赖皮并胡扯着

《风云2》：成也风云，败也风云

陈赖汉 — Thu, 10 Dec 2009 03:13:00 GMT

11年前，在我老家的那个由大礼堂改成的电影院里，我第一次看了《风云》，虽然这个伪影院的音箱很破，幕布也很脏，但我还是在这个根本不能成为电影院的硕大空间里控制不住的激动了。那些如今看来已经说拙劣不堪的特效，却是让我第一次感受到了华语大片的震撼。直到走出影院后，我还是控制不住内心的激动，多年以后，只有《变形金刚》让我有相似的感觉。郭富城坐在屋顶上的那个画面，到现在为止我都认为是华语影片中的绝对经典。作为风靡华人世界的长篇漫画，仅改编一集显然不是当初创作团队的初衷，要知道，也是那个时候，同样是改编自漫画的《古惑仔》一拍就是6集。这个让无数《风云》迷翘首以盼的续集，未曾想到，一盼就是11年。等到续集真正出来后，除了两个已入不惑之年的男主角之外，影片几乎和前作没有什么太大的关联。

首先必须肯定的是影片的特效场面。如果说以往的华语大片将写实类特效做到了华语影坛的极致的话，那么《风云2》则是将这种玄幻的特效做到了惊艳十足。要知道，《风云》这部漫画之所以不好改编，就是因为影片中大凡涉及到功夫的画面都是需要强有力的特效支持。《风云》是香港武侠作品中的“神幻风格”的典型代表，漫画中那些功夫与其说功夫，不如说已经是仙术或者魔术，二人的对打已经脱离了拳拳到肉的这种“低级境界”，他们只要两人在原地一战，手挥舞几下（甚至无需挥舞），身边的空气便可以化成杀人于无形的利器。所以从某种意义上来说，拍摄《风云》电影版，特效总监则比武术指导要重要的多。在如何还原漫画中这些功夫这点上，11年前的《风云》由于技术的原因，做的并不完美，《风云2》中的特效可谓是了却这部漫画粉丝的一个心愿。同时，作为一部漫画改编电影，彭氏兄弟选择了喝《斯巴达300勇士》的做法，将画面渲染着如同漫画一般，给人一种亦真亦幻之感。这在绝无神派自己的儿子去剿灭各大门派时，更是将《斯巴达300勇士》的拍摄风格完全克隆，营造出了这部影片仅有的几分钟大气镜头，影片的开头的“万剑归宗”绝对让人震撼，而影片中随着角色的出招而带出的大量的“烟雾”效果更是让观众感到惊艳。除了靠特效支撑起来的大量打戏之外（由于影片中的演员对打时很多时候都没挪动过位置，所以都不好称之为动作场面），影片也充分利用特效营造出了一个架空历史的国度，因此从特效上来看，《风云2》几乎可以拿满分。

但《风云2》也仅有特效可以值得称道。

或许彭氏兄弟过于依赖特效，以至于在《风云2》的时候似乎对棚拍有了一种过分的信赖。11年前的《风云》虽然特效场面一般，但却拍出了一种大气之感，雄霸住的那座山，还真给人一种“雄霸天下”之感。而到了《风云2》里，由于过分的依赖特效所制造出的背景，让影片不仅给人架空历史之感，更给人一种架空于影片中那个时代之感。那些被精心甚至刻意雕琢出的中洲，和现实生活脱离了太远，反而使影片那所谓的天下，看起来只是江湖帮派争夺的几座小山包。而那个口口声声要控制中洲的绝无神，无论从随从的数量还是所处的环境，都无法让人和一个要夺取天下之人联系起来，这使影片看起来更像是一部普通的江湖片。

而影片过多过于繁密的打戏也大大削弱了影片的文戏部分，这使得影片的剧情变得极其简单，这几乎就是 “打BOSS打不过，然后练功打赢BOSS，想不到却出了一个更高级BOSS，最后再千辛万苦小宇宙爆发将高级BOSS消灭”的一个简单到无聊的剧情结构。无论是和11年前的《风云》还是前不久的动画片《风云决》相比，《风云2》的剧本都只能惨不忍睹来形容。由于剧情的单薄，影片中所有角色的台词加起来估计也就上百句，郭富城和郑伊健都赛着闭紧自己的嘴巴，收起笑容，绷着脸和影片中的其他角色一道，扮演着只会不停打打杀杀的肉体木偶角色。虽然影片中充斥着师徒情，兄弟情以及爱情等几乎我们可以想到的大部分感情元素，但没有一个感情元素可以做到感动人。在步惊云落下悬崖时候，尽管聂风喊得声嘶力竭，却无法引发我心中的共鸣。说来好笑，在影片最后，楚楚站在步惊云和聂风中间大嚷大叫的时候，我所想着却是这个角色该如何被聂风杀死，在墨迹了许久之后，聂风终于杀死了楚楚，竟然让我有一种松了口气的感觉。

