法让他恶心，可是夏惠民说的又何尝没有道理呢？他们确实很像。

记得夏惠民和晏海清同桌吃鱼头汤的时候，夏惠民问晏海清假若他做共产党可以么？晏海清无从回答。夏惠民说他一定会成好共产党员，因为他敢杀人，他会为了党国的利益不顾一切的杀人。

说到这里，不得不提的是关于信仰的问题。信仰是一种动力，对于向往事物的推动力，很伟大也很强大，拥有信仰的人往往能占领先机。可是信仰的选择也会注定一个人的成败，最后的结局证明，夏惠民知道信仰，而且甘心在自己的信仰前倒下。

屡次提到夏惠民，不是对这个人的欣赏。在整部影片中，晏海清的举动似乎都处于被动状态之下，反而是夏惠民频频出击。他的行为是遭人鄙夷的，也是令人思考的。在晏海清隐匿在心中的秘密一丝一缕地被夏惠民道出，有些讽刺也有些残酷。可是敌我的战争向来如此。

现在重新去看影片中的提到的纯洁，意义明朗了一些。此纯洁非彼纯洁，而对政治的信仰与效忠也非呆板的信仰与愚昧的死忠。影片最后秋喜死了，夏惠民的情人也死了，分别死在自己信赖的男人手里。

这样的死亡能说明什么呢？我搞不懂。不是孙周没有表明，而是因为我有些懵懂。那个年代的事情、那片战争的裂痕、那段涅槃重生的壮烈，于我只是一场动人的戏，戏的背后隐藏的深机若非细尝恐难理解。

《我不卖身体，卖子宫》——记录另一种香港女人的风情

胧月夜 — Mon, 30 Nov 2009 01:55:00 GMT

午夜不成眠，躲在被子里看影片。看的是去年的香港片《我不卖身体，卖子宫》。在该片中导演将目光投向了社会底层的女性，用她们的生活诠释了导演的人文关怀，很让人感动。　　　　　　　　　　　　　　

说实在的，这样的视角很讨巧。很少有导演会把影片的立意放在一群边缘人的身上，因为他们太不出彩，很难让大众产生共鸣，对以商业影片主打的香港来说有些吃力不讨好，但也足见导演的用心。　　　　　　　　　　　　

众所周知，妓女一直都是徘徊在社会边缘的弱势群体。她们被道德和法律排挤在社会主流群体之外，是一个受到众人歧视的群体。可是，不是哪个女人生来就是想做娼妇的。谁不想做锦衣玉食、受人疼让人爱的小女子呢？只是每个人的命运不同，所遭遇的生活各有所异。个人认为不能以她们的行业轻慢了她们。毕竟她们的辛酸只有她们自知，而她们身上同样有着闪光点。　

在影片中，有这样一个环节。急切想恢复良家女子身份回到主流社会看望自己母亲的女主角在焦虑和彷徨中，见到一个小孩几乎被车撞上，便奋不顾身去抢救小孩。本是一件光荣而伟大的事情，却因为她妓女的身份不但没有被感谢，反而遭到了羞辱。

难道人的善良与正直仅与她所处得社会地位有关么？假如在这场戏中导演让女主角死去，用一种阴郁的表现手法来体现她的卑微与渺小是否更能反映她的伟大呢？可是，真是的生活往往没有那么多的戏剧性，没羞辱的女主角很麻木的回到了救人之前的状态中，而对于那个辱骂她的母亲以一种习以为常、不以为意的方式轻慢了她。即便是妓女，她也是有自尊的，人与人自出生就是平等的，可是一旦进入社会角色后，贫富的分化、地位的悬殊便让一些人成为了低贱的下等人。不过，有时候下等人也能做出比上等人高贵许多的事情。　　　　

香港还有一群比妓女更可怜的女性，她们独自来到异乡为圆自己的都市梦付出了惨痛的代价。在他乡，她们无依无靠，只能凭自己的能力养活自己。然而社会现实让她们成为一个城市的垢病，遣送似乎成了魔爪在驱赶她们走向更边缘的生活。于是，她们的命运与妓女的命运有了注定的交集。所以影片中才会出现香港妓女被外来妹抢饭碗的尴尬。

记得早前看台湾某综艺节目的时候，报道过大陆女子嫁到台湾的惨状。这些追逐梦想的女子奋不顾身的把自己投到另一个陌生的世界当中的时候，在她们的脑海里憧憬着太多太多的美好。然而，去到那里才明白生活并不是她们想象的那般美好，反而异常的黑暗。我很同情影片中那位被爱情抛弃后又被丈夫抛弃的泼妇，虽然她的形象邋遢、举止粗俗、脾气暴躁，但是她的命运也是那么的凄凉。若不是在公车上得到救助，遭受同情，恐怕她这一辈子都得在妓女扎堆的地方居住了。

　导演很用心的在细节上传达着他对这群边缘弱者的同情，企图用生活化的语言镜头为她们招来关注的目光。可是到底中规中矩了些，未能为影片迎来更多的掌声。但是就香港警匪片泛滥的电影市场来说它也算是标新立意的了。导演很用心的在细节上传达着他对这群边缘弱者的同情，企图用生活化的语言镜头为她们招来关注的目光。可是到底中规中矩了些，未能为影片迎来更多的掌声。但是就香港警匪片泛滥的电影市场来说它也算是标新立意的了。

心中蛇蝎盘生：《反基督者》

胧月夜 — Sat, 21 Nov 2009 02:34:00 GMT

有人说《反基督者》是一部行为艺术的电影，充斥着人类原始本能的膻气；有人说《反基督者》是一场对宗教社会的叛逆，泯灭了人性的宗教思想再次对自然的人类进行了残杀。我却相信，这是导演构设的一个超脱现实的心灵痛苦之旅，扭曲的心理让影片中的男女主人公变成了魔鬼，沉溺在悲痛的沼泽里越陷越深，直到死亡……

预设的宗教反叛

预设的反叛或许来自导演的人身经历，摇摆不定的宗教信仰最终导致自我的迷失。但是，在导演的执导筒下，反基督更像是一种对自我的反叛。在狂乱的意识世界里，他把男女主人公放置在泥泞、肮脏、残败的环境中，用精神的痛苦来折磨他们。

也或许，导演在折磨他自己。当狐狸撕咬自己的身体，老鹰吞噬自己的孩子时，撒旦的呼吸在导演的心中想起。那种极端的痛苦无法摆脱，唯有死。个人情感如此浓烈，不难从中解读出导演当时的心境是何其的狂躁、不安。世界在他的眼睛里都开始变形……

苦难的男女主人公

孩子的死亡，是影片中悲剧的导火索，但不是根源。在随后的镜头里，可以看到导演从花瓶底部浸泡在浑浊的水中交错的植物根部、男主角的头发、河流、小桥等意象中暗示着潜藏在男女主人公内心中最真实的意象状态，它们随着影片的推动随时都可能爆发。

