韩浩月的影评

《好雨时节》：震后成都的爱情故事

韩浩月 — Mon, 21 Dec 2009 02:25:00 GMT

韩浩月

一场灾难之后，总得有点文艺作品将记忆留存下来，那种高喊口号的就算了，我说的文艺作品是指那些能通过好看的故事反映人性、给人以温暖感的小说、电影或者别的一些什么。四川震后，有过几部片子对地震进行过讲述，但电影看完后留不下什么印象。中国最值得期待的地震电影《唐山大地震》，冯小刚正在拍着，而《好雨时节》的将要公映，却夺去了首部最值得一看的地震电影的名头。

私心里我一直期待四川地震这个题材，要留给中国导演来拍，方能调动全体国人对地震的集体记忆，帮助大家纪念逝者、更好地生活下去。但影片的出品方还是邀请了一位韩国导演来拍，不知道这是否出于对国内导演的不信任。单从导演的知名度来看，《好雨时节》选取许秦豪不算是冒险，这个韩国人，曾拍出口碑不错的《八月照相馆》，他的电影作品，以对人的情感与生活进行细腻描写著称，在《好雨时节》里，的确也能看到他标签式的导演符号。

《好雨时节》是一部爱情电影，它百分之八十的篇幅都在叙述一对青年男女的含蓄、清新的爱情，韩国演员郑宇成与中国演员高圆圆分饰男女主角，把他们在美国为同学时的一段未了恋情带到了成都，他们再次相见时，已经成都震后一年，这个城市似乎已经彻底恢复了它的悠闲、浪漫的面貌，但在郑宇成重新对高圆圆表达爱意后所发生的一系列情节，都在表明这个城市因地震带来的伤痕，仍然在隐隐作痛。

我更愿意把《好雨时节》当作一部地震电影来看，尽管电影只短暂出现了几个废墟的镜头，城市里的居民也多以男女主角背景的形式出现，但那些公园里奔跑的孩童，街上骑着自行车在雨中穿行的行人，往往会把观众的目光从主角的身上转移走，通过银幕上的信息去悉心感受这个城市里人们的生存状态。《好雨时节》越是轻描淡写，就越是能够将观众带到对成都震后一年的猜测与想象里。没错，电影里的成都是平静的、安宁的、诗意的，一如影片里高圆圆的形象，她的微笑、幽默和沉默里面，总有股看不到的忧伤。

《好雨时节》设置了一个让观众产生探究心理的悬念，这个悬念一直到影片最后才得以破解，支撑观众全身心跟随情节往下发展的最大动力，就是这个悬念的设置——高圆圆明明表现的那么喜欢郑宇成，却为何一次次拒绝了他；影片还有一个负担起搞笑任务的角色，即郑宇成所在企业的男性同事，作为第二男主角，将一个善良、热情同时又不发一点儿不识时务的中年男人形象演绎的很出彩。除了这个悬念和这个男配角，片子的格调可以用“淡然”来形容了，但它却并不缺乏让观众持续期待下一个镜头的吸引力。

《好雨时节》是部好看的电影，它的国际化制作风格——外国导演、中外演员、全英文对白，并没有削弱它讲述一个中国故事的本意。画面的唯美，高圆圆最为轻松和投入的演出，都为影片增了分。只是，《好雨时节》这个片名并不适合观众接受，第一印象它更像一个农业科技电影或者风光旅游片，如何强调它的爱情故事片和四川地震背景，是它能否成为大众关注的电影的决定性因素。为受众考虑，《好雨时节》这个片名寓意虽深，但并没有它原来的片名《成都，我爱你》更直接和容易理解。

票房打假不妨再激烈一些

韩浩月 — Fri, 20 Nov 2009 06:17:00 GMT

韩浩月

　　《阿童木》上映后，发行方称“首映3日票房过4000万”，而据《中国电影报》报道，实际数据显示，这部电影3天的票房不过1700万，随着媒体关注度的提高，有业内人士表示，“超过八成电影的票房都有或轻或重的水分”。

　　票房注水，八成电影难逃其咎，可见这种行为在电影界是多么普遍。凡是和电影圈有所接触的人都应该知道，票房注水几乎成了电影行业的潜规则，几乎没有任何新奇性可言。一开始，只是少量电影虚报一下票房，没想到效果奇好，结果大家一拥而上，不管还有没有效果，反正大家都要习惯性虚报一下。

　　虚报票房之所以如此盛行，因为这是最不需要创意、最好操作也是最廉价的宣传方式，它是电影进入全面工业化前期的一个必由之路，伴随它同步发生的还有电影审查制度的无标准，电影创作的盲目跟风，对情色、暴力的无规则运用，裸替、临时演员欠薪、拍片污染环境等等，都是电影产业不规范的缩影。

　　观众是对电影的“首周末票房”感兴趣，某种程度上，“首周末票房”是电影好看与否的晴雨表，虽未必准，但也提供了一条信息。只是，如果电影好看则罢，万一是烂片，那么观众会对发行方和制作方产生怀疑心理，以后再这么忽悠，恐怕不灵了，从长远看，为票房注水带来的是短期利益，伤害的是整个产业的未来。

　　好在中国电影的票房注水涉及面积虽大，但整体上注水情况还不算严重——很多电影只是在公映早期注水，档期结束前，也会偷偷摸摸地把之前注水的部分填满。之所以电影票房发行方说多少就是多少，想让它是多少就是多少，归根结底是票房统计没有公正的第三方提供，这个权利不能放到院线手里，也不能放到发行商手里，而应该由电影管理部门牵头，成立一个专门针对电影票房进行精确统计的公益机构，为观众提供翔实的信息参考。

　　不过，最简单的方法还是加强行业自律，制作方和发行方率先要有诚信意识，多在提高影片质量上下功夫，别没事乱琢磨怎么在票房上做手脚。做来做去，究竟赚了多少钱自己不知道么？要是被税务部门盯上，吹牛吹到上了税那可得不偿失。虚假票房得到的也只是虚荣心的满足，但真正能得到快乐的还是电影受到了观众的欢迎。

　　现在大家开始重新重视票房注水的问题是个好迹象，这是电影产业走上正规化的前奏，不是观众对票房注水已经义愤填膺，而是行业发展本身已经不能再容纳票房注水行为继续泛滥下去。如果遏制票房注水能成为电影行业的自觉行为，那么很有希望能够带动其他产业不规范行为得到纠正。如此看来，对票房的打假还是更加激烈一点才好。

《火星没事》：每个孩子都是“火星人”

韩浩月 — Thu, 19 Nov 2009 01:29:00 GMT

韩浩月

刘仪伟导演、黄磊等主演的《火星没事》20日全国公映。如果说《功夫熊猫》中的阿波的爸爸是只鸭子让观众很是费解，那么《火星没事》中黄磊的儿子是个火星人显得更没谱。熊猫和鸭子，地球人和火星人，这让人起疑，如此父子关系是怎么建立的？《火星没事》的说法是，火星儿子是地球爸爸为了满足太太的遗愿领养来的，但领养之前这个娃娃是怎么来的？如果有一个像《终结者》那样施瓦辛格裸体降临地球的镜头就好了，算是交代一下火星娃的降临。

不过没有也没关系，反正这部电影是打着科幻电影的旗号来描述现代社会父子关系的。黄磊和这个名字叫“没事”的儿子，过着相依为命的家庭生活，虽然因为家里少了一个女人而显得有些冷清，但因为父亲比较敦厚可亲，也显得其乐融融。只是因为这个娃娃是火星人，时不时地爱玩弄点超能力，甚至带全班同学集体玩失踪，让这个老爸苦恼不已。

火星人“没事”长着和每一个地球孩子都差不多的面孔，同样也拥有每个地球男孩的顽皮，他运用自己储存在奶粉罐里的超能量，让道貌岸然的房地产商徐峥在新盘发布会上大揭房地产黑幕，让郭德纲的豪华车实现了“无人驾驶”，把自己家所有相框里的照片，换成了他一心想将之和爸爸撮合成一对的漂亮老师，还能让加油站大降价引起全城抢加油的壮观场面……

每个家有男孩的父亲，看到这种场面，都会不由自主联想到自己家里的那个混小子，虽不至于像“没事”那样可以天翻地覆的闹事，但每个男孩的成长都会令家长头痛不已。所以，这是一部适合父亲陪儿子一起看的电影，孩子可以通过火星人的胡闹得到只有他们同龄人才懂的乐趣，而父亲或许能通过电影中爸爸的遭遇，感悟和学习到一点做父亲的方式和方法。

《火星没事》的点睛之笔在于电影结尾，“没事”为了不给地球再惹麻烦，决定坐飞碟离开，分手之前，父子儿子拥抱在一起冰释前嫌，演绎了一场令人眼睛潮湿的催泪戏。失去火星儿子的爸爸在回家的路上看到一个个飞奔的孩子，这个是火星人，那个也是火星人，于是他明白了，每个不被大人理解的小孩，内心的孤独都会让他们变成不可理喻的火星人，而让他们快乐的唯一办法就是给他们足够的爱和关心。