《风云2》姗姗来迟，画面让我震撼之余，更多的让我有一种失望之感，用影片中绝无神的一句台词来结束本文吧：风云重现不堪一击。

《非常主播》：非典型创意和典型笑料

陈赖汉 — Sun, 18 Oct 2009 15:56:00 GMT

事实证明，如果韩国人拍电影的时候，不要揣着那夜郎自大的德行，不要自以为是的篡改历史，拍点读书的喜剧片，还是可以拍出些被可以被我接受的影片。就我这个对韩国人有着极度偏见的人来说，《非常主播》至少会让我哈哈大笑。

从创意上来看，《非常主播》可以拿个高分。30多岁就成了爷爷的这个创意，你可以说他雷，但从理论上来看，也不是不可能。毕竟父女两都在十几岁的时候有了性经验并一炮生子的可能性不大，但电影嘛，这东西没办法去计较，只要这个创意能出戏就行。《非常主播》从这个“雷人的想法”上展开剧情，从影片的前三分之二部分来看，还是比较成功的。

有个好的想法，这电影就已经成功了一半，剩下的就是看导演如何打造这个想法，让这个简单的想法变成2个小时的胶片。像《非常主播》这样的创意，只要导演的能力不至于太平庸，有常规手法打造，就能保证影片的质量，因此在确定影片的剧本之后，演员则成了一个很关键的因素。好的演员可以使一部枯燥的影片变得好看，而差劲的演员，则可能会硬生生毁掉一部影片。演员的表演可以说是《非常主播》中发挥最好的元素。

车太贤可谓是中国人最熟悉的韩国演员之一，当初《我的野蛮女友》中那个憨厚的大男生已经成了一个30多岁的成熟男人，他在《非常主播》里的形象依稀是《我的野蛮女友》中的成长版，依然是一脸无辜之样，尤其电影中的他看到自己的女儿出现后，更是发挥了其喜剧天赋，让影片笑料百出。然而影片中最让人难忘的却不是车太贤，而是扮演他孙子的王锡玄。虽然从严格意义上来讲，王锡玄在影片中的戏份算不上真正的主演，但是他的每次出场都给人留下了深刻的印象，尤其他那张表情可塑性极强的脸，令人拍案。

可以说出色的创意加上出色的表演，《非常主播》做的已经不错，但是，这部影片还可以更好的。

一个30多岁的爷爷，本身就这个创意来看就有许多文章可做，但是遗憾的是，《非常主播》大部分的喜剧点并不是源自于这个尴尬的身份，或者说，导演没有把这个命题做大做夸张。虽然在影片的前三分之二笑点颇多，但这都是源自于演员的出色表演以及角色的本身的设置，但这些笑点换了三个性格不一样，或者换成说刚刚住在一起的三人，也可以出现《非常主播》中的效果，因此《非常主播》中的笑料具有普遍性，而缺乏影片真正需要的特殊性，这让30多岁就当爷爷的这个创意，没有很好的为影片的喜剧元素变得无可替代。而影片的另一个遗憾就是在影片的结尾，依然落入了亲情片的俗套，甚至不惜用韩国片用烂的那种歇斯底里的哭喊来讲剧情推向高潮，这种比较平庸的设置本不应该用着这样一部颇具创意的影片中，甚至可以说，影片基东消失的那段高潮戏也不具有特殊性，三人的身份如果变成父亲、母亲和儿子的话，煽情效果依然不减，和影片的喜剧元素一样，导演没有将影片的创意很好的揉到影片的高潮戏中，虽然那段戏拍得很感人。

不过说回来，是影片总是有点瑕疵，虽然《非常主播》没有将影片的创意发挥到我所想象的程度，但作为一部喜剧片而言，还是很适合一家老小去电影观看，而且，影片在经过配音后，或许可以带给中国观众更多的共鸣。