男主人公原本打算在一片茂密的森林里至于女主人公的心灵创伤，殊不知他竟带她进入更癫狂的世界。腐朽的枯木、厚实的落叶、残破的小屋、暗藏在黑暗世界了的无数可能无情地将他们包裹。很快，男主人公内心的恐惧和悲痛被激发，幻觉从他的心中升起。究竟他是在救赎他的爱人还是他自己成了未知。

我很想知道为何在他的眼中，那只似他妻子一般仓惶逃跑的鹿会在奔跑中诞子；我又好奇撕咬自己肉体的狐狸究竟咬破的是他的灵魂还是他浮于理智下的狂乱？

章节、影像、音乐

这是拉斯·冯·提尔了另类“圣经”，在新、旧章节中导演艰难的道出了引发危机的寓言，也用自己的幻觉和死亡证实了寓言的真实性。

充斥黑色电影悲观色彩的镜头被表现主义诠释得唯美如诗，用身体的交合来宣泄内心痛苦的行为不是肮脏的污秽，而是一种心灵的碰撞和摆脱现实的手段。只是这个手段在巨大的心理阴影下也显得苍白无力，如同被镜头截断的苍白的女主角的身体部位。

最后女主角选择了以暴力的手段来释放内心的痛苦与愧疚，画面也从唯美、诗意的表现主义变成魔幻现实主义，那种诡异的风格真才让人不寒而栗。

音乐与画面紧紧联系在一起，开头部分灰白慢镜头下的"Rinaldo, lascia ch'io pianga"被女生吟唱得很好听，可是流露出的感觉却让人很不好受。

观影

当字幕升起时，我确信自己爱上了这部影片，对其间的各种镜头疯狂迷恋。假如要用尼采的男女两性说或者理性、感性说来解释这部电影都无可厚非。让我迷恋的不是他在电影里设下的符号和谜题，而是他迫我产生的由内心生出的寒意。

凯瑟琳•布雷亚的“黄色滤镜”

胧月夜 — Thu, 12 Nov 2009 03:50:00 GMT

正如很多喜欢看色情片的人知道丁度一样，许多喜欢看情色片的人也知道凯瑟琳·布雷亚。可是知道她未必会喜欢她，在她的执导筒背后一股对于女性探索的强大力量让她的情色片变得不易接近。

最近几日接触了三部与凯瑟琳·布雷亚有关的影片，电影本身很优秀，可是先锋战士般锐利的布雷亚让我有些畏惧了，她勇敢的视角下展现的绝不是一具具性感的肉体，更多的则是女性坚韧却又脆弱的灵魂。

《巴黎最后的探戈》

导演：贝纳尔多·贝托鲁奇

时间：1972年10月

这部影片的闪光点在马龙·白兰度，这位美国影史上的伟大教父。可是如果要说凯瑟琳·布雷亚，这部影片是无法越过的。

《巴黎最后的探戈》是布雷亚初登荧幕的处女之作，在这部影片中布雷亚不仅饰演了一个不起眼的角色，让人过目即忘；同时还从贝托鲁奇的身上学到了许多东西。尤其是关于情色电影拍摄方面的。

在此后布雷亚独自执导筒的影片中，我总是在一些瞬间中看到《巴黎最后的探戈》的影子。那些落寞、无奈的挣扎和失败后的悲怆、寂寥都与《巴黎最后的探戈》有着异曲同工之妙。

《穿越情欲海》

导演：凯瑟琳·布雷亚

时间：2001年

《穿越情欲海》算是凯瑟琳·布雷亚非常出名的一部影片，两个不同时代不同喜好的人在海上相遇，并有了激情，可是激情背后分明看到的是女主角的悲凉与无助。

有人说凯瑟琳·布雷亚是一个极致的女权主义者，在她的镜头下女性总在为她们生活的权利奋战。然而在奋战过后，这些女人们似乎都以失败告终，最后不但不回到过去的生活。就像这部影片中的女主角，在与18岁的小青年情爱之后，再次回到丈夫身边。之前的怨恨就此一笔勾销了么？或许没有，只是她没有勇气把它摆出来而已。

《罗曼史》

导演：凯瑟琳·布雷亚

时间：1999年

这是我非常喜欢的情色电影之一，影片的场面调度是本片的一大亮点。尤其在色彩的运用自然、奔放，有力的表现出了角玛丽寂寞而不甘愿的内心世界。

面对不同的男子，选择在不同的空间，玛丽的衣着和周围的色彩都有极大的差异。与自己的爱人保罗在一起时，大片的白色似乎在表现着玛丽对保罗的爱的纯粹与虚无。这个让她无法自拔的男子难以忍受与她交欢的生活，常常以离开来威胁。

于是玛丽选择了逃避，她选择陌生人，灰色调的晦暗让她的疲惫感与空虚感跃然屏幕之上。那个最后与他吻别的男子不过是她生活中模糊的一个身影罢了，谁又会在乎他呢？只是男人的阳具只能填满她的阴道，却无法填满她内心的空白。所以她继续在寻找那个可以替代保罗的男人。

学校的校长罗伯特无意中闯入她的内心，与罗伯特的SM游戏让她开始找到填补恐怖的一根稻草。这时她内心的痛苦似乎更加强烈，看似找到释放点的她或许更加的孤独。火般灼热的大红色是她心里变化的又一例证。

最后，担心失去她的保罗又开始主动邀约她上床。只是她的心里已经不再仅活着保罗，与他的床第之欢变成了近似交易一样冷酷的行为。当她生下保罗的孩子后，保罗已经冷冰冰的躺在棺材之中，身披黑色长裙的她手中抱着一个脆弱的生命。似乎这个时候的玛丽才丰满起来，没了保罗的她才找到了生活的意义吗？她还是那般孤独。

凯瑟琳·布雷亚希望每个女人成为勇士，在生活中争取自己所有应该获得的权利。可是悲观的情绪始终在她的影片中缠绕着，就像当年的那部《巴黎最后的探戈》终以无奈而曲终人散。

有人说她是色女，有人因她的小说和电影而对她异常排斥。可是她又做错了什么呢？小说和电影屡次被禁，都是她的“性”趣太弄。但是在这些性趣的表面下透露的是一种无奈的情绪，一种对生活丑陋的嘲弄。

在街角的妓女因为生下基督变成圣母玛利亚时，玛丽也用自己的不忠鞭挞了爱人的冷漠（《罗曼史》）。经历过蝉变的痛苦后，玛丽找到了真实的自我，而从凯瑟琳·布雷亚的电影后我们又看到了真实的什么？

《年轻的维多利亚》：历史剧包装下的果味棉花糖

胧月夜 — Thu, 05 Nov 2009 08:09:00 GMT

要说《年轻时代的维多利亚》不好看是假的，我喜欢这出剧。华丽的服饰、辉煌的建筑、青涩的青春、浪漫的爱情、阴险的政治斗争，哪一样不值得看？更何况是英国最鼎盛时期，在位时间最长的那位女王的罗曼蒂克切片。