用科幻形式制造爆笑情节，爆笑之后再以温情催泪，《火星没事》将科幻电影的想象力、喜剧电影的搞笑桥段、家庭电影的亲情元素，很好地融合成了一个整体，刘仪伟体现出了要高于他演员水平的导演才华，《火星没事》虽然不是一部大片，在一些片段上还有着落入俗套的嫌疑，但整体上还是凭借良好的节奏感和娱乐效果，让观影过程充满欢笑和感动。

在结构上，《火星没事》和《长江七号》类似，都是一对父子，都有一个宽容、善良的女教师，而且在《火星没事》中出演女教师的关悦的扮相，和《长江七号》中的张雨绮非常神似。但《火星没事》要好过《长江七号》的一点是，前者在娱乐之余提出了一个严肃的命题，那就是现代社会承受生活重压的父亲如何学会和孩子相处，在看完《火星没事》之后是沉重的，因为我觉得，自己欠儿子的太多了，或许在某个时候，他已经变成了火星人……

时尚的《阿童木》以及那些老去的卡通英雄们

韩浩月 — Thu, 05 Nov 2009 01:40:00 GMT

韩浩月

《阿童木》上映以来，一直在关注它的票房走向，关注的目的在于，想了解这个横跨半个世纪的经典卡通形象，究竟在今天还有多大的号召力。现在从媒体得到的消息是，在中国，《阿童木》以首周末超过4000万的收入，成为近日档期当仁不让的票房冠军，而在阿童木的原产地日本，以及本该大火特火的美国，该片却没能引起轰动，有媒体报道时标题中甚至出现了“票房惨败”这样的字样。

这是一个很难理解的现象。《铁臂阿童木》是日本漫画家手冢治虫1950年代创作的漫画作品，以连载形式出现于杂志后一举成名，1960年代同名电视剧在日本播出，更是成为在日本家喻户晓的卡通形象，直到1980年代，中国的电视台才引进了这部电视剧，也就是说，日本观众比中国观众对这个卡通形象感情积累期，起码要多二十到三十年，现在这部电影上映了，尽管故事和原著漫画有了一些不同，但凭借阿童木在日本流行多年积攒下来的人气，怎么说也应该比在中国更火一些，但事实并非如此，日本人难道如此擅长遗忘，连曾经带给他们很多快乐的阿童木也不记得在心上了么？

同样，《阿童木》失意美国票房也不可理喻。要知道，这是一部几乎百分之百按照好莱坞模式生产的电影，在制作上，采用了3D技术，在配音上，动用了尼古拉斯．凯奇这样的大腕，在故事上，用尽了美式编剧的搞笑与煽情，美国观众还有什么不满意的？但偏偏是美国人比日本人还不买账，居然连生产这部电影的意马国际的股票在电影上映后也大跌37%。不过，回头想想，美国人的经典卡通形象太多，米老鼠与唐老鸭、小熊维尼、小鹿斑比、贝蒂小姐……而且还有怪物史莱克、丑鱼尼莫等众多新卡通阵容不断添加进去，《阿童木》没能以十万马力速度在美国冲顶票房冠军，也没什么可抱怨的。

唯一令出品方安慰的，是《阿童木》在中国受到异乎寻常的欢迎，在《建国大业》、《风声》两部电影票房大捷之后留下的观影凝滞期内，中国观众还是给《阿童木》贡献了首周末4000万，最终无论这部电影能在中国收获多少票房，都应该满足了——这起码能说明，《阿童木》的故事、特技以及电影传达的情感，都是没问题的，它再次调动了中国观众喜欢怀旧的观影心理，给予了中国观众一次愉悦的观影感受，并收获了出于意料的感动，甚至在网上少数批评报道的留言页面上，都有网友主动站出来为《阿童木》进行辩护。输了票房、赢了口碑的《阿童木》，也算没有枉费走上大银幕一场。

电影中的《阿童木》和记忆中漫画书中、电视里的阿童木，的确有很多不同的地方。他的年龄由7、8岁长大到了12岁左右，他的战斗能力更强，他不再把“十万马力，七大神力，冲啊！”挂在嘴边，口中说的台词尽是美国范儿的幽默，他还有了青春期青涩的萌动……简而言之，阿童木更时尚了，然而，也正是这份时尚，赢得了现代观众的喜爱，片中与时俱进的流行语，每隔几分钟都会让观众笑成一片。如果说这部电影在整体上仍与梦工厂、迪士尼等公司的主打作品有着小小的差距外，那么在表达技巧、情绪感染力方面，它不输于任何一部曾经成为北美票房冠军的动画大片。

最近看到消息称，《阿童木》的续集已经融到了资金，不知道这部电影在票房上的不尽人意，会不会影响到续集的拍摄，如果正剧未能大获成功的话，那么拍摄续集意味着要承担更大的风险。这风险来自于市场的无情，也来自一个已经老去的卡通英雄不再具备的影响力。老去的不止是阿童木，一道是现代的孩子们抛弃的，还有包括米老鼠、唐老鸭、白雪公主以及小矮人……一个时代的儿童，有着他们的选择，比如现在的中国孩子，最喜欢的是喜羊羊和灰太狼，他们怎么知道和理解自己的父辈，曾经喜欢过铁臂阿童木？走过半个多世纪的阿童木到了与我们告别的时候，但在记忆里出现于粗糙纸张和布满雪花荧屏上的阿童木，会是个永远长不大的孩子，他给那个年代的孩子所带来的快乐，也将为这些中年人们所记得。

看不懂的《罪与罚》及电影审查制度

韩浩月 — Thu, 05 Nov 2009 01:36:00 GMT

韩浩月

由郭富城主演的香港片《罪与罚》11月1日在内地公映，这部原名《杀人犯》的电影是通过删减大量镜头、对结尾做了大更改并且改了片名之后，才通过电影局审查得以与内地观众见面的，换来的结果是，率先看过该片的记者群体大呼“看不懂”。

同样道理，把一部小说抽掉几页、结局一通更改、顺便书名也换一下，读者能看得懂才怪。电影和其他作品一样，只有保持原作的完整性，才会将创作人员的原始信息全部提供给观众。如果原作一刀未剪观众看不懂，只能怪创作人员太蹩脚。可是，按照电影审查部门修改意见完成后的电影再看不懂，我们该怪谁蹩脚？

按照媒体的报道，《罪与罚》被删减的部分，很多含有暴力和粗口镜头，这是情有可原的，在中国电影分级制度尚未建立之前，过多暴力渲染和粗口，有可能给低年龄观众带来不良影响，只是对电影结尾作修改这点应慎重，不能过于强调阳光结局或者正面价值观而不顾故事的整体性，毕竟电影是虚构作品，真实的世界都有对错、邪恶与美好，何必要求虚构作品也一味天真烂漫？包括《杀人犯》似乎也无改名必要，身边的报纸、电视，隔三差五都有杀人犯的报道，不会因为一部电影的改名，观众就会少受到一些刺激了。

对电影进行删减已成电影审查的常态，《大搜查》、《新宿事件》、《窃听风云》等港片在进入内地院线时都有过不同程度的修改，一些国外电影在引进时，通常也会有一些场景被删除，当然，也不排除某些有争议的电影意外通过审查得以用完整版本示人，这些幸运的电影便会大张旗鼓把“一刀未剪”当成卖点来宣传。但是，究竟什么样的镜头必须删，什么样的镜头可删可不删，什么样的镜头完全没必要删，观众却不知道，电影审查官员知道，但他们又很少说出来，或者以文件的形式制定一个标准公布，所以，舆论才一直呼吁建立电影分级制度，通过限定电影观众的年龄层次，来限制电影的观影群体，这样既实现了电影局保护未成年人的好意，也避免伤害到了电影的完整性。

没有分级制度，审查标准也没清晰的界定，所以有时难免产生该删的镜头没删、不该删的镜头却被删了的争议，比如《色，戒》、《苹果》等电影，就曾卷入这种争议之中。近两年来的电影市场，看上去姹紫嫣红非常繁荣，但质量参差不齐，实际上还是一地鸡毛，这里面也有电影审查的一份责任。

世界没有不能删的电影，想删的话任何一部经典之作都能找到删的理由，只是，像《罪与罚》这样删到令人看不懂的电影，最好还是干脆别引进了，这样的片子放到电影院里，既让创作者伤心，又会让观众对自己的理解能力产生怀疑，说不定还会对蒸蒸日上的电影票房造成不必要的打击，何苦来哉？

《阿童木》：情感浓烈、对比鲜明的动画大片

韩浩月 — Wed, 28 Oct 2009 06:19:00 GMT

韩浩月

检验一部动画片好看与否，一个孩子会比十个影评人更有发言权，在看《阿童木》时，我身边的小朋友在差不多五分钟的时间里，小声地抽泣着，我不敢看他，担心一个大人戏谑的表情伤害了一个孩子纯真的心灵，也不愿影响他去感受这个世界挚真情感的心情，要知道，现代生活里很难找到合适的机会，给孩子上一堂关于感动的人生教育课，因此，要谢谢《阿童木》这部电影。