《建国大业》群像风采之客串

陈赖汉 — Sun, 18 Oct 2009 15:55:00 GMT

《建国大业》中的客串明星之多可谓是中国电影中前无古人的。近200个明星的鱼贯出场，几乎没有给我们去辨认的时间，有的明星仅仅出个侧脸就消失了，前后不到几秒钟。不过纵然如此，《建国大业》中的一些“绿叶”还是给我们留下了深刻印象。

刘烨

我相信，只要是一个热血男儿，在看到刘烨在阅兵场上的声嘶力竭地报告之时，都会被深深感动。可以说，刘烨是影片中最具亮点的一个客串，也正是因为刘烨充满那几句迸发的感情，让他的这不到一分钟的戏被完整得剪入那支4分钟半的预告片中。

姜文

据说姜文在扮演毛人凤前，查阅了大量的资料，甚至连敬礼时崛起屁股的细节都考虑到了。更难得的时候，姜文此时在表演中有压抑自己气场的感觉，以至于他出场时候不至于抢过蒋介石的风头，但是他该释放气场的时候就该释放，和陈道明的对戏就隐隐感觉到以前的那个姜文。姜文的出色演绎了毛人凤这个狗腿般却又残忍奸诈的特务头子，他的表演甚至超过了《建国大业》同名小说中对毛人凤的描写。

陈道明

就算演这样一个“卧底”角色，陈道明还是难掩其身上的书卷之气。好在他是演一个我方潜入敌方的一把“尖刀”，要真演个准特务，这样斯文的特务帅气的特务还真人有点不大习惯。

甄子丹

很难想象这个以前只会在荧幕上拳打脚踢的功夫明星，在演起田汉这个文化界代表，还真像模像样的，一点看不出其“武夫”的身份。

冯巩

可以看出，《建国大业》的很多桥段是故意要让观众发笑的，冯巩的出现就是为了这个目的。虽然受冯巩所扮演的代表的台词不多，给镜的时间也不长，但就是他那一次又一次的举手，让他的角色给人留下了深刻的印象。

冯小刚

在所有的客串中，可谓冯小刚的出场最为拉风。他所扮演的杜月笙一出场就气势十足。加上冯小刚在《功夫》中就已经有了扮演上海滩老大的经验，演起杜月笙来更是得心应手。只是他的表演过于拉风了点，少了杜月笙本该有的一丝斯文之气。

刘德华

不得不承认一点的是，当时国民党军装从美学上来说，还是非常适合男性穿。刘德华似乎有有军装情结，以前早在许多影片影片中穿过国民党的军装（比如烽火佳人），在MTV和广告中也是一有机会就过军装瘾，因此《建国大业》中他的出境也成了最让人期待的出境之一。在影片快要结束的时候，他总算出现了，而且他的亮相确实没让人失望，军装扮相估计会“秒”掉不少的女观众。

陈凯歌

自从《梅兰芳》之后，陈凯歌因为《无极》被透支过度的形象正一点一滴的被挽回。此次在《建国大业》中他更是客串扮演了冯玉祥将军。他的冯玉祥可以算是所有客串演员中最引人注目的一个，不仅是因为她的角色，更是他的两次出场都让人感受到一个老将军的铮铮铁骨。第一次的鸣枪，第二次的提灯，都是影片中值得回味的镜头。

孙红雷

影片中，客串记者的当红明星有孙红雷、成龙和陈红。但只有孙红雷的记者才最像一个记者，也是影片最为活跃的记者。而成龙和陈红所扮演的记者，无论在表演还是气质上，明显都短了一截。

陈宝国

戏不多，台词也不多，但是就那么短短的一分钟的表演，就足以看出一个戏骨的气场。陈宝国上一个穿着国民党军装，并被人所熟悉的角色是在《红岩》中扮演特务头子徐鹏飞，那个阴冷的家伙相信给看过那部连续剧的人留下了深刻印象，这次陈宝国穿上了相同的军装，却一扫当年的阴冷——陈宝国的牛B之处，就是让他演什么，他就像什么。