可惜的是，因为涉及的内容宽泛，使影片不能深入表现一个主题，流失了太多可以成为亮点的地方。最后造成的结果便是《年轻时代的维多利亚》沦落为格调有些高的青春偶像剧，那些迷恋历史剧、倾向史实本身的观影者大概不会看上它。

一、演员

担纲主演的是在《时尚女魔头》中有出色表现的英国女演员艾米丽·布朗特，这位气质略显凌人的女孩子出生于1983年，正是风华正茂的年龄，可是形象上却老成许多。不要认为这样就会影响艾米丽·布朗特的戏路，因为她的演技确实值得影迷赞赏。

我接触她的戏不多，可是对她的印象非常深刻。在《时尚女魔头》当中，那个办事不太得力又有些自视清高的第一助手虽然戏份不多，但是因为是两位女主角之间的联系，地位显得尤其重要。艾米丽在担纲此角色时拿捏有度，为两个女主角之间的微妙关系增色不少。

而在本部《年轻时代的维多利亚》中，艾米丽的演技得到了充分的发挥。那个生活在危机之下倔强而坚强的女孩子，地位在改变的同时心态也在改变。她17岁前的压抑、18岁之后的自负被艾米丽处理得几乎不露声色，很真实的还原了初长成的女王形象。

二、剧本

如题所言，不过是历史剧外衣下的果味棉花糖。历史的重量基本可以忽略，人物的成长不够突出，而与亲王的爱情故事虽然浪漫，也不够具体。剧本的不足直接造成了影片的深度不够，使影片的分量降格。

但是你不能说这部戏不好，因为从始而终导演都没打算让《年轻时代的维多利亚》像《伊丽莎白》那样走历史深沉路线。它不过是交代一个伟大时代的伟大女性年轻时代的那点有趣的故事。

片中交代的那些尔虞我诈的历史片段都服务于维多利亚的形象塑造，也是对阿尔伯特亲王后来能和维多利亚女王共同治理英国二十年的原因作了一个简单的介绍。所以，那些不熟悉英国历史的人借这部影片对特定历史作一些粗浅的了解也是未尝不可的。

三、影片中的英国“女王”们

英国的女王一直是其皇室的一大特色，在世界历史上像英国这样女王频现的情况还是少的。因为无论是好莱坞还是英国本土，编剧和导演们都很乐意将英国的女王们呈现在大荧幕上。

而具有荧幕野心的女星们也很乐意出演这些在荧幕上出现了一次又一次的女性，而她们也确实在这些角色中尝到了甜头。其中最为人称道的两位“女王”是分别是海伦·米伦在《女王》中饰演的伊丽莎白二世和凯特·布兰切特在《伊丽莎白》系列中饰演的伊丽莎白一世，这两位女王不仅是英国历史上的耀眼之星，同时也成就了两位女星的影坛女王之位。

现在年纪尚轻（相对于上述两位女星来说）的艾米丽·布朗特似乎也想沾沾女王的光，只是借由这个初现端倪的年轻女孩，恐怕艾米丽也实难登位。不过，我相信再过几年这个不太惊艳却足够内敛的女孩会荣耀上位的。

《独奏者》——不同于往的音乐故事

胧月夜 — Wed, 28 Oct 2009 02:48:00 GMT

凭着名字，我以为这只是一部励志片。就像《海上钢琴师》那样，讲诉一个音乐天才的成长史；亦或者像《钢琴家》一般说说音乐被现实的洗礼，音乐家对音乐的执着；再或者像《情迷八月》那样充满童话的气息和优美的音乐。可是我错了，《独奏者》讲述的是一个不同于往的音乐故事。

影片在一个记者斯蒂夫莫名从自行车上摔下来开始，这个际遇甚衰的记者不仅摔破了自己的脑袋，也让自己的工作陷入瓶颈。可是，上帝还是对他特别照顾的，在他不知道如何进行自己的写作时，一位叫做纳萨尼尔的黑人闯进了他的视线，从此改变了他的生活。

我很喜欢斯蒂夫与纳萨尼尔见面前斯蒂夫坐在一个浅蓝色小门框前的长镜头，那种似有忧郁又显无奈的感觉平淡却很真实。

从纳萨尼尔出现开始，我以为导演会讲述一个已经讲过很多次的励志故事，可是我错了。导演在进入纳萨尼尔的戏份开始就把故事拐到了另一条路上，而在贝多芬塑像下拉着两根琴弦小提琴的纳萨尼尔正是影片的拐点。

纳萨尼尔是个黑人，这注定了他在美国生活的艰难。尽管现如今的种族歧视情况不像过去那么严重，不少白色人种站出来呼吁，不要再对黑皮肤和黄皮肤抱有不同的态度，可是不少美国人依旧憎恶其他肤色人种在自己的国土上出现。纳萨尼尔，这部影片中的男主角遭受的可悲的命运正是由此产生的。

在纳萨尼尔与斯蒂夫纠集在一块的故事中，纳萨尼尔的从乐经历不断回闪。一个痴迷音乐的少年被音乐班的老师发掘，走上了音乐的道路，从此沉醉在音乐世界中无法自拔。毫无以外的考上音乐学院，或许还是很著名的一所，随之问题出现了。

整个学院当中白人学生居多，而教授给予黑人学生的压力自然要比其他学生大得多。久而久之，纳萨尼尔无法承受这样的压力，患上了精神分裂症。在这些片段中，导演试图给纳萨尼尔的离校、落魄街头找到一个合适的解释，但是终究只是含蓄的点到为止，难道是当地的政府压力？

另一条线索的展开似乎想弥补这个问题。LAMP，一个精神病院。在这说精神病院外面是一群黑皮肤的流浪者、贩卖毒品者、贩卖走私品的人……总之，他们都是些贫困的外来人群。纳萨尼尔起初不愿意成为他们中的一员，但是很快他融入了这些人当中。或者说无奈的走进了他们的生活。

他无法面对白人观众施展自己的音乐天赋，他没有勇气。面对一群白色面孔的时候，他焦虑地想保护自己。这些发掘了他又抛弃了他的人，这些因为新闻再次关注他的人。在他最需要勇气的时候，他们在哪了？纳萨尼尔逃跑了，再没回到他想拥有的舞台上去。

政府因为斯蒂夫的报道，向贫民区投放了拨款和物资，试图改善贫民区大众的生活。但是各种问题的出现，政府有开始对这一地区严打，不少黑人给揪进了监狱。看来美国政府在对待种族的问题上，还有些小孩子说翻脸就翻脸的味道。

幸而纳萨尼尔有斯蒂夫关心，不然他的下场谁也不知道。美国人一手创造了一个天才，又将这个天才扼杀在萌芽阶段。这是一种怎样的心态，或者说是怎样的一种社会意识？不能因为这个问题就质疑美国的教育和种族歧视，当然纳萨尼尔自身也存在问题。可是最终的问题在哪呢？难道肤色是最大的问题么？