感谢这部电影还有一个原因，那就是我的父亲身份，有时我困惑于如何向孩子解读父子之间的关系，如何帮孩子了解栓系于这份血缘关系之上的爱与责任、奉献与牺牲。《阿童木》在这一点上有浅显但却准确的解释：天马博士因一次实验室意外致使儿子杜比身亡，他用从儿子头发中提取的DNA制造了机器人阿童木，阿童木不仅外形和杜比完全相似，也拥有杜比的全部记忆，但天马博士还是慢慢觉得阿童木并不能代替儿子，当邪恶的天空之城“大都会”的总督史东胁迫天马博士取出阿童木体内的蓝核能量时，天马博士充满矛盾地将阿童木带进了实验室。

影片最催人泪下的一幕便出现于此，阿童木放弃反抗将生命重新交给自己的“父亲”时，脸庞上的那种顺从和坦然神情令人动容，这个时候的阿童木已经拥有了足够将整座城市摧毁的力量，但仍然心甘情愿死在自己“父亲”手里——不知他是出于被“父亲”逐出家门的失望，还是觉得这就是他的宿命。但在最后时刻，天马博士幡然悔悟，不惜以命换取阿童木继续活下去——他们之间的父子关系从这一刻才算正式开始。这是一次凡人情感的胜利，也是正义的一次胜利，极易引起观众共鸣，如果你有一个孩子的话，不妨与他（她）共同去体会这段情节给两代人带来的共同震撼。

当然，除了这段悲情戏之外，整部《阿童木》90%的时间，都是处在欢快的节奏中的，影片创作人员制造了足够多的角色，用来承担观众的不同情感需求：权力欲旺盛的史东总督和表面和善、内心阴险的哈马，可以满足观众发泄对坏蛋们的愤怒情绪；从天马博士和茶水博士身上可以发现好男人的传统；装了红核的邪恶机器人，变形金刚般庞大的身躯装满了整个银幕，与身体小巧玲珑的阿童木之间的对战既有大场面又富有趣味性；家居机器人奥伦和四个垃圾机器人肩负起了搞笑的任务；那个富有人性的铁皮垃圾筒，是影片的一大亮点，它的作用，可以和《怪物史莱克》中的驴子媲美。

情节简单、情感浓烈、对比鲜明、价值观指向清晰……《阿童木》是部不折不扣好莱坞化的作品。正义与邪恶的较量，精彩逼真的打斗场面，对亲情、友情的细腻刻画，多处类似“不要迷恋哥，哥只是传说”这样的爆笑台词，圆满的大结局，以及最后为拍续集留下的一个小尾巴，只能说，“一部好莱坞动画大片该有的全有了”。这部电影是由国内两家娱乐机构主导投资制作的，多少会令人对其质量产生些担心，但看完之后可以用出乎意料来形容。电影的中外合作进入实质性操作这么些年来，《阿童木》堪称合作最成功的一部，当然，必须要说明的是，它的创作和制作班底绝大多数来自好莱坞和香港。

日本漫画家手冢治虫在上世纪50年代创作了漫画《铁臂阿童木》，1980年代同名动画片由中央电视台引进后，在国内掀起一场持续十数年的阿童木热。阿童木对当时的孩子来说，就好比现在颇受欢迎的喜羊羊。现在知道阿童木的孩子已经不算多了，伴随阿童木一起在中国风光不再的，还有米老鼠与唐老鸭等经典卡通形象。每个年代的孩子都会有他们的选择，所以，电影《阿童木》更能唤醒1970年代人的记忆。电影版的“阿童木”应该是漫画版“阿童木”的变身，只是，隔着几十年时空的阿童木战斗能力更强、也更时尚好玩，具备了老少通吃的魅力。但愿电影《阿童木》的上映，能令这个经典卡通形象再次焕发活力。

《风声》：剧情悬念和演员表演是最大看点

韩浩月 — Mon, 28 Sep 2009 03:09:00 GMT

韩浩月

22日，电影《风声》在天津首映，而在之前之后几个城市进行的点映和内部看片之后，《风声》中谁是“老鬼”的悬念已不再神秘。但还是建议观众不要事先对这部电影了解太多信息，尤其不要知道谁才是真正的“老鬼”。在这个前提下，才能得到《风声》想带给观众的全部观影感受——扑朔迷离的剧情、血腥暴力的画面、尔虞我诈的角力、紧张压抑的气氛，以及隐藏于这些元素下的人性、理想以及信仰。

作为华谊兄弟今年最为重视的一部力作，《风声》是“十一”档期唯一能与《建国大业》抗衡的力作。两者同样拥有庞大的明星阵容，只不过《建国大业》侧重于全景式的历史大事件描写，而《风声》则发轫于国共谍报暗战的一个细屑——这部电影的大多数故事发生在阴森黑暗的城堡“裘庄”内，“裘庄”高筑于山顶，似乎与世隔绝，但几日几夜间发生于这座城堡内的交锋，比外界的争端更为残酷和冷血。

《风声》是一部现场感极强的电影。长于细节刻画和气氛营造的导演高群书，在《风声》中将这一特点发挥到一个极致。镜头微微摇晃于演员制作考究的军装领口、衣襟、袖口，时而停留在无规则跳动的指尖，时而驻足于令人惊心动魄的眼神交流。张涵予在阳台哼唱的戏曲唱段、周迅游走在旗袍上的针线、走廊中响起的脚步节奏、餐桌上筷子敲碗的声响……都会令人想到“老鬼”用于对外界传递信息的“摩尔斯密码”。这些貌似无意肯定有意的桥段，让观众时刻处在敏感之中，随着情节的进展而满腹狐疑。

五名伪军军官，必有一个是“老鬼”，而如何将悬念保持到最后，《风声》煞费苦心。这首先要求演员在表演上不能随性甚至露怯，而是要切身融入剧情。饰演被囚禁的五名伪军军官，李冰冰、周迅、张涵予、英达、苏有朋，均在《风声》里有着超越式的表演。尤其苏有朋饰演的娘娘腔和黄晓明饰演的日本军官，都令人大为赞叹。这种脱胎换骨式的表演，可以一扫十数年来这两位既定形象的柔弱与和善，跃入演技实力派行列。如果苏有朋的出彩沾了角色本身的光，李冰冰在《风声》中的演出最不可琢磨，她的沉稳与冷静、重情与现实，分寸都掌握得十分恰当，是五个人当中最难分辨是否“老鬼”的一个。

《风声》在保持影片悬念方面的另一个做法是有节制地故弄一下玄虚，这种做法导致的直接结果是，部分看过９０分钟试映版本的观众，认为王志文饰演的特务处处长甚至黄晓明饰演的日本军官武田，都不排除是“老鬼”的嫌疑。导演在片中做的这个手脚，虽然有向好莱坞学习的嫌疑，但这样做对影片并无不良影响，也在某种程度上为影片结局增加了多种可能性。直到王志文和武田将五伪军军官行刑害死两位之后，反而更容易加深观众怀疑他俩是“老鬼”的可能，非常时期因不能保护革命同志而只能眼睁睁地看着他们死——之前无数电影也不是没这么表现过。

《风声》的一大卖点是血腥酷刑，电影的制作很精良，但用这么精良的制作来体现酷刑，的确对观众的承受能力是个考验。幸好在片中，只有周迅和张涵予所受的酷刑堪称惨烈，其他几位都尚在能接受程度。酷刑镜头的设置，对于升华影片主题是有帮助的，但我依然觉得，《风声》的最大看点是演员的表演。如果说这部电影在追求“豹尾”方面尚有提升空间的话，那么它在挖掘演员潜力方面已经做到一个极致，推动国产电影进入了真正的“巨制”时代。

《风声》是部娱乐大片，这是毫无疑问的，种种娱乐元素将这部电影对人性的表达和对理想的追求挡在了后面。随着影片的热映，在悬念解开之后，人们也许会深入讨论《风声》所要体现的精神境界，比如张涵予饰演的伪军军事参谋部部长，他对国共两党都怀有复杂的心理，在面临生死考验的时候，他的信念是如何才能够不动摇。比如周迅，在经受惨无人道的酷刑之后，是一种什么样的力量支撑着她拼死也要传出重要的消息……《风声》没有明确地扛起“信仰”这杆大旗，但在观影后起伏的情绪沉静下来时，也许很多人都会思索到一个与信仰有关的问题。

恐怖是个筐，啥都往里装

韩浩月 — Sun, 13 Sep 2009 13:12:00 GMT

韩浩月

　　《死神来了4》8月底在北美全线上映，不出意外地实现北美票房排行榜两连冠。美国媒体对这部电影评价并不高，看来影评人已经对这个系列电影产生审美疲劳。不过，这并不妨碍影迷继续热爱《死神来了》，有网民这样评论：“真后悔看了《死神来了4》，因为看了之后更想看第五部了。”