《建国大业》群像风采之主角

陈赖汉 — Mon, 21 Sep 2009 03:23:00 GMT

《建国大业》我到目前为止看了两遍，如果说第一遍主要是为了看剧情的话，那第二遍便是主要欣赏演员的表演，而这其中，最让我回味的便是张国立和陈坤的表演。

演过蒋介石的演员很多，其中最为我们熟悉的就是前“蒋介石专业户”孙飞虎，此公演绎了中国内地荧幕上一个最为传神，最为经典的蒋介石形象，可以说至今无法被超越。后来虽然有诸多演员演过蒋介石，但都远远达不到孙飞虎的高度。从现在选择扮演蒋介石演员的倾向来看，逐渐走向了两个极端，一种是主要人高痩就可以，演技倒是其次，这种“蒋介石”不要说神似，就连形似都差了一大截，因此这多充斥在一些粗制滥造的电视剧中。另一种就是找实力派演员扮演，靠化妆来让演员的形象更接近蒋介石，不足的部分靠演技来弥补，陈道明的蒋介石就是这种类型的，杜雨露日前也开始过扮演蒋介石的瘾，这种“蒋介石”讲究更多的便是神似了。和孙飞虎相比，他们虽然在形象上有所差距，但还不至于太离谱，尤其是杜雨露的蒋介石，依稀有当年孙飞虎的味道。不过在神似的路上，远没有此次《建国大业》中来得极端。

从外形上来看，除了那个光头，张国立几乎和蒋介石没什么相同，因此在上映前，我最最担心的就是张国立。在这样一部片子里，蒋介石如果被演砸了，那么整部戏也就被毁了一半，在公映前所公布的剧照来看，张国立很难让我有信心。

但在看完影片后，我便被张国立的表演叹服，他和陈坤所扮演的老小蒋二人，可谓是影片中最最出彩的角色，其风头一度超过了唐国强等人。

可以说，张国立的蒋介石，除了外形上有着较大差距之外，他的神态，他的语调，都是近几年来扮演蒋介石演员中最为传神的一个，尤其在影片的后期，他将那个溃败至台湾而心神黯然的蒋介石演绎得丝丝入扣，颇让人动容。

从《建国大业》中对蒋介石的塑造来看，可以算是近几年内地电影中最为客观的一个。这个曾经的“美帝国主义的走狗”正逐渐在内地影视剧中得到了他应有的评价，虽然还是以批评为主，但多了对其个人的尊重，类似“走狗”这种近乎侮辱性的评价早已不再出现。不以单纯的正邪对立的脸谱化描述，而让角色更加人性化，这正是一个成熟的电影所应该有的做法，这也就是《建国大业》中的蒋介石塑造成功的一个重要原因。

而除了蒋介石之外，影片中最让人动容的角色便是蒋经国。相对于频繁出现在各类影片中的蒋介石，蒋经国这个人物的出场机会没有他老爸多，在早期的影视作品中，更是将其刻画成“美帝国主义走狗的走狗”，或者说就是简单地将蒋经国塑造成一个年轻版蒋介石或者是被蒋介石操纵的一个棋子那么简单，而在日前电视台的一些国庆献礼片中（比如《东方红》，杜雨露在这部连续剧中扮演蒋介石），对蒋经国的塑造仍然以上的毛病。《建国大业》的上映，可以让观众对蒋经国这个人物有着极大的改观，在影片中的蒋经国几乎就是一个有为青年的形象，是一个绝对正面的角色，陈坤的出色发挥，让那个想极力挽救正在加速下沉的民国政府这艘大船的蒋大公子跃然屏幕之上，使蒋经国成了影片中最让人动容也最让人同情的一个角色。在南京中山陵音乐台的那个桥段里，蒋介石对失败无可奈何的接受，蒋经国不甘心失败却有心无力的悲苦——张国立和陈坤一道贡献了一场整部影片中最精彩的表演之一。我看完电影后对朋友戏言，如果蒋经国看到大陆此次如此肯定他，那么在泉下也可欣慰了。

除了蒋介石和蒋经国之外，张澜和宋庆龄也是影片中的一大亮点。张澜的扮演者是王冰，之前他曾在电视剧《走向共和》中扮演了李鸿章，给人留下了深刻的印象。这个79岁的老人在影片中所迸发的激情丝毫不亚于唐国强和张国立等人，而从某种意义上来看，王冰这次所带来的影响更是超过了唐国强他们，毕竟对于普通观众而言，张澜远不如毛泽东和蒋介石来得熟悉，《建国大业》用以前主旋律影片所没有的一个力道还原了这个新中国的副主席。而相对比张澜的“动”，许晴所扮演的宋庆龄的“静”更是成了影片一道最美丽的风景，只是影片中的许晴看起来要比当时的宋庆龄来得年轻。