电影没有一个清晰、明了的结尾。但是我相信，像我一样看过此片的人心里已经有了自己的结果。

整部影片的画面差不多都包裹在密实的景框中，导演是否想借此表达什么？“原罪的代价是死亡，上帝的礼物是永恒的生命。”可是，上帝给了纳萨尼尔什么，如果调整前一句话成“原罪的代价是扼杀，上帝的礼物是天分。”是否能描述纳萨尼尔的命运。这位疯狂的音乐爱好者从一开始都是不应该只坐在观众席上的。

最后想说小罗伯特·唐尼及杰米·福克斯的表演很精彩。

生活无处不在，你爱怎样都行

胧月夜 — Sun, 25 Oct 2009 02:19:00 GMT

伍迪·艾伦先生离开纽约大概很久了吧，所以这次携上新作来到纽约，拾起了一场关于可能性的梦。

在这场梦里，伍迪·艾伦化身成天才老头，用自己的智慧去消极地看待世界，然而在梦的结尾一切变得美好起来。

《怎样都行》让我想起了伍老先生早期的一部电影，《安妮·霍尔》。这部诞生在70年代末的影片与《怎样都行》有着许多相似的地方，仔细看看还真有点姐妹篇的情节：同是在美国纽约，这座商业高度发达的城市；同是由伍迪·艾伦担纲男主角，在戏里扮演着与观众交流甚多的角色；这位被伍迪·艾伦化身的家伙同样地衣着不整、不修边幅，对待社会总有一股愤世嫉俗的味道；角色的命运同样被女人崇拜，又被女人抛弃。不同的是在《怎样都行》中，伍迪·艾伦让不少难以置信的事情变作了可能。

美国是一个崇尚自由的社会，尽管有许多问题让人不满。可无论如何都是一个被其他国家羡慕的国度，每年希望加入美国国籍的人数不胜数。在影片中伍迪·艾伦化身的鲍里斯·耶林科夫便是用很不尽人情的话将美国的自由挖苦的一顿。

被鲍里斯·耶林科夫抱怨的实在不少，美国的教育体制是西方国家最差的，美国的青少年喜爱的音乐都是最粗俗的等等。这些情节让我怀念《安妮·霍尔》的同时看到伍迪·艾伦某种情绪的回归。

相比较过去的《赛末点》、《午夜巴塞罗那》、《独家新闻》，幽默的《怎样都行》深入社会太多，那个不修边幅、聪明之极的老教授用一种不妥协的形式在向生活抗议的同时，又在向生活达成另外的协议。

与洛丽塔情节的妻子安结识并结婚的过程当中，我们可以看到美国新老文化的一种古怪的交融。美国的新兴文化似乎很难接受传统文化或者带有悲观情绪的传统文化，但与此同时又向往这些文化的奠基深厚、涉及广博。

安是个胆大、活泼、漂亮的女孩子，生活对于她来说充满了刺激和期待，她喜欢所有女孩子都喜欢的事物，同时她对于自己从未涉猎过的，从鲍里斯嘴里蹦出来的事物又感觉新鲜与神奇。所以，她一开始陷入了鲍里斯的生活哲学，但是随着成长，她开始对鲍里斯的观点感到厌恶，最后导致她离开了鲍里斯。

安的爸爸妈妈是在固定模式下存在了几十年的角色，他们坚定地相信自己的生活方式是正确的，所以当遭遇到外界的干预时（安的爸爸追求她妈妈最好的朋友）他们的家庭关系和生活方式迅速瓦解，压抑在潜意识中的愿望逐渐苏醒，并快速实现。

伍迪·艾伦正是通过这样的方式在讲述美国，或者更确切的说是纽约的社会状态和生活方式。没错，所有事情在这个奇特的城市中怎样都行，一切皆有可能。已婚妇女可以和两个充满艺术气质的男人大玩3P，本来以为女人是自己必须选择的大男人最后才发现，原来自己是一个潜在的同性恋。而鲍里斯自己也通过2次跳楼，找到了适合自己的伴侣，一个很会算命的女人。

故事有了一个圆满的大结局，鲍里斯在影片的开头和结尾都说，你看有很多人看着我。没错，我们都在看着他的生活。而我们的生活，有多少人在看着？

华丽丽的法国康康舞

胧月夜 — Thu, 22 Oct 2009 03:06:00 GMT

“康康舞”有一定故事情节。整个歌舞表达的是浪漫的爱情故事情节。男女演员个个眉秀目清，表演时集曲线美、含蓄美、原始古典美于一体。时而冷艳、时而激情。尤其是女演员，个个风姿卓越，婀娜多姿，脚蹬镜亮的水晶鞋舞鞋，身披亮片和彩色羽毛，仿佛仙女下凡，给人以无穷的回味和美妙的遐想。

当丰腴的臀部随着激昂的音乐扭摆，曼妙的女郎诱惑的身影激烈旋转的时候，似乎有一种激情在喷张。那是渴望与女郎同舞的欲望在作怪，或许间中还夹杂着某种暧昧的情愫。在法国，名为肯肯舞的这种舞蹈充满了巨大的挑逗性，足以让人舍不得离开，甚至迷恋它的疯狂。

一、法国的康康舞

1889年10月6日，法国康康舞在红磨坊揭幕首演时，个子矮小、留着小胡子，打扮成小丑模样的司仪向世人郑重宣布：“生命多么美好，现在请大家观赏康康舞！”随着他的话音落下，12个康康舞女郎出现了。那句开场白后来也成为巴黎的名句。从此，那激情的舞蹈，奔放的节奏、高难度的动作、奢华夺目的服饰、缤纷的羽毛、滚有繁复花边的衣裙、美丽的歌舞女郎和热烈的欢呼声，夜夜都让台下的观赏者热血沸腾、如痴如醉。

十九世纪末，随着红磨坊的兴起，巴黎蒙马特地区便以露女子大腿的康康舞再次扬名世界，人们在此纵欲狂欢、夜夜笙歌。一些渴望得到灵感的艺术家、豪门的贵胄混迹在中产阶级甚至贫下中农、妓女、嫖客、贩毒者的群体里，在红磨坊的魅惑中寻求人生的刺激。

康康舞起源于红磨坊，兴盛于红磨坊，直到今天依旧是红磨坊独特的保留节目。一些到法国旅游的游客不辞辛劳来到位于香榭丽舍大街的红磨坊里欢闹，为的就是一睹康康舞的独特魅力。

然而，康康舞的源起却并非现在这般正经八百。起初，康康舞是在红磨坊工作的妓女们为引诱贵胄专门设计的舞蹈，其舞姿大胆、奔放，跳舞的女郎经常会掀起裙子让客人看到自己的大腿、臀部甚至更私密的地方。由此舞引发的荷尔蒙急速飙升，令红磨坊声名远扬，却也发生过因舞蹈导致的暴力事件。

今天在红磨坊不会再见到非专业人士表演的康康舞，那些受过专门舞蹈训练、严守职业道德的表演艺术家们不仅仅在歌舞升平中再现了1870年二战结束后，人们渴望肉欲之欢的激情，更将这种具有无限魅力的舞蹈升级为独特的表演艺术。