　　9月中旬，《死神来了4》会在香港和台湾上映，这部电影采用3D制作，这在恐怖电影里算是首次，恐怖+3D，惊悚双倍升级，受不了刺激的观众在观看之前一定要有心理准备。

　　《死神来了4》在打出片名之前，有一个长达十余分钟的序幕，讲的是男青年尼克和女友劳莉以及几位朋友在一起观看赛车的故事。在比赛进行到相当激烈的阶段时，尼克出现幻觉：一辆赛车出现故障，引发赛车连环撞车，赛车的残骸飞溅到看台上，导致数十人丧命，尼克赶紧劝伙伴们离开赛场，在他们刚走出赛场时，一切情境如尼克幻觉出现的那样一一上演……

　　《死神来了3》结束时，人们认为这个系列电影已经走到尽头，没想到好莱坞继续发扬没完没了的续拍精神，还是拍出第四部，而且依然能够走上票房排行榜首位。这表明，这个系列电影有它独特的吸引力。《死神来了4》虽然仍旧将影片类型定义为“恐怖”，但在这部电影里，除了可以看到惊悚外，还可以看到悬疑、追车、青春、友情……真是“恐怖是个筐，啥都往里装”。但要承认，这些成份已经通过电影市场的检验，证明都是可以吸引观众看下去的元素。在之前的三部电影中，这些元素已经构成《死神来了》的特有风格，到了第四部，这种风格更为明显。

　　再烂的恐怖片也永远不缺观众———《死神来了4》深谙这个道理，所以尽管有杂七杂八的娱乐元素，“恐怖”仍然是它尽力渲染的东西。在《死神来了4》中，男主角尼克大胆预言“死神来了”七八次，这意味着，每次他的预言变成现实，就会有人为此血肉横飞，观看整部电影的过程，也成为不断倒吸冷气、心惊肉跳的过程。因此，《死神来了4》已经不能简单用“恐怖”来形容了，它在画面上的血腥程度，甚至超过美国电影审查分级管理机构给它定的R级，我认为该片定为NC-17级———禁止17岁以下观众观看更为合适。

　　外媒评论

　　“第四部愚蠢而平庸，讲述了一群漂亮的年轻人想欺骗死神的故事。”———《洛杉矶时报》

　　“一群漂亮的年轻人再一次逃脱了灾难，一个个在命运的追赶下走向死亡。”———《娱乐周刊》

　　“系列影片曾带给观众负疚式的愉悦，但我认为‘死神’也许让我们开心得足够久了。”———《每日电讯》

《斗牛》：让人脸上发笑心中发冷

韩浩月 — Thu, 10 Sep 2009 08:57:00 GMT

■入评理由：第六代导演管虎蛰伏五年拍摄的电影新作、入围本届威尼斯电影节地平线单元

　　■片名：《斗牛》（《COW》）

　　■编剧/导演：管虎

　　■主演：黄渤、阎妮

　　■上映日期：2009年9月11日

　　■读家：韩浩月

　　■推荐指数：★★★★☆☆

　　■一句话点评：作为一部集纳了中国电影多种元素又有着自己独特个性的电影，《斗牛》还是值得一看。

　　管虎的新作《斗牛》在形式上是向喜剧片靠拢的，剧情简介、海报设计、演员选择等各方面都透露出这个信息。尤其是黄渤和闫妮分饰男女主角，更强烈地向观众传递了这样一个信号：这是一部可以让你在影院笑满全场的电影，但事实并非如此，观看《斗牛》得到的并非一部商业娱乐片所带来的轻松和愉快，相反，却有丝丝残忍和沉重感萦绕在心，《斗牛》如同一眼深井，它的冷是可以穿透脊髓的那种。

　　《斗牛》的故事很简单，八路军委托山村村民保管一头荷兰奶牛，村民以将寡妇闫妮嫁给黄渤为奖赏，让黄渤无奈接受了照顾奶牛的任务，鬼子屠村之后，只剩下黄渤和奶牛，信守承诺的黄渤为保住奶牛展开了和鬼子、流民之间的争夺，并在与奶牛的相依为命过程中将奶牛当成了被鬼子杀死的九儿（闫妮饰）……这样的故事，怎么会有喜剧色彩可言？于是，山东方言以及黄渤卖力到近乎拼命的表演，担负起电影的搞笑任务，村民们的粗俗但纯朴的话语，也会令现代观众忍俊不禁，但剥离掉这层幽默的皮，才能感受到这个简单故事所蕴涵的人性冷暖以及其他更为意味深长的东西。

　　据了解，在网络调查中，仅有不足10%的网民对《斗牛》的抗战题材感兴趣，而实际上，《斗牛》对于日军暴行的表现和对战争的反思，处理得都不错。影片开始有一个镜头，静止在鬼子屠村之后遍地的尸体上，一条举着的胳膊仿佛传达着悲愤与控诉，电影并没有屠杀过程的描写，但这么一幅画面，就足以为后来的故事做好铺垫。后来的故事是，一个鬼子在黄渤欲用铡刀砍下他的头的瞬间，从怀里掏出了一张全家照，黄渤大概说了这样一句台词，“你在杀怀孕的妇女时想到过她也有家小吗？”这句台词，足以让某些探讨日本侵略者人性与忏悔话题的影片瞬间变得苍白无力，《斗牛》也因为这句台词而拥有了某种力量，一种或者可以叫反抗的力量。黄渤无疑是个善良的人，他虽然以命守护着奶牛，但在流民三番五次欲杀牛充饥但却死于鬼子留下的炸弹后，还是流露出了“人命比牛命重要”的意念，但如果真的让他用牛命保人命，恐怕他也不愿意，因为在他看来，信守承诺比生命还重要。

　　《斗牛》最核心的内容是关于承诺的问题，其他诸如战争、人性、爱情的描写固然都占了不等的篇幅，但这些都是围绕承诺这个主题而展开的。黄渤的承诺是一种农民式的承诺，固执、坚韧、生死难改……当他历尽苦难数年后将牛交还给路过的解放军，却被解放军拒收并将牛送给他时，电影才有了难得的轻松一幕，压在黄渤身上重若千斤的承诺终于得以践诺，但影片留给观众的反思却不会因此而释怀。

　　《斗牛》有幽默的台词和表演，但电影整体色调却是阴郁和低沉的，整部电影只有最后一个镜头，才出现了几垄绿油油的青菜，传递出一缕温暖和希望。在电影气质上，《斗牛》和姜文的《鬼子来了》较为相似，都是那种让人脸上笑着、内心却发冷的作品。管虎让黄渤在电影中唱起《红高粱》的片尾曲，以及给闫妮饰演的角色起了个和巩俐在《红高粱》中一样的名字九儿，不知道是巧合还是在向第五代致敬。作为一部集纳了中国电影多种元素又有着自己独特个性的电影，《斗牛》还是值得一看的。

爱情永远没有真相

韩浩月 — Mon, 07 Sep 2009 01:19:00 GMT

韩浩月

　　美国电影在反思爱情与婚姻问题上下手总是比较狠，看了让人惊心动魄，甚至会产生不想让自己另一半看到的念头，比如《美国丽人》，里面所描述的装模作样的婚姻，看了让人心灰意冷。近期在美国公映的《丑陋的真相》也是这样一部反思爱情真相的电影，不过，爱情轻喜剧的形式，冲淡了它的沉重。

　　《丑陋的真相》首先是一部时尚剧，女主角艾比·里奇是一家电视台的制片人，男主角迈克·查德威是社会名流。电影用亮丽的色彩，展现出城市的奢华、生活的快节奏，幽默风趣同时不乏各种暧昧暗示的电影台词，让《丑陋的真相》具备把观众按在椅子上的吸引力，然后才开始讨论一个亘古但却永远新鲜的话题：爱情究竟是什么？

　　在理智、现实、从不幻想的男主人公迈克·查德威看来，爱情是一种艳遇，是两性之间短暂的吸引，是精神和身体得到双重愉悦后诞生的假象。而在女主人公艾比·里奇看来，男人对爱情的理解荒谬而肤浅，但她不得不承认，按照迈克·查德威对男人的理解，她成功地追到了医生男友。女人一般不会钟情那种看穿一切、对爱情永远无所谓的男人？错！这是一种表象，女人真正喜欢的可能是那些坦白到彻底、放荡不羁的坏男人——这也许就是爱情丑陋的真相。所以，艾比在说服离开自己节目的迈克重新回来的过程中渐渐发现，她离不开的不是已得到的医生男友，而是对她渐行渐远的迈克。

　　这部电影想说明什么？“得不到的就是最好的”这种理论在女人身上也有效？女人喜欢习惯性地抓住那些打算离她而去的男人，还是男人越坏女人越爱？真相只有一个，这是相对于其他事物而言。爱情是没有真相的，就像爱情没有对错一样，想在爱情中寻找百分百准确的答案，从产生这个念头开始，你就坠入一个永远走不出的迷宫。寻找爱情真相如此困难，所以《丑陋的真相》也仅仅是借此名义大玩爱情浪漫的小把戏，从始至终都是艾比和迈克在进行无休止的调情。