因此，在《建国大业》中，给人最大惊喜的并不是扮演毛泽东的唐国强以及扮演周恩来的刘劲等人，毕竟对于他们来说，扮演这两个角色已经是轻车熟路了，除了毛泽东阅兵时的泪水以及周恩来那激情昂扬的歌声之外，他们并没有太大的突破，只是在好的基础上演的更好一点，反而是上面所说的这些角色，给人了极大的惊喜——而这也是这部影片最大的看点之一了。

《建国大业》：在细节中放下身段

陈赖汉 — Sun, 20 Sep 2009 02:22:00 GMT

在看完《建国大业》之后，适逢央视6套正在播放《平津战役》，影片播放到后面，有不少内容和《建国大业》是重复的，比如政协会议的召开，国旗以及国歌的选定等。从这些相同的内容来看，以《建国大业》为代表的主旋律影片确实在进步，变得更加亲民，或者说，主旋律影片如今虽然还在承担着一定政府喉舌的作用，但已经没有以前那种高高在上的姿态了。

还是从以上几个片段说起。

《建国大业》最核心的内容就是最后的政协会议的召开。在《建国大业》中，我们看到毛泽东在中南海门口迎接各个前来开会的代表，更是给张澜亲自开门。而在《平津战役》中，是一群民主党派人士在门口迎接毛泽东。我不知道当时的历史究竟是如何的，但从《建国大业》中的这个改变来看，确实比《平津战役》中更有一种开门迎客的感觉，这和影片中邀请各个民主党派人士共同建国的基调完全一致。而在后面国旗以及国歌的选择的桥段上，就更显《建国大业》在亲民方面做的努力。《建国大业》中，在国旗以及国歌的讨论会中，所有人是围着一张桌子，包括毛泽东、周恩来也都坐在这张桌子上（在确定国旗的桥段中似乎没有看到毛泽东），并且会议上有着诸多不同的意见，更是出现了甄子丹扮演的田汉提议使用五星红旗作为国旗时，会场上几乎没什么人响应的场面，这种镜头放在以前的主旋律影片，是完全不可能出现。所以我们再《平津战役》中，便是看到毛泽东和周恩来坐在会场的中央，身后事一面五星红旗和国歌的歌谱，并且在确定国歌的时候会场上也没有反对的声音。如果说《平津战役》中，国旗和国歌的确定有点像是毛泽东亲点之感的话，那么在《建国大业》中，国旗和国歌更像是代表们一起选出来的。

《建国大业》所讲述的历史事件和《开国大典》以及《大决战》系列必然有很多的重叠，在表现手法上也同样存在着很大的差异，以上的两处仅仅是影片中特别有代表的两处，而像类似的改变在《建国大业》中还有很多，这里就不一一例举了。因为《建国大业》的改变不仅仅只是在再现历史画面上，影片的其他元素也和传统的主旋律影片有着和很大的不同。其中又以音乐最让人深刻。

《建国大业》的音乐一改以往主旋律影片中一味使用恢弘音乐做背景的做法。如果说那时的音乐更多的是为影片的意识形态服务的话，那《建国大业》则是将音乐更多的融入到剧情中，做到了用音乐来打动人。正如媒体所报道的那样，影片音乐一改以往正邪对立的简单做法，显得更加人性化。在影片中平津战役结束后，毛泽东等五人在庆祝胜利那个桥段，不仅在画面的表达上有着很大的突破，更是出现了吉他的音乐。在那首激情昂扬的《国际歌》结束后，一段宁静悠远的吉他演奏，使影片进入了第一个高潮，同样用音乐将影片推往高潮的还有毛泽东阅兵的那段戏，虽然那段戏也用了宏大的交响乐，但其出发点是为了表现毛泽东那时内心的波澜，极具打动人。而在音乐方面更大的改变则是在表现蒋介石时的音乐，在影片的后半部分，蒋介石步步溃败之时，音乐的基调多是一种苍凉的无奈，影片结尾蒋介石站立在门边的颓废身影，将会成为中国电影史上一个让人难以忘记的画面，而这也要归功于当时音乐的精彩。在社会上对蒋介石的评价不再一味批判的时候，影视剧作品中对蒋介石较为客观的评价也是大势所趋。从早期的“美帝国主义走狗”到之前的“国民党反动派头子”，再到目前的“国民党总裁”，中国的主旋律影片对蒋介石的刻画走过了一条逐渐地从“主观评价”到“客观还原”的漫长之路。《建国大业》中没有回避蒋介石发动内战的罪行，但同时也肯定了他当时确实为一介枭雄的事实。影片无论从人物塑造、剧情编排还是前面所说的音乐元素的加入，都是出于一种对蒋介石本人的尊重，这种较为客观的评述，不仅使《建国大业》更加好看，也让我们从国民党当年的失败中有所领悟。