二、康康舞的起源——红磨坊

同凯旋门、埃菲尔铁塔、卢浮宫、塞纳河一样，红磨坊是法国最具象征的特色景点，也是法国浪漫主义的一种另类演绎。

红磨坊成立于1889年10月6日，正是战后法国萎靡不振的时期。当时的法国现实生活中丑闻充斥，金融财团明争暗斗，劳资矛盾加剧。人们厌倦了民族主义者的大话空话，整个民族感到极度的空虚。在重新找回生活坐标之前，法国人感到苦闷、彷徨。

正式在这特殊的背景下，法国人民学会了用奢靡放纵的生活方式取代苦闷。红磨坊在康康舞的欢腾中迎来了这些渴望激情的迷茫者，也铺筑了自己的辉煌之路。

那些沉迷于声色歌舞中的艺术家们，陶醉于虚幻世界中时仍不忘把红磨坊弘扬至外。印象派大师奥古斯特·雷诺阿的名作《红磨坊》使这个歌舞厅蜚声世界，红磨坊画家图卢兹—劳特累克在他的多幅水彩中描绘了那些贪婪的看客，在同舞女的夜夜狂欢中虚度的光影，让更多人被这声色犬马之地吸引。

红磨坊的历史上，出现过多位有名的艺人，如古吕、摩姆·弗罗玛茨、珍妮·阿弗里尔。其中最有名的要数古吕，此人身材丰满，风姿绰约，绿色的缎子拖裙系在臀后，每次走过蒙马特街区，都引起一阵骚动，整整几十年间，她成为红磨坊的代称。

今天，那些贪恋红磨坊之魅的人们依旧对它念念不忘，一些电影人先后多次将其搬上大银幕，其中最为我们熟知的便是由妮可·基德曼、伊万·麦克格雷格于2001年出演的同名电影《红磨坊》。该片虽然讲述的是一场无期的爱情，但是对于场景的大肆渲染无不体现出红磨坊的奢华、绚丽。

三、艺术大师镜头下的康康舞

1955年法国电影艺术大师让·雷诺阿以《法国康康舞》之名，将红磨坊以及它独特的舞蹈搬上了大银幕。其明理的色调和夸张的舞蹈，成为影片的一大特色为后来的影迷津津乐道。

《法国康康舞》是让·雷诺阿晚年的重要作品，其中讲述了红磨坊成立前后的一些事件。故事围绕让·迦本饰演的歌舞厅老板及他一手培养的舞女妮妮之间的情感纠葛展开，以浪漫的叙述方式和风格化的表演讽刺了当时法国社会的恶俗风气和微妙的人际关系。

作为电影的主要内容，大师没有将康康舞的浮于形式的淫荡之感表现出来，反而是通过几位角色间的纠合、理解、对社会的不满把康康舞较为正面的表现出来，变现出法国普通民众一种乐观的情操。

此片是电影大师在二战结束后从好莱坞回到故乡的成功影片之一，作为印象派大师皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿的儿子，让雷诺继承了父亲印象派的风格，将《法国康康无》拍摄成一部场面浩大、浓墨重彩的街头油画。

　时隔多年，这部影片依旧以它浮世绘似的热闹场景和人物内心刻画的丰富性而为电影评论家们推崇。

《斗牛》，好苦的一个人一只牛

胧月夜 — Mon, 12 Oct 2009 07:21:00 GMT

不要被闫妮与黄渤的出场蒙蔽了双眼，以为《斗牛》是一出热热闹闹的喜剧。这部影片绝对是场苦不堪言的戏，以至于到现在都没从电影中苦涩的味道中摆脱出来。

要细细解释影片中的苦味儿其实不容易，黄渤个性化的表演是充满喜剧感的；闫妮扮演的外来媳妇儿也很有喜感，可是他们两人的表演越是具有喜感，我在这部电影里尝到的苦味儿就越浓。

有人问我，电影里谁演得最好，我一下子答不上来，突然有人说牛演的最好，我忍俊不禁笑起来。是呀，牛演得最好。可是笑过，我的嘴巴里依旧是苦苦的味道。

1937年，“七·七事件”之后，全国抗日战争爆发。中国全境掀起了抗日战争热潮，每个乡村、每座城市都在抗日。当然，这其中也包括片中的小村庄。作为抗日根据地，村子里被送来一头给伤员提供充足养分的荷兰奶牛。

日军到来打破村庄的宁静，奶牛的生存也成了问题。如何保护好“八路牛”成了村子里的首要问题，这个担子落在了黄渤饰演的牛二身上。

牛二开始不喜欢“八路牛”，把它看做小妈的儿子不心疼。可就是这头牛，到后来与牛二结下了深厚的情谊，也折腾得牛二好几次命悬一线。

电影的苦味儿就从牛二与奶牛的经历中渗出，牛二与奶牛共同经历了鬼子进村的惶恐。为了带走扣押在日本营地里的奶牛，牛二差点搭上自己的小命；为了从劫匪一般的外村人手里救下待被宰割的奶牛，牛二间接害死了几个外乡人；为了让奶牛在两国军人的对决中活下来，他毅然将偌大的奶牛藏在自己身子底下……

待到革命成功，中国解放，人与牛平安地活了下来，我的眼泪一下子蹦了出来。终于留下了这个希望，即使意义其实已经不大。

牛和人的感情很深，深到两者可以为彼此舍生取义。牛二给奶牛取了个诨名叫九儿，那是他最爱的女人的名字。当女人倒在日本人的枪炮下时，牛二取下了他给她的定情物，他想一辈子记着她；当牛二与牛经过九死一生的磨难，顺利到达牛二常去的山头避难的时候，牛二把给女人的定情物给牛套到鼻子上，那一刻似乎牛成了牛二最爱的女人的替身。

牛二的感情不容易啊，战争中生死离别的爱情注定是悲凉的结局。即便知道也难免不敢伤感。一只银镯头藏了两人多少的情爱在其中，笑骂间人各一世界，能安慰自己的却是头无法语言沟通的牛。

孤独与无助在那一刻就想巫婆的药剂，闪烁着诡异光芒让人苦不堪言。

围绕着奶牛九儿，日本军人、中国难民、影片主角身上经历了多少可怕的事实？当心爱的女人与眼里充满生存渴望的难民在镜头前晃动时，当日本军人拼死让牛二理解自己的动机，给奶牛淌血的乳头按摩时，我的心疼得抽搐，嘴里泛起的苦味让自己都还怕。

第一次战争中没有两军的较量，只有百姓的生死离别与无奈、凄凉。这样的凄凉与无奈，没让电影便得充满人性哲学或某种情怀，反而是透着浓浓的从那个时代扑面而来的苦楚。《斗牛》斗的是人呀！