因此，不用担心看这部电影后会产生不良影响，它仍然符合好莱坞电影的造梦特征，看过之后只会让你对爱情产生更强的心理冲动，至于什么真相，早就丢到爪哇国去了。

《非常完美》：金依萌和章子怡的“小妞电影”

韩浩月 — Tue, 01 Sep 2009 01:09:00 GMT

韩浩月

前几天在工体水牛石餐厅参加《非常完美》导演金依萌的作品讨论会，第一次知道了这个名字。交流时她讲述了自己的从影经历，她在美国的那段时间，好莱坞的电影制作机制已经渗透到她的思维里，乃至于《非常完美》在节奏上如此轻松明快。在网上看到有人称《非常完美》为“小妞电影”，我觉得这是我看到的对这部电影最准确、也最令人眼前一亮的评价。

　　这是一个强调性感的年代，“妞”似乎成了一个落伍的字，但出演《非常完美》的章子给这个字注入了活力和时尚，愿更多的“妞”们回到银幕、回到荧屏、回到我们日趋虚情假意的生活中来。

　　印象里章子怡是相当要强而且坚强的女演员，从她对绯闻、传闻、八卦一概如风过耳就可以看得出来。1999年她出道，从《我的父亲母亲》到《英雄》，再到《艺伎回忆录》，章子怡完成了从新人至巨星的三级跳，但想起她来，更多时候还是她坚毅的眼神和咬紧牙关的样子。

　　十年后，章子怡第一次担任制片人，她把自己交到金依萌手里。电影中，章子怡仿佛灵感凸现，找到了身份回归的良好方式———电影成就了她，也孤立了她，找回自己的最好方式不是在别处，仍然只有通过电影，她才能够重新让观众抑或让自己发现自己的真实一面。

　　章子怡从高处不胜寒的位置跳了下来，如同电影中从前男友的阳台摔了下来，这一摔，摔碎了以往她偏于僵硬的形象，摔出来一个具有卡通性格、邻家妹妹形象的新章子怡。章子怡在电影里的确像个小妞，最小妞的表现是，她在马路上给临时男朋友表演“头痛、牙痛、肚子痛”的情形，那场面可爱得令人恍惚，这种“艺术”来源于生活，于是，很想说一句：欢迎小妞归来。

　　在《我的父亲母亲》里，小妞漫山遍野地奔跑，她穿着肥厚的棉衣，跑动时扭动的样子很质朴，那是她眼神最明亮、清澈的时候。自此之后，她的银幕形象变得固执、阴冷，有着一股拒人于千里之外的狠劲。她在《英雄》里嘶喊，在《艺伎回忆录》中脸孔被涂得苍白，这两部电影把她送到一个很高的位置，也把她推到一个离观众很远的位置。

　　章子怡该庆幸出演了《非常完美》，她在这部电影里第一次做了自己，痛痛快快谈了一次可以深情、可以直白、可以胡闹的恋爱，在情感经历上，她应该补上这一课。章子怡还应该庆幸遇到了漫画家出身的新人导演金依萌，这个同样有着小妞劲头的姑娘，营造了一个时尚、空灵、唯美的城市，这城市房间里的每一面墙壁、每一块桌布、每一个玩具，都有着浪漫的卡通色彩。导演和演员一起制造了一个梦，一个属于现代都市所有女性未泯的爱情幻想梦。

《着迷》：情感的致命缺陷

韩浩月 — Sat, 29 Aug 2009 09:47:00 GMT

韩浩月

　　由“巧克力美人”碧昂丝·诺里丝主演的剧情片《着迷》打着惊悚片的旗号，再次将“小成本、大回报”的制片模式变成现实，该片一度登上北美票房排行榜榜首，事实上，以捍卫家庭为主题的电影在美国向来有拥趸。

　　“男人无所谓正派，正派是因为受到的引诱不够；女人无所谓忠诚，忠诚是因为背叛的筹码太低。”用这句后现代名言来形容看《着迷》的感受最恰当不过。片中由伊德瑞斯·艾尔巴出演的男一号德屑里克·查理斯，拥有蒸蒸日上的事业，有美丽贤惠的妻子，更重要的是，他敦厚、善良有责任心，如果影片能增加几个他在庭院内劈柴做木匠活的镜头，那就几乎是个完美的、典型的美国成功男人了。

　　如此优秀的男人，和这样万里挑一的妻子，如果能相安无事地一直终老下去，那会美好得像一个童话。《着迷》中的男主角也曾这么想过，可生活从来都是喜欢平静中起波澜、悠闲中生事端，查理斯被办公室里一个金发碧眼的美女临时工盯上了，这个美女的进攻手段出乎一般观众想像，她对查理斯发起的爱情攻势相当强劲，套用一句俗语说，“这完全是一起有目的、有计划的阴谋破坏行动”。

　　《着迷》的另一个译名叫《纠缠》，似乎更贴近故事的内容，美女临时工勇往直前的精神，说好听点叫情难自禁，说难听点就是纠缠。不过，这也不全是美女的错，如果片中这位突遭艳遇的哥儿们能够成为美国版柳下惠，那么美女再怎么纠缠也是枉然，结果查理斯还是拜倒在美女的石榴裙下。

　　说《着迷》是惊悚片纯属忽悠，除了有点小悬念外，没什么惊悚可言。不过要从另一个角度理解，称是惊悚片也说得过去———还有什么比三人之间的情感大战更惊悚的事情么。《着迷》最后以走偏了的男主角回归家庭为结局，很和谐，也很具美国模式，如果不这么处理，观众走出影院就无法对剧情进行讨论，因为一旦站错位置说错话，很容易产生道德上的不安感。

　　讨论家庭责任、男人道德，前有无数经典，后有无数待拍影片，一部《着迷》承担不起这样的重任，它除了比较好看之外，其实探讨的东西并不多，如果非得找出一个的话，那么也许可以从中看到人在情感上的致命缺陷。比如，男人在面对美女诱惑时的不可自控，女人在爱上一个不该爱上的男人时内心深处的不可自控。如何解决这个问题，人类已经踌躇了许多年，今天仍然没有明确的解决方案。

《夜店》：一部讲“原则”的喜剧电影

韩浩月 — Wed, 26 Aug 2009 01:20:00 GMT

韩浩月

　　《夜·店》是一部让我笑着看完的电影，同时欣赏的情绪也贯穿始终，回忆了一下国产小片带给我的观影感受，《夜·店》可以划归《独自等待》、《疯狂的石头》这一队列里，它们的共同特点是：故事不错，演员出彩，节奏明快，配乐很棒，台词很好……

　　如此数落下去，有不负责任美化这样一部由80后导演拍摄的作品的嫌疑，但我不想掩饰对《夜·店》的喜爱，它也许是某部美国电影或者韩国电影的模仿，但情节可以模仿，影片的气质却是难以移置的。《夜·店》有着它对喜剧电影的理解，这理解包含了主创人员对城市生活的观察、对人生的态度，或者还可以说，《夜·店》也有着对人性的解析，尽管这种解析淡淡的，并不那么深刻。

　　《夜·店》的故事开始于爱情，结束于爱情，在超市打工的乔任梁暗恋自己的同事李小璐，他藏身于货架后面偷偷拍心上人的照片，总想着李小璐再喊他名字的时候告诉她———他喜欢她。在经历了超市里的一些闹剧之后，李小璐像往常一样喊了他几次，但这个羞涩的小伙子还是没能把“喜欢她”这几个字说出口，但这时已经不用说了，明白了她心意的李小璐已经知道，她在款台下面偷偷拉起他的手那瞬间，甜蜜气氛弥漫超市。爱情戏份在《夜·店》中所占比例很小，拍的也有点像某某绿茶或者某某口香糖的广告片，但这些戏份很清新，轻描淡写间，将整部影片的故事串连了起来。

　　《夜·店》的故事有点闹，但闹的不烦人，这得益于情节设置的一环扣一环，少有啰嗦或者没有的废镜头，此外，演员的夸张表演掌控得比较到位，即体现了个性，也难得的让人觉得亲切。可怜的徐峥，在《春光灿烂猪八戒》这样的烂片之后，一直摆脱不了那欠揍的固定形象，《夜·店》之后，终于可以说他咸鱼翻生了，由一个看了让人烦的喜剧演员，变成了一个看了让人不烦的喜剧演员。但最值得一提的是那个把“我要火了”当口头禅的赵英俊，他在片中饰演的角色颇有至尊宝的风度，是《夜·店》扛起搞笑大梁的一个人。