其实在影片的整体制作中，不仅在前面所说的方面有着较大的进步，其他如人物的塑造、影片的摄影等方面都方面都和娱乐影片更加接近，《建国大业》实则上是在用一种成熟的娱乐片制作手法来打造主旋律影片，这也是《建国大业》比往常主旋律影片好看的一个原因。当然，这并不是否认以前如《大决战》这些主旋律影片的成就，这类影片中那些现在看起来已经落后的表现手法却是有那个时代的需要，也是最符合那个年代的一种制作手法，同时那些影片较更早的主旋律影片而言，也是一种极大的进步。

不过虽然《建国大业》较以前影片突破很大，但在故事性方面却不如以前影片来得翔实。以《大决战》这样的影片为例，虽然在文戏上拍得较闷，但便是那种缓慢的节奏比较易于观众对剧情的理解，也让剧情不至于跳跃太大。而由于片长仅有两个多钟头，历史事件又多，《建国大业》在很多方面做得仅仅是蜻蜓点水，不够深入。如果说在剧情方面还可以靠片长来弥补，那么影片的演员的弱势则不仅是《建国大业》，估计以后的影片也达不到以前的那个高度，纵然影片中演员的表演更好更亲民，但是外形上的差距则会使观众的代入感不如以前。不过话说回来，演员好找，影片的制作方式的改变确实要难得多，如果我们能回头看看，主旋律影片一直在为观众做着一定的改变，只是以前的改变不如这次《建国大业》这样这么醒目。

《建国大业》：主旋律的甲子年

陈赖汉 — Thu, 17 Sep 2009 16:28:00 GMT

一个甲子年对于中国来说是件大事。因此在甲子年，总有许多事情要值得纪念，也有许多事情要在这个特殊的年份做出改变。新中国成立60周年，迎来了主旋律影片的一次井喷，同时也迎来了主旋律影片一次从所未有的“转型”。《建国大业》究竟是不是最优秀的主旋律姑且不论，但该片这次在新中国的第一个甲子年的亮相，都注定会在中国的主旋律影片史上抹下浓厚的一笔。

在《建国大业》公映之前，中国的主旋律影片曾经进入了一段真空期，这种真空期并不是指创作上的真空期（事实上每年都有不少的主旋律影片拍摄出来，只是大部分我们无法看到罢了），而是市场上的真空期。自《英雄》彻底激活了中国电影市场后，中国的大荧幕开始越来越多的被准娱乐片所占据，同时在集体包场电影越来越成为一代人的回忆之后，日益刻板教条的主旋律影片也逐渐失去了往日的辉煌，在这波市场考验面前，主旋律影片可以说溃不成军，这几乎也是新中国成立以来主旋律影片的第一次集体失宠，主旋律影片甚至一度成了中国电影界中的“陌生人”。

我们如今可以找出很多理由来指责这次主旋律影片的失宠，比如说教，比如主角高大全，比如脸谱化等等。然而就是这些我们闭着眼睛都能数落出来的毛病，却缔造了主旋律影片早期的辉煌。其实在新中国刚刚成立之时，正是我们现在所说的这些“缺点”受到了观众的欢迎。这自然和当时的娱乐文化生活匮乏有关，但却也不否认这些“缺点”迎合正是当时百姓的需求。同时，那时中国的主旋律影片也是一直以小人物为主，简单来说，那个年代的主旋律影片离我们百姓更近。

在进入八十年代后，以各个领袖为主角的大历史主旋律影片便开始成为中国主旋律影片的主角。在好莱坞大片概念还不被观众熟悉的情况下，这些以表现大人物，讲述大历史，制作大场面的影片无疑就是当时的“大片”，中国的主旋律影片进入了“大片”时代，同时也进入了歌颂领袖时代。由于拍摄领袖电影有着更多的限制，影片中“领袖”的一举一动甚至有着极其严格的规定，这固然会使影片中的领袖显得大气，却也影响了那些以小人物为主角的主旋律影片，使得那些影片也不禁跟着主旋律中的主流影片，拿起了腔调变得一板一眼，加上电影的拍摄手法依然沿用以前的方式，那些曾经受观众欢迎的拍摄手法却成了容易引起观众逆反心理的元素，在娱乐文化生活日益丰富的今天，主旋律影片的原地踏步其实就是一种倒退，一种曾经被观众所热爱的类型片却慢慢失去其几十年的群众基础。而更严重的是，主旋律影片反而不从其吸取教训，更是将自己置于一个高高的位置之上，使得离观众越来远。主旋律和市场化似乎成了一个不可调和的矛盾，而政治性和娱乐性在一部主旋律影片上的再度融合也似乎遥遥无期。