无光的颜色《盲视》

胧月夜 — Sat, 10 Oct 2009 13:19:00 GMT

德国盲女Sabriye Tenberken独自行走西藏，被这里奇异的地域文化及那些不被社会重视的盲童所触动，于是与自己来自荷兰的好朋友，冒险家Paul Kronenberg 一起开设了拉萨第一所盲人学校。

作为这所学校的负责人，Sabriye Tenberken倾尽全力照顾这些与光明绝缘的孩子们。让他们得到了应有的教育和阳光般温暖的关爱。他们的善举打动了许多人，于是这群弱势群体逐渐被越来越多的人所关注与爱护。

2006年9月，一部关于这群孩子的故事被搬上加拿大的大荧幕，不少身在异乡的健全人为这群不屈的孩子留下了感动的泪水。这部影片是《盲视》，由一位名不见经传的导演露西·沃克执导。

作为纪录片，《盲视》没有直接将摄像头的视角对准这些残疾孩子的日常生活，反而是通过盲人学校开展的一次活动从侧面表现出了孩子们内心的孤独，以及释放内心自由的渴望。虽然影片极力寻求一个客观的态度，不带任何感情色彩地对事件进行讲述，然而画面上广袤的草原、高耸的山峦和渺小却坚韧的孩子还是深深触动了我。

影片开始，一个叫做埃里克的登山英雄进入我的视野。这位来自英国的登山探险家与那些孩子们一样，是个盲人。然而，在肢体残缺的艰苦条件下，他竟然成为第一位登上珠穆朗玛峰的盲人探险家，创下了令人叹服的奇迹。

Sabriye为了让孩子们感受英雄的力量，力邀埃里克到西藏参与了一次与六位西藏盲童共同登山的活动。活动过程中将会遭遇到的困难是人们难以想象的，甚至六位盲童的父母都难以理解这项活动的意图，然而这群孩子凭借自己的毅力以及这位来自异国的英雄的帮助又一次创下了奇迹。

影片中坐落展示着西藏的风土人情和孩子们各自的不幸遭遇，没有惊险离奇的场面，也没有煽情的言语和音乐。一切都看似平静，然而是铿锵有力的。所有的一切都直射眼球，撞击心灵。

尤其是在巍峨、陡峭的群山中，一群孩子们艰难的行走于坎坷的小道上。他们是那样的渺小，小到只有绿豆那么大。群山间白雪皑皑，他们身边随时都可以被大自然创造的怪兽吞没的危险，可是他们没有停止自己的脚步，依旧勇敢的前行，踏出的每一步都是如此坚定、有力……

我折服在他们幼小身体里释放的强大力量下，人与自然的抗争、人对自然的依赖、人对自然灾难的不妥协，在孩子们踏上雪山的那一刻交织在一起，编织成了最绚烂的一副西藏胜景。

影片结束时，我心里像是打翻了五味瓶，所有的滋味在我血液里涌动。真不知道他们灿烂的笑容里曾容纳过多少眼泪，他们每一个人的经历中流淌过多少鲜血。他们却从未向命运低头，用心灵之眼为自己打开了一扇窗，看着外面那片我们无法见到的精彩。

纪录片的名字很有趣，叫做《盲视》，真是一句双关。据记载，“盲视”是一种生活在意大利和克罗地亚水域的不同寻常的两栖动物，它们一生都生活在水环境中，其幼体长有腮。在深水下，它们可以生存100年，甚至可以在长达10年的时间里不吃任何食物。

世间竟有如此神奇的动物，而且具有如此耐力，真是大自然了不起的杰作。猜想导演在制作本部纪录片时，定对这些孩子给予了厚望，希望这些具有坚强品质的孩子们可以如“盲视”一般勇敢地、长久地活下去。

孩子们很争气，没让关注他们的人群失望。在影片的最后交代了六名登山儿童现在的处境。他们都很好，甚至比许多身体健全的孩子们过得都好。

而Sabriye Tenberken和Paul Kronenberg开办的盲童学校还将继续四处寻访那些失去光明的孩子们，让他们在无光的世界里度过光影琉璃的生活。

祝福他们越来越好！

大胆做，快乐的爱：《性瘾日记》

胧月夜 — Wed, 07 Oct 2009 15:10:00 GMT

大概又要有人叫我小色女了，没办法，实在太爱情色片。每次看到在滤镜下散发着暧昧体味的肉体在柔软地扭摆，我就抑制不住惊叹，上帝真是太伟大了，让人体成为最美丽的艺术品。

今天忍不住再看了一次西班牙电影《性瘾日记》，狂野的西班牙女孩在镜头前展示足了性感风情。大胆出位的几场戏，高潮点让戏外的人都要忍不住跟着兴奋。不需要因为被它们吸引而羞愧，性是人类最本能的需求和能力。

《性瘾日记》并非单纯地描述性爱过程的影片，尽管许多画面很诱惑、很迷离，可是在每一段性爱的背后都是女主角瓦尔丽在男人身上获得的与生活有关的财富，同时也体现出女性在“性”与“爱”上的探讨。

影片一开始，瓦尔丽与奶奶在院子里聊天时就对这一话题进行了讨论。瓦尔丽不理解，为什么“男人上了很多个女人就叫男子汉，而女人干过多几个男人后就成了荡妇”？其实这个问题我也很好奇，在中国花心的男人叫风流倜傥，风流的女人叫作践自己。

而当大自然创造我们，改良我们的时候对我们的生理结构设计是平等的。男人与女人同样需要得到“性”的满足，然而长期以来父系氏族的社会关系让女性长期处在一个较为劣势的位置，尤其是在“性爱”这层关系上表现得尤为明显。

瓦尔丽是个很直接、很困惑的大欲女。她从第一次经历过性生活后，就开始疯狂迷恋男人的身体，以及由生殖器带来的“飞起来”的感觉。然而，她在这一段又一段的香艳经历后，经受的总是被男人抛弃和玩弄的痛苦。

为什么男人喜欢与她有鱼水之欢，却少愿意与她厮守到老呢？以为与她分手的男友说，他实在忍受不了，她总是在索要爱欲，她只知道做爱。可是当女人不喜欢做爱的时候，你能满意吗？同样不能。

守在家中贤妻的身边，总是容易想起性感女郎的搔首弄姿，花样百出。可当女人变得妖娆、主动时，男人们又害怕了。性主动似乎长期来都是男人的权利，主动的女人不容易给他们产生安全感。

影片中一直鼓励瓦尔丽大胆的选择自己需要的奶奶是对男性、女性进行深入思考的线索，她总是在鼓励瓦尔丽勇敢去获取。在瓦尔丽的生活中，她的教诲有着绝对的影响力。而就此片来说，她的每一席话都是一个引导，引导瓦尔丽找到自己真正需要的生活，例如影片开始，她对瓦尔丽说的：“女人在没有自己事业的时候只有两个选择，老婆或妓女。其实这两者没什么区别。”