　　夜晚营业的一个平静的超市，因为闯进来的人而被闹得天翻地覆。他们各怀心思，徐峥是要拿回超市老板娘欠他的9500块中彩票的钱，并且带了一个把头套当宝贝死也不肯摘掉的傻表弟当保镖，张嘉译来超市为的是拿回自己藏匿在冰柜中价值千万的钻石，至于那个至尊宝，不过想戴丝袜扮强盗在同学乔任梁打工的超市拍个DV，为日后自己“火”铺路……但他们都有一个共同点，这个共同点就是徐峥的口头禅，“我是一个做事有原则的人”。有原则在徐峥身上表现得十分明显，原则在他那里有三个层次，一是欠债还钱天经地义，二是店内消费从欠款中扣除，三是9500块必须全部到位少三块五也不成。张嘉译也有原则，他的原则是拿回属于自己的东西，不愿意杀人。其他角色，多多少少在言语和行动上都在遵守一个看不见的原则……看多了媒体上各种缺乏原则、近乎神奇的社会新闻之后，再看一部喜剧电影在大讲原则，会觉得有些惊奇，但惊奇之后也泛起一点点感动。

　　备受争议的电影《苹果》曾被认为是解读底层人物内心的一部电影，而出现在《夜·店》中的人物，无一例外都是底层人物，但电影显然没有打算就底层生活发表意见，它没有掩藏什么批判性的东西在故事和镜头里面，试图从电影里发现一点什么的观众也许会失落，但它带来的娱乐效果会让人们忽略它的一些不尽人意之处。把电影拍得好看，就当下的中国电影环境而言，其实已经足够了。“好看”这个标准并不低，很多著名导演，至今还解决不了这个问题。《夜·店》让我想起了今年上海电影节主席电丹尼博伊尔在一篇致辞中说的观点，“电影属于年轻人”。看完《夜·店》之后，我记住了它的导演的名字杨庆，他和此前几位新生代导演们让我觉得，他们在电影创作上，才是真正和这个时代同步的，具备了世界性眼光的。

《姐姐的守护者》：美国版《左右》

韩浩月 — Mon, 17 Aug 2009 01:43:00 GMT

人们经常把某部中国电影和某部世界经典电影对应起来，形成“中国版的《×××》”句式，比如《夜宴》是“中国版的《哈姆雷特》”，《疯狂的石头》是“中国版的《两杆老烟枪》”等等。看了6月份于美国上映的《姐姐的守护者》之后，我们可以将这部电影称为“美国版的《左右》”。

　　《左右》是王小帅导演去年拍摄的一部电影，获得当年柏林电影节的最佳编剧银熊奖，因故事情节涉及伦理问题而引起争议。《左右》讲的故事是：为了救患白血病的孩子，母亲想和前夫再生一个小孩，但却不得不面对已经成家的前夫的拒绝和现任丈夫的沉重，电影最后以两个人一起躺进被窝为结束。《姐姐》的故事不存在前夫还是后夫的问题，因为同样患了白血病的孩子的父母，还处在婚姻关系中，所以生一个孩子不是难题，难题是生下来的那个孩子在长大之后，突然开始对这个上天安排的任务产生了排斥心理。

　　妹妹救姐姐，这仿佛是天经地义的事情；况且，父母将妹妹生下来的首要意愿也是如此，放在中国民间，妹妹可能很难抵抗自己的命运。按照我们的传统眼光看，一边是人命关天的大事，一边是对自身身体并无实质伤害的手术，妹妹似乎没有拒绝的理由，但《姐姐的守护者》中的妹妹偏偏理直气壮地拒绝，理由是“身体是自己的，父母没有权利使用”。

　　将《左右》和《姐姐》进行比较是个比较有意思的事情，通过两部影片的表达，很容易可以看出，《左右》讲的是牺牲、奉献和成全，《姐姐》讲的是尊严、权利和独立，仔细想想，这其实也是东西方两种文化的一个对比。《左右》中的母亲为了救孩子要和前夫生子，《姐姐》中的妹妹捍卫自己身体的使用权，其实牵扯的都是一个底线问题，不同的是，前者触及的是伦理的底线，后者触及的是权利的底线。

　　《姐姐》和《左右》中难道没有共同的东西吗？肯定是有的，那就是在亲情观念方面，这两部电影有着高度的相似。《姐姐》中对于家庭生活的描写，表现得非常愉快和自然，姐姐的病症虽然牵动全家人的心，但他们头顶的天却没有黑成一片，追求生活的快乐还是他们的集体意愿。《姐姐》的结局，其实和《左右》的结局是一样的，为了家庭的幸福，为了未来，妹妹还是为姐姐做出了牺牲，她同意让父母使用自己的身体去救姐姐。这个结局很圆满，圆满得让人心痛。心痛之余，当然也有隐隐的欣慰。

喜剧已死，闹剧丛生

韩浩月 — Tue, 11 Aug 2009 07:57:00 GMT

韩浩月

模仿《大内密探零零发》，邀请古天乐、大S、罗家英、吴君如等明星担任主演，冠以“2009无厘头笑片之霸”之名，席卷地铁电视广告的片花……王晶导演的《大内密探灵灵狗》，在这个暑期仿佛吃定了“喜剧”牌，要在票房上一展身手。

《灵灵狗》在与同期上映的电影《追影》的竞争中占得了上风，这源自其在商业上的准确定位，不出意外，《灵灵狗》又将重复国产电影的“低口碑、高票房” 规律，成为“小投入、大产出”的又一案例。但与此同时，《灵灵狗》也会创下了港产喜剧的笑点新低，它象征着香港喜剧片在创作上已经穷途末路。

香港喜剧电影曾拥有一大批创作人才，他们包括李力持、谷德昭、刘镇伟、周星驰，王晶也是其中一位，他们共同开创的无厘头喜剧风格，让香港喜剧电影走上顶峰，成为影响香港和内地文化的类型片。《喜剧之王》、《唐伯虎点秋香》、《大内密探零零发》、《鹿鼎记》、《东成西就》等喜剧，至今看来仍觉好玩有趣。

正因为香港喜剧电影拥有如此可以引以为傲的历史，《灵灵狗》的粗制滥造才令人难以容忍，它空有一个喜剧的噱头，但实质上却是空洞乏味的闹剧。既然它是一部复制和模仿《大内密探零零发》的电影，那么不妨拿《零零发》与《灵灵狗》作一下对比，来看一下喜剧和闹剧的区别。

在故事上，《零零发》拥有叙述上的流畅性和多层次的表达。从一个不被皇上看重的懦弱皇家护卫，到一个在家庭生活中充满情趣的男人，零零发拥有自相矛盾的多元形象。而在抵御住名妓诱惑成功击破一起杀害皇上的阴谋后，零零发最终证明自己价值，符合“小人物大命运”的无厘头喜剧特点。《零零发》有四大密探宫中比武、发哥与发嫂家中调情、恶搞“奥斯卡”颁奖礼等经典场面，也有“月圆之夜，紫禁之巅，一剑西来，天外飞仙！”等搞笑台词，这些都让《零零发》成为一个有血有肉的喜剧。而反观《灵灵狗》，叙事线的单一，情节的散碎、对白的乏味，不止突破谈不上，就是模仿，也只模仿到了《零零发》的皮毛。

这样一个故事无新意、情节无创意的电影，即便换了当年鼎盛时期的周星驰来演，也一样会失败。在演员阵容上，担纲《灵灵狗》第一主演的古天乐，几乎不具备一个喜剧演员应该有的表情、肢体动作和喜剧外表下的悲剧意识，说古天乐是周星驰的接班人，是一个天大的玩笑。《灵灵狗》的另外一大败笔是佟大为饰演的灵灵虎，这是一个别扭之极的角色，佟大为真的非常不适合这种无厘头表演风格，为了自己的前途命运，建议佟大为再也别接类似的戏了。吴君如的傻大姐形象在喜剧电影中一直屡试不爽，但吴君如在《灵灵狗》中“黑色忍者、非洲土著、香肠嘴、长发女鬼”的扮相，只能说是王晶在无情地糟蹋这个喜剧品牌。

《零零发》式的无厘头电影，将恶搞手段运用的十分纯熟，这类电影虽纯粹以搞笑娱乐为出发点，喜剧“寓庄于谐”的艺术特征已经被消解掉很大一部分，但它们在浅层次地挖掘人性、鲜明地对丑美善恶进行对比等方面呢，依然体现出很大的诚意，这也让观众在观看之余，能有五味杂陈的体会。但到了《灵灵狗》这里，恶搞的精髓也几乎少有体现，能看到的，只有单调的模仿、模仿、再模仿，喜剧电影的智慧元素消失殆尽，如果电影类型中新增“闹剧”种类，它倒是一个不错的候选片。

进入新世纪后，香港喜剧电影坠入谷底，除了少数几部黑色幽默电影，少有脍炙人口的喜剧出现，甚至出现了“谁看香港喜剧电影谁傻瓜”的论调。伴随喜剧式微的是闹剧的丛生，一些小成本电影出于票房的考虑，大打喜剧牌，注重炒作而忽略编剧之于喜剧片的重要性，导致了喜剧电影的大溃败。在目前喜剧电影的创作环境下，《灵灵狗》以自己的负面例子为电影界带来这样两个启示：原创是喜剧电影的生命；品质才能让喜剧电影焕发艺术魅力。