主旋律影片到了该放下姿态的时候了。

但那些表现小人物的影片放下来自然比较简单，而拍摄表现领袖、表现大历史事件的影片依然有着诸多的约束，在依然要保证领袖在影片中形象，以及立场问题坚决不动摇的前提下，如何找到一个和观众拉近距离的突破口，成了主旋律影片导演们的一个难题。

一部《长征》改变了这一切。

如果说《建国大业》在这个甲子之年终于找到了政治性和娱乐性的那个微妙的平衡点的话，那么《长征》则是对这个平衡点第一次大胆的探索。也就是从这部影片开始，从此影片中的领袖不再讲自己的家乡方言，而都开始讲一口流利的普通话，这个微妙的改变无形中拉近了电影和观众的距离。而同时在人物的塑造上也变得更加活跃和开放，领袖的姿势和动作也开始随性，人物也因此显得更加真实和人性化。《长征》的开拍，也让以唐国强、刘劲等新一批领袖扮演者走到了舞台的中央，一个不同于传统的主旋律影片的拍摄方式的探索也至此开始蹒跚学步。到了目前《建国大业》中，我们已经可以看到领袖坐姿不整地开会，甚至尅看到他们醉酒后的激动，看到毛主席半张着嘴巴打盹，甚至因为睡觉被打搅而对警卫员发脾气的镜头，而这些在传统的主旋律影片中，几乎见不到。从这细节上就可以感受到一个极大的进步。

之所以说这么多，只是想告诉大家一点，我们不应该仅仅关注《建国大业》有多少个明星参演。《建国大业》的成功上映，是中国主旋律影片在新中国甲子年的一次成功转型，但这次转型并不是一朝一夕一蹴而就的，而是一干电影人不断摸索的结果。《建国大业》也在主旋律影片的甲子年为主旋律影片立起了一个新的标杆，至此之后，我们的主旋律，甚至是像《建国大业》这样表现领袖以及大历史事件的主旋律影片，也可以拍得更加亲民的。因此，在主旋律影片终于开始放下身段去尝试接近观众之时，我们观众是否也该摘下有色眼镜，去看看主旋律影片为观众而做的改变。

《爱有来生》：再安静就更好了

陈赖汉 — Thu, 17 Sep 2009 16:27:00 GMT

作为一部导演处女作，《爱有来生》的表现还是让人满意的。虽然影片中的煽情点还是没有太大的突破，但我还是给煽到了。作为一部爱情影片，《爱有来生》恰如其分的赚到的该赚的眼泪，纵然无法成为经典，也足以成为09年影片一抹沉寂的惊艳。

影像：纯爱风格打造

不管你是否喜欢这部影片，影片画面那让人惊艳的美丽是谁都无法否认的。导演俞飞鸿在90多分钟的影片中，几乎将如油画般画面塞满了每一寸胶片，如果影片的清晰度够高，几乎截取任何一帧的画面都可以成为一张优秀的摄影作品。无论是深夜的幽暗、阳光的明媚、草地的翠绿、以及光线透进室内的那种让人舒畅的昏黄，俞飞鸿几乎是在用画面在诠释小说中的一草一木，原著小说中那浓厚的文青之气几乎渗透到了影片中的每个画面，这让影片的画面美得几乎不大自然。不管俞飞鸿是否是有意无意，但这种缓慢的、美丽的却又略带沉闷和优雅的镜头语言在日本的纯爱系影片中极其常见。这使得影片中虽然有几处涉及到情欲之戏，但还是无法改变影片在最后悲剧高潮来临之前那淡淡的纯爱气质。可以说，在影像的打造上，《爱有来生》不仅在还原原著文青气质上交了一个让人满意的答卷，更是利用胶片的优势对其做了一定的补充，使得那些原本仅仅是回荡在读者脑海中的画面变得更加充实和迷人。