诚如奶奶所言，在瓦尔丽的生活中老婆和妓女的区别真的不大，尤其是她经历了一场看似像普通女人的幸福生活的假象带来的打击后，她似乎更深刻地了解了这一点。奶奶这句话的意思其实挺隐晦的，在奶奶那代没有经历过太多男人的年代里，丰富的恋爱生活是神秘的，奶奶似乎曾经想过去寻找真正适合自己的爱情。然而不幸的她，却在被迫嫁给爷爷后学会了爱上爷爷。

我记得有个中年男子曾告诉我，女孩子趁年轻的时候多接触几个男人其实不是坏事，这可以让女孩子成长，可以让她更了解男人，甚至她自己。

当时以为他说的这句话不过是在引诱女孩子时找的最拙劣的理由，现在看来这个中年男子对女孩子的生活是挺了解的。

性爱是一种比较隐晦的行为，假若谈得不好就让人误以为下流、卑贱，所以很多人都不愿意谈及它的话题。但是，性行为确实可以从某种层面上反映一个人的行为品质甚至思想道德，不过在此不对这个话题进行深入探究。

《性瘾日记》在快结束的时候，让身在青楼的瓦尔丽接触到一个高位截瘫的病人。这位病人除了手和脖子有些知觉外，其他地方都是麻木的。他给受到严重创伤后的瓦尔丽其实很大，即便像他这样的男子也在勇敢的追求自己的幸福生活，何况她近乎完美的条件呢？

“性”是人类最原始的行为，它的存在让生命得以延续。所以，不需要去避开性话题，更不需要把性行为当做无耻的行为或者肮脏的事情，性爱其实是世界上最圣神、最了不起的行为。大胆追求幸福，正视自己的需要才是最真实的，最爱自己的表现。

《狼灾记》可怜了一部电影

胧月夜 — Mon, 05 Oct 2009 07:31:00 GMT

如果不是在网上瞎逛，看到有人对这部影片争论激烈，恐怕这辈子我都不会想去看一部国产的魔幻片。先不说国内导演对魔幻题材的驾驭能力，只就看CG技术就难以让人对影片的视觉效果抱有太大的希望。

我在看《狼灾记》宣传画的时候注意到一个细节，宣传画上有这么一句话“历经15年磨练，宝剑即将出鞘”（大概意思，不是原文）。当年陈凯歌拍摄《无极》耗时3年，打造出来的东西因为无法理解招来规模庞大的咒骂，直到今天还有不少人对它嗤之以鼻。不知道此番田壮壮出战西域能否凯旋而归，在接下来差不多1个半小时的时间里，影片给出了我一个有些伤感的答案。

为何说答案伤感？源于此片具有的性质。本片导演田壮壮在电影公映前，不断强调这部影片是打有田导标志的非商业片，然而影片带来的声音却多是不买他的账。可以想象田导的无奈与惆怅，在如今观众越来越挑剔的电影市场上要得到认可真的不容易啊。

我个人是接受这部影片的，也很能理解田导说表达的非商业片的意思。打着魔幻旗号尴尬出场的《狼灾记》其实不过是套用了魔幻的外衣，影片中真正魔幻的内容不多。除了李美琪和小田切让变成野兽外，其他内容称不得魔幻。

被视作学院派大师的田导在处理抓人眼球的战争场面时尽量避免了血肉横飞的恐怖场面，仅在大场景上做了表现。在影片开始后的前10分钟战争场面时，我还开玩笑地跟朋友说文艺导演拍战争都不见血的。

朋友以为我在讽刺田壮壮导演，其实错了。我是挺喜欢这样的处理手法的，首先我个人挺害怕见到战争中残酷的场面，往往血星四溅的时候我都不敢睁着眼睛看；其次，我个人理解这样的处理方式是导演内心某种情怀的表达。

田导在讲故事的同时，着意去强调一些场景的表现力。如荒漠上的风沙、山丘上独立的狼等等，意在营造一种氛围，或者表达一种情绪。想表现一种深深的哀愁吧。

其中插入的音乐和演员的台词与这番景致其实配合得很默契的，苍凉无奈的感觉就像是命运的奴隶始终摆脱不了自己的解决，却又苦苦挣扎一般，看着不免辛酸。

大幕升起时，我的座位旁有个大概90后的小男生在嘟囔“这片讲的什么呀？前半场打打仗，后半场奸奸女人，再后面就看不懂了。拍的什么烂片啊？”

相信在场观影的人当中没有看懂影片的人很多，但是还好我不在其中。可是在影片结束的那一晃眼儿的时刻我确实也没太弄明白，是在离场时琢磨了一番才弄明白的。当时竟觉得这部戏的可恨之处正是它的可爱之处。

许是因为太多人习惯了平铺直叙的电影叙述模式，所以当影片采用2种叙事方法展开剧情的时候，很多人便开始躁动不安，无法耐下性子去观看这部影片。说到这，我也只能说，观众已经太习惯了一条路走到底的故事情节。

其实这部影片的故事很简单，一段人与狼的奇情。只是故事被打散，分成了三段，第一段：两个男人的友谊，这段内容主要是体现两个男人之间的生死友谊，其间也婉转地暗示了一下陆沈康变成狼的必然性；第二段：一个男人与一个女人的情爱纠葛；第三段：两头狼对偷窥者的绞杀。

三段故事当中，第二段应该是影片的重头，一对男女在7天的交合后蜕变成狼。这当中所经历的过程是惊世骇俗的，是凄厉而悲凉的，就像影片一开始所营造的那种孤苦无奈的氛围一样。

可悲的是，为了得到公映，此片似被剪得遍体鳞伤，情感烘托也大打折扣。阉割后的《狼灾记》变得有些乏味可陈又难以理解。

不敢说什么这是文艺导演遭遇商业题材的痛，对于我来说商业与文艺其实不重要，重要的是电影让我感受到的。

田导大概本来想在电影中诠释一种人、兽之间的不和谐关系。然而7夜的交欢不甚完整，三段故事的衔接有些缝隙。据说原著本来的内容其实无法支撑一部影片的完成，所以电影整体结构显得单薄。

如此种种，使得导演的思想没有在影片中得到完全的体现。这不能不说是件非常可惜的事情，而对于这样的尴尬我真的很想知道导演内心最真实的想法。

恋恋钢琴曲幽幽女人情

胧月夜 — Sat, 03 Oct 2009 14:42:00 GMT

自从钢琴诞生以来，它便成为西方音乐中最重要的乐器之一。许多重要的作品都由钢琴演奏而出，许多的情感也由钢琴孕育而生，纠葛而灭。尤其是女人的百转柔情，在琴声中跌宕、绽放。

乘国庆长假，好好在家重温了几部不错的与钢琴和女人有关的电影。这些充满艺术气息和艰难现实的故事中，有多少撞击心灵的地方隐藏其中呢？若非细细品味，恐怕难从其中找出心中的共鸣。