有时，成长是不分年龄的……

韩浩月 — Sun, 09 Aug 2009 01:48:00 GMT

文/韩浩月

　　年轻时如果做错一件事情，经常会觉得那就是世界末日，你有过这种感觉吗，或者曾经有过而现在遗忘了？作为成年人的好处之一是，可以用嘲笑的口吻去谈论过去时光里那个青涩、紧张和不知所措的自己。如同电影《重回17岁》中的那个迈克一样。

　　迈克比我想象中的美国17岁少年要成熟得多，这个高中生在一场对自己而言非常重要的篮球比赛开始前，知道了自己女友怀孕的消息，相信这个消息对于每个17岁的未婚少年而言，都无异于五雷轰顶。但迈克在球场上只是踌躇了一下，便毅然丢掉比赛，追上女友，坦言要一起承担这份责任，做这个孩子的父亲。

　　成了父亲，意味着阳光灿烂、青春无敌的日子结束了。篮球比赛开始前几分钟，迈克还与靓丽的女拉拉队员们在球场上跳热舞；几分钟后，他被那个消息而改变———从上帝的角度来说，不期而至的孩子是老天对迈克的恩赐，而从迈克的角度来说，那是沉重人生的开始。过早到来的责任压垮了迈克，他变成了一个碌碌无为的成年人，他痛心疾首地承认，自己17岁的时候竟然是一生最辉煌的顶点。

　　《重回17岁》制造了一个现实中不可能发生的情节：让迈克跌入河中后重回17岁。电影在此时完成了它为观众造梦的任务，回到17岁的不止是迈克，也将观看这部电影的无数中年男人的心带回17岁。想想看，一个人有着中年男人成熟稳重，又有着17岁小伙子的年轻帅气，该有多么大的魅力啊。重新成为众人瞩目焦点的迈克，在重回高中和自己的儿子成为同学后，他开始重新审视自己当初的选择，他发现，人生并不是一道选择题，答案填错了可以涂掉重来，重新回到17岁，他才知道，自己当初的决定并没有错。

　　《重回17岁》里有校园生活，有动感舞蹈，因此说它是一部青春片毫不为过，但最应该看看它的观众，却是中年人。我知道生活里肯定大量存在这样一批中年人：他们为一份平常的事业忙碌，常感叹生不逢时；他们心情积郁，对现实不满却又无力改变。沉湎于回忆中是他们为数不多的快乐之一，他们是千千万万个迈克。《重回17岁》会告诉这些观众：改变命运的是性格而不是年龄，决定是否应该负一个男人责任的是情感，而不是年龄。所以，不要为年轻时做的正确决定而后悔，能后悔的，只有那些错误的决定。

　　17岁永远只有一次。哪怕迈克恢复了17岁的容貌和体格，但他的心智却不能再回到那个年龄。一个中年男人和一个17岁少年自然无法相比，但仔细想想，一个17岁少年的勇气，恐怕很多中年男人都会不复再有。有幸回到17岁的迈克在回来之后明白了本来就很简单的一个道理，在影片最后，他将篮球交给儿子，再次追出球场拥抱住自己的老妻，电影以这样的喜剧结局落幕。《重回17岁》是一堂很好的人生课，它适合中年的父亲和处在反叛期的儿子一起观看。有时，成长是不分年龄的……

《冰川时代3》：关于生命本能的夸张表演

韩浩月 — Mon, 27 Jul 2009 05:19:00 GMT

韩浩月

一直认为《冰川时代》是不同于其它动画片的系列电影，它的故事发生于极度寂静的冰川时期，一群动物在极度开阔的空间里发疯似地闹腾，这让坐在影院里的观众可以得到双重感受：享受这群可爱动物带来的爆笑之余，还可以对遥远的世纪展开隐约的想象。

《冰川时代3》依然有两只小松鼠争夺一枚橡果的故事，场景、桥段和笑点设置和前两部大同小异，但依然能够博得观众的喜爱，如果没有了它俩的话，观众可能都会不答应。从这两只小松鼠你争我夺的过程中，可以看出这两个角色继承和发扬了经典动画《猫和老鼠》的精髓，杂耍式的夸张表演以及出人意料的包袱，虽然看着熟悉但仍不失新奇感。

两个小松鼠打架擦出了爱情火花，影片不惜为此极尽浪漫渲染之能事，但为了那枚橡果，它俩依然会大打不休，这让人产生一个很现实性的问题：爱情重要还是橡果重要？不过，这不是动画片所要探讨的问题，也许那枚橡果不过是两个小松鼠的玩具而已。

让动物产生人性，是动画片的魅力所在，当然，动画片表达的还是简单的、美好的人性，过于复杂、龌龊的人性还是留待那些现实题材的电影区表现好了。在《冰河世纪3》中，大受欢迎的黄鼠狼巴克，独眼秃头歪嘴巴，形象相当猥琐，但派头却相当“大佬”，它以冰原世界的主人自居，其他动物都是它眼里的“游客”，它的口头禅是“规则一：凡事都要听我的！”。但巴克赢得包括大象和老虎在内动物们的信任，还是因为它人性中的闪光点折服了大家，对应现实生活也是一样，大家不觉得当身边有一位智慧、勇敢、讲义气的朋友时，会觉得愉快和省心么，哪怕他有点喜欢自吹自擂的小毛病。

《冰川时代3》之所以大受欢迎，打破了续集一部不如一部精彩的宿命，除了在节奏更为紧凑、情节更为离奇、台词更为搞笑等方面均实现突破之外，这部电影在对动物人性化的刻画方面，比大多数动画片包括它的前两部均有了较大的超越。沉稳的猛犸象曼尼、装威风的剑齿虎迪亚哥、爱惹祸的树獭希德，终极BOSS大恐龙……由这些性格不同的动物组成的“原始社会”，也充满了人类社会常见的矛盾与误解，责任与义务，包括在亲情、爱情、友情方面的演绎，也都十分神似。

曾在前两部大出风头的树獭希德在《冰川时代3》搞笑本色不减，它居然一口气偷盗了三枚恐龙蛋，瞧它为了将三枚“果实”急于收藏起来手忙脚乱的样子，观众怎么忍心责备它的贪婪呢？回头想来，三部的《冰川时代》，都是对生命生存本能的一种夸张描写，只是，电影摒弃了生存过程中必须要承受的沉重内容，只对生命本身耀眼的特性进行了扩大。看完这部电影之后，如果能对生活多增加一些乐观，那么这将是纯粹娱乐之外的最大收获！

与国内观众的喜爱相比，《冰河时代3》在美国媒体上却没有获得好评，这是很奇怪的现象，具体原因有待探讨。

《哈利·波特与混血王子》：童真世界的完结

韩浩月 — Mon, 20 Jul 2009 08:38:00 GMT

韩浩月

如果不是《哈利·波特》的书迷或者电影迷，那么在看《哈利·波特与混血王子》之前，要有一点儿心理准备，150分钟的片长，足以考验一位成年观众的耐心，当然，对片中的少男少女们微妙的情感关系饶有兴趣的除外。

　　罗琳女士的这套系列作品本来就是为处在童年期和少年期的孩子们写的，他们的想象力很丰富，感受力也强，因此能够坠入作家编织的一个即复杂又完整的幻想世界，可以对其中虚构的人物、情节和细节了若指掌。对于感受力蜕化、想象力受拘的成年观众来说，重新进入孩子的世界为那只魔法棒和那杆会飞的扫帚而癫狂，是件不可思议的事情。

　　回到《哈利·波特与混血王子》电影本身，这部已经拍到第六部的电影作品，作为暑期档的爆米花电影，整体质量还是不错的。在气氛营造和画面观赏性方面，都可圈可点。影片开始时三个食死徒摧毁伦敦吊桥的场景，画面流畅而紧凑，颇有魔幻史诗的风格，即便类似场景在其他类型电影中常有发现，也不耽误观众产生紧张和刺激的心理。《哈6》的灰黑色调和压抑情境，较之以往几部电影更甚，这可以视为它在系列作品行将结束时为讨好观众而卖力的一种表现。

　　电影和小说虽同属艺术产品，但表现形式却有很大的不同，简单的画面若想表现出深邃和准确文字描写，往往会显得力有不逮，这是为什么很多经典小说拍成电影后逊色很多的原因。《哈6》系列面临同样的问题，一方面它要利用之前的成功经验，充分调动小说所不具备的画面优势，将一些魔法场面和战斗场面制作的摄人心魄，另一方面它还要贴近原著，寻求罗琳借助魔幻故事讲述少年内心世界的方式。两者之间是有矛盾的，事实上从第一部《哈利·波特与魔法石》开始，系列电影就纠结于调整视觉刺激与校园故事之间的比例，直到第六部电影，它还是没有能够寻找到合适的比例，以获得更多观众群的喜爱。

　　和一些批评《哈6》冗长、沉闷、无聊的成年观众一样，我认为，《哈6》是暑期电影消费不可错过的一部电影，同时也是一部完全可看可不看的电影，看与不看取决于本文开始时所说的是否书迷或电影迷外，还有你是否能够抵挡得住商业大片带来的娱乐诱惑。相信有不少观众是抵挡不了这种潮流化的观影方式而走进影院的，既然如此，那么就要对它抱有一定的宽容心理，可以打盹，可以中途退场，但不要否认它在制造影响力方面所体现出来的魔法般的魔力。

　　在《哈6》中，长大的哈利·波特稚气已经所剩无几，有了成年人的成熟与稳重，赫敏也有一个懵懂的小女孩，成长为了一个散发妩媚色彩的大女孩。本部电影中，哈利·波特开始了自己的第二段感情，爱上了罗恩的妹妹金妮，罗恩和赫敏彼此也献出了银幕初吻，国外有电影评论说，"这一集的故事有了成人和情欲的味道……"，虽然导演大卫·耶茨对比进行了驳斥，但有一点必须要承认：成长是无法暂停的，如同短小的衣服再也遮挡不了青春的萌动，看到丹尼尔·雷德克里夫、爱玛·沃特森出现的各种颁奖礼和电视媒体上的时候，会再也想不起八年前初次出现于《哈利·波特与魔法石》时中的那个惹人怜爱的小男孩、小女孩。

　　从2001到2009，六部《哈利·波特》伴随着世界各地的少年们一起长大，《哈5》的时候，还可以勉强说他们还是少年，但以《哈6》公映为标志，哈利·波特与赫敏和所有深爱这部小说的读者们，都已经告别了少年时代，他们进入了一个陌生的世界，这个新的世界有着以前他们所不了解的规则，那柄无所不能的魔法棒，已经不能将他们再带回到可爱的童真世界，电影中的人物还可以骑着扫帚飞行，但看上去已经有些滑稽了。幸好《哈6》是系列电影的倒数第二部，如果再不结束的话，真不知道这部魔幻童话会被电影衍变成什么样子。

　　据报道，《哈7》将分为上下两部，上部在2010年公映，而下部要等到2011年。作为系列电影的大结局，《哈7》无疑将会比以往任何一部更加备受期待，但制作商别开生面地将结局一分为二，基本上等于宣布看《哈7》还要忍受注水的折磨。

《天使与魔鬼》可划归烂片行列

韩浩月 — Mon, 13 Jul 2009 03:24:00 GMT

韩浩月

在电影爱好者中间流行中这样一个15分钟定律——如果一部电影在15分钟内还没进入正题，或者提不起观众继续往下看的兴趣，那么会有不少人毫不犹豫地将之从碟机中取出丢到一旁。《天使与魔鬼》便是属于这样一部经不住15分钟定律考验的电影，可以划归烂片行列了。

《天使与魔鬼》枉费了很多成为一部优秀惊悚悬疑、探险解谜类电影的机会。被称为丹·布朗最适合改编为电影的原著小说被糟蹋了，“《达芬奇密码》前传”的这个噱头被浪费了，“天使VS魔鬼”这个可能令影片焕然一新的立意没被开发好，奥斯卡影帝汤姆·汉克斯也表现平平，在电影里成了一个喋喋不休的“导游”。

建议看过《达芬奇密码》的观众不要对《天使与魔鬼》抱有太大好奇心，后者完全可以称为是前者的山寨版，包括情节推进、场景设计、人物表演等等，两者都有极大的重复。《天使与魔鬼》最大的败笔是让观众失去了参与性，汤姆·汉克斯饰演的兰登教授的能力实在超强，还没等观众的心悬起一两厘米，那边他便三下五除二解决了问题，赶场似地奔着下一个情节去了，虽然电影蕴涵的智慧要高于观众才能使观众被征服，但当一部电影毫不在意观众的智慧，干嘛让我们来上这堂梵蒂冈旅游课？顺便还要强忍着厌烦去“欣赏”经常挤占整个画面的汽车软广告。

《达芬奇密码》在追求悬疑效果上的刻意已经有点让观众应接不暇，被压迫式的接受影片情节的强刺激，很容易引起饮食过饱后的排斥感，很不幸《天使与魔鬼》恰好认为这才是投观众所好。其实《天使与魔鬼》真正能投观众所好的，可能恰好是反其道而行，不再重点着墨于悬疑和解谜，而将影片的另一个的重点提炼出来，即科学与宗教对立。在科学与宗教之战中，科学曾付出了沉重的代价，无数人为追求科学被钉死在死刑架或者被投入到火焰中，而直到今天，人们仍然在维持着宗教和信仰的自由以及尊严，探讨科学与宗教在一个特定时期的关系，并对之进行反思，会不会比现在这样，更能令《天使与魔鬼》拥有震撼感？

宗教意味浓厚的电影比探险解谜类电影，拥有更长的生命力和更多的观赏价值，原因在于宗教电影有着对人性最为深刻的挖掘，有助于人们对自身的生存与精神进行反思。《耶稣受难记》、《圣女贞德》、《驱魔人》等，这些电影即便过去多年，想起来仍会有内心的悸动，这是好电影所应该具备的力量。当然，用这么高的标准来要求有着明确商业目的的《天使与魔鬼》，实在有点勉为其难了。

外媒评价：

“《天使与魔鬼》的原著小说就存在着硬伤,而影片在编剧处理上也非常粗糙,完全没有层层相扣、神秘无比的感觉。”——《华盛顿邮报》

“朗·霍华德根本不适合拍商业娱乐片，《达·芬奇密码》的成功也是个意外，因为它的原著小说太火了。如今《天使与魔鬼》终于暴露了他在叙事能力上的薄弱。”——《沙龙》杂志

“朗·霍华德这次的任务完成得比《达·芬奇密码》更出色。这部惊悚片显然会成为今年夏季档最赚钱的电影之一，所以，它也仅是一部娱乐大众的赚钱机器。”——《银幕》杂志

《黑夜传说3》：又阴暗又性感

韩浩月 — Sun, 21 Jun 2009 05:08:00 GMT

文/韩浩月

　　几年前，《黑夜传说》给我留下了深刻的印象，用“惊艳”来形容一部恐怖片可能不大合适，但除了“惊艳”之外的确没有别的词可以代替。《黑夜传说2：进化》在动作场面和情节冲突上有了进一步的提高，现在《黑夜传说3：狼族再起》又来了，整体气质呼应前两部，构成电影史风格最为统一的吸血鬼题材三部曲。

　　大多数cult片(指拍摄手法独特、题材诡异、剑走偏锋、风格异常、带有强烈的个人观点、富有争议性、不以市场为主导的影片)忙于卖弄色调、装狠摆酷，看上去艺术味道十足，但其实枯燥乏味，其中的“代表作”当属《罪恶之城》。但《黑夜传说》系列却让cult风格在电影中焕发了神奇的力量，究其原因，恐怕还在于它在渲染黑暗气氛和塑造血腥场景时，始终没有忘记情节的重要性。情节是电影的生命，只有故事才能够让观众真正安心坐下来，而没有关闭碟机的冲动。

　　《黑夜传说3》在故事性上显示出编剧的功力。电影以前传的方式，对吸血鬼族与狼人族数个世纪的恩怨进行了彻底的解释。对于拥有一定观众缘的系列电影来说，拍摄前传成功和失败的风险同样大，《黑夜传说3》很功利也很聪明地采用了“揭秘”的方式，为三部曲顺利地收了尾。战争与和平，爱情与自由，这些在人类世界被演绎过千百遍的故事被移植到一个幻想出来的黑暗王国，距离的拉开，无疑更能激发观众对这些古老话题产生新的理解和共鸣。

　　愈是处在阴暗中，愈是渴望光明。《黑夜传说3》中女吸血鬼索尼娅爱上了狼人反抗军的首领卢西安，爱情成为他们通往光明的一种方式，对于体温低于常人、血液充满躁动的他们来说，相互依偎带来的温暖感觉，就是他们的“光明”。《黑夜传说3》在战争和打斗场面上，充分体现出电影高科技的发展，但这并没有影响电影主题的表达：在惨烈的敌对关系中，如何寻找和解的方式。观众喜欢看到血腥的打斗场面，也愿意在电影中感受唯美，《黑夜传说》系列将这两者结合得恰到好处。

　　《黑夜传说3》将女主角由凯特·贝金塞尔换成罗拉·迈特拉，这是系列电影的一个忌讳，因为无论后者怎么优秀，念旧心理总会让观众对前者念念不忘。好在两位女主演有着同样的性感特征，在深邃灰暗的电影色调中，都能够紧紧抓住男性观众的眼球。好莱坞擅长将黑暗和死亡描绘得很性感，而黑暗和死亡往往也会激发人的欲望，《黑夜传说3》就是这样一部又阴暗又性感的电影，它为类型电影的魅力增加了新意。

　　外媒评价

　　●“又一部成功晋级为三部曲的电影系列，可以肯定的是，这是最好的吸血鬼电影三部曲。”

　　——《纽约时报》

　　●“这部电影给人的感觉就像是《范海辛》一样的大杂烩。”

　　——电影集锦网

　　●“换了女主角，《黑夜传说3》也就失去了它的精髓。”

　　——《华盛顿邮报》