《钢琴别恋》（The Piano）

导演：简·坎皮恩

主演：霍利·亨特、哈威·凯特尔、安娜·帕奎因

年代：1993年

国家：法国

对白语言：不列颠手语、英语、毛利语

这部影片大概是我接触到的与乐器有关的最有名望的一部电影了，无论艺术还是商业都获得了巨大的成功。有人说它比电影更加电影，这句话虽然有些让我费解，可还是能感受到发言者对这部影片的深刻情感。

一个不以言语表达自我内心世界的女子携带女儿远嫁它方，且在那里结下不解情缘。话语、肢体不是传达爱慕的手段，而是那流淌在指尖的音符载满了充沛的情感。孤傲而脆弱的女子，以音达情，只有读懂这一个个美妙音符的男人才能走进她的世界。

我想，在遭遇贝恩斯之前，艾达该有多寂寞呀？热爱音乐、诠释寂寞的人最害怕的不是肉体的孤独，而是心灵的苍白。没有共鸣，情感哪能寄托；没有理解，音乐如何升华？贝恩斯正是踏着节奏走进艾达心灵的倾听者。

尽管道路艰辛，他们终究属于了对方，他们让对方成为彼此的依赖。电影不仅充满了音乐的律动，也洋溢着诗意的浪漫。对于观看电影的我来说，钢琴不再是一架跳越音符的机器。

《钢琴教师》（La Pianiste）

导演：迈克尔·哈内克

主演：伊莎贝尔·于佩尔、伯努瓦·玛吉梅、苏珊娜·罗莎

年代：2001年

国家：法国

对白语言：法语

母女的情感总是矛盾的，也是紧密的。同为女人，她们或许会互相嫉妒，也会互相爱护。母亲的思想或许会因女儿的成长而开始守旧，女儿的性格或许会因为母亲的保护变得桀骜不驯。但事临了，依旧母女情浓。

拥有一个望女成凤的母亲是可怕的，也是幸福的。艾丽卡能深深体会这样的滋味，因为她的寂寞由母亲而生，却不能因母亲而派遣。过分严苛的要求，让音乐在她的生活里变得单调、乏味。而艾丽卡的心灵也开始随着年龄的增长而扭曲，母亲对于未来的期待蒙蔽了她关爱女儿的双眼，可悲的时间发生后，她第一个冲来，可是早已于事无补。

陷入痛苦泥潭的艾丽卡无法自拔，对待自己学生的情感让她百感交集，可是又能如何呢？影片的抑郁气质调动着全身的细胞，让投入情感的观看者忍受着同样的痛苦。

《秋日奏鸣曲》（Höstsonaten）

导演：英格玛·伯格曼

主演：英格丽·褒曼、丽芙·乌曼、莱娜·尼曼

年代：1978年

国家：瑞典

语言：瑞典语、英语

很似《钢琴教师》，道不清的母女情仇。由爱生恨的矛盾，一直缠绕着英格丽·褒曼和丽芙·乌曼饰演的这对母女。钢琴是她们情感裂痕的主因，母亲执着于对音乐的追求在幼小的女儿心中留下了巨大的阴影，卑微与怯懦让女儿将对母亲的爱转换成了仇恨。可惜了钢琴这件神奇的乐器，平白无故的成了仇怨的导火索。

不由自主思量起自家的母女关系来，少不得的争执、拌嘴常让母女俩伤心。可是伤心过后总会好了伤疤，忘了疼，继续争吵。假若用迷信点的话来说，母女俩生肖不和谐，总有抵触，爆点常常会出现。可是，到底是有血缘的，如何争吵也是母女情深。

当伊娃与优秀的母亲夏洛特一场激烈的谈话后，心中的怨恨发泄出来，母亲却又一次投入到演出中。伊娃的内心开始纠葛，最后还是写信给母亲致歉。秋天的落叶带着淡淡哀愁与无奈落上地面，碎后又化入土中成为养分补给即将在春天生长的新叶……

《风声》紧紧

胧月夜 — Fri, 02 Oct 2009 02:37:00 GMT

一直没打算去电影院看《风声》的，主要是因为之前得到的传闻把此片形容得比较血腥、恐怖，没有勇气到电影院里慢慢观看。可是因为国庆放假，不看点与国家息息相关的电影，似乎没法跟自己交代似的，没有选择地看了《风声》。

《风声》的原著小说是麦家80年代的作品，我并不熟悉。知道麦家这个人还是在新世纪，他的小说《暗算》被改编成电视连续剧之后。2008年，他的这部小说还获得了茅盾文学作品奖，不知道这算否迟来的荣耀。

或许是因为《暗算》的成功，才有了麦家作品得到进一步展示的机会。当然，这个说法仅限于我个人的猜测。总之，《风声》在国庆档期诡秘现身了。说诡秘其实仅对我而言，在看《建国大业》的时候看过这部电影短短的一段片花，确实很有突破，但是对于胆小怕事的我来说，当时已经给震住了，实在无法接受这种压抑、诡秘的感觉。之后，也没刻意去看相关报道，想给自己留下更多的想象空间。

当专为这部影片走进电影院时，心中是有忐忑的。究竟是为了获得票房，导演刻意选用酷刑来吸引观众的眼球，还是为了营造其中的气氛大放噱头都让我好奇，早早做好被血腥刺激的准备。

出乎我意料的是，影片并没有将大部分的镜头放在刑罚的实施过程上，而是更关注被抓入古堡后几个人物心理上的变化和“抓出老鬼”的迷局如何被一层层剥开。电影的节奏非常紧凑，而破解悬念的过程也是张力很足。

反而是施刑过程有些雷声大雨点小，只有张涵予扮演的吴大队在被针灸逼供的一场戏中透露了较为具体的暴虐情节，其他几位人物受虐的过程则是在一片凄厉的尖叫声中飘然而过。

此片有个细节我非常喜欢，就是周迅饰演的顾晓梦在临死之前所做的行为。如何说起呢？首先，周迅和张涵予饰演的都是共产党的特务，他们对于革命事业的献身是彻底而决然的，同时也是默默无闻的。导演在处理他们的爱国情绪上，并没有用以往主旋律影片中，主角临死时大无畏的叫口号的形式，而是更多的加入了对彼此的关怀和对自己弱点的抗争。

顾晓梦与翻译组组长李宁玉的友谊也是挺打动我的，虽然后面仔细琢磨时都觉得有些不可思议和难以理解，但我还是被它感动了。两个女人在危机时刻心心相惜，没有政党纠葛、没有派别斗争，而是成为同事以来共同经历一场磨难后的纯粹的女人间的友谊。

可以说，这部影片是打破了传统主旋律影片的种种束缚，成为一部比较彻底的谍战片。演员的表演和影片的制作都很不错，在国产影片中它是鹤立鸡群的。

而影片本身扎实的故事功底和对“抓鬼”过程的成功表现也让我惊叹，回想《达·芬奇密码》和《天使与魔鬼》时书中精彩部分无法以视觉效果体现的惋惜，这部《风声》的表现值得让许多人走进电影院。

这个国庆还真因《风声》的表现而精彩了不少，不过《风声》之后我们还要多久可以看到同样优质的国产影片呢？

胧月夜