技法：略显平淡生硬

俞飞鸿对小说的诠释似乎走到了一种极端。如果说在画面上对小说文字的再现是一次升华的话，那么通过人物的对白来展开剧情则显得对影片剧情的掌控能力不够自信。

可以说，《爱有来生》几乎就是一部可以用耳朵听的影片。因为在阿明这个角色出现并开始讲述自己的故事之时，这个发生在五十年前的悲剧故事的重点几乎都通过阿明的口述来传达给观众的。这是种回荡在影片中的旁白，在某些时候甚至充当了影片画面解说的功能，这样的“事无巨细”在许多桥段几乎是种多余。比如在悲剧发生的那天，阿明走出寺庙后看到阿九没来，这本来仅需几个特写镜头以及几个表情便可以说明一切，但俞飞鸿仍然让段奕宏的声音在这个时候响起，而事实上，俞飞鸿已经在此时的画面中说明了一切。俞飞鸿似乎想把故事充满每个画面，生怕观众对剧情的了解有所偏差。影片用传统的手法来展开回忆的剧情，这本没有错，只是在这回忆的过程中“讲故事”的味道过浓，这种不留空白的做法恰恰看出了这个心导演在驾驭剧情上的不够自信，希望俞飞鸿在下一部作品中能过适当地给影片一点呼吸的空间。

表演：不温不火的真实

这里说的“不温不火”绝对不是贬义词。

内地一些实力派演员的表演功力没有人会怀疑，但是这些演员由于多是科班出身，且多经过话剧的锤炼，这样使虽然在演戏时有着一种极强入戏感，但却也有不少演员将话剧的腔调带入了影视剧，这固然会让角色由一定的张力，且戏剧感更强，却也使得角色不够真实。因此在《爱有来生》中，听到几乎通片那“不温不火”的对白，不禁给人一种舒畅的宁静，这也是为何段奕宏那不断的喋喋不休没有让人感到厌烦的原因。纵然这部影片的对白没有太多太强烈的爆发，却让人回味无穷。同对白一样，演员的表演在大部分时间也没有给人用力过度的感觉，这让观众不知不觉间完成的情绪积累，最后高潮戏到来之时所感受的触动也就更大，这也是该片为何具有煽情力的一个原因。

题材：内地类型片的突破

在印象中，这似乎是内地第一次上映这种类型的影片。在这之前，要么正儿八经的讲爱情故事，要么就是讲鬼怪故事。怄气是后者一直是内地电影不好掌控的，拍过了就是宣扬迷信，因此更多的只能从古典文学里去寻找开拍的理由，并美其名曰弘扬传统文化。但纵然如此，这类影片在内地仍然少之又少，至于人投胎转世再谈爱情这种题材，更是以前内地电影人不大敢想的，像《神话》这样讲述跨时空爱情的故事也要弄个长生不老药才能在内地上映。“人鬼情未了”这种在国外甚至香港已经不算新鲜的题材在内地仍然算是一个新鲜事物。《爱有来生》的上映最大的意义便在于此了，仅此这点，《爱有来生》注定将在今后的多年被人反复提起。

批评《南京！南京！》何须上纲上线

陈赖汉 — Thu, 10 Sep 2009 07:27:00 GMT

8月30日，华表奖开奖。24个奖项，有一半开出了双黄蛋或者是N黄蛋，其中N黄蛋更是多达8个。那多达10部的优秀影片，宛如不是在颁奖，而是在“分奖”。其他电影节的奖项是在提名中找获奖，我们的华表奖，是在提名中找落榜。各方利益博弈的结果也罢，官方象征性的安抚也罢，总之华表奖已经越来越无法把握官方奖项本就具备的权威性，而整日忙于在这种本已复杂的“竞争”中寻找所谓的平衡，其结果就是我们现在所看到的——大家一起平衡。

因此，华表奖的N黄蛋已经不是什么新闻。倘若不是其官方身份，公众甚至不会对这个奖项投以太大的关注，各个媒体每次对华表奖的报道更像一种例行公事一般，什么电影或是什么人会获奖往往已经不是媒体所关注的焦点，有着敏锐嗅觉的媒体总能找到比那密密麻麻的获奖名单更具新闻价值的东西。

因此，今年华表奖除了数数明星脑袋，比比礼服款式之后，似乎很少有人关注提名影片，反而一部影片的落选成为最大新闻，就是上半年在中国市场获得成功的影片《南京！南京！》。

今年是新中国成立60周年，相关部门对任何文化作品的审查都可谓是细之又细（这多少也影响到今年华表奖，这后文也会说到）。因此，在这个重大的日子里，决然不可能出现，也不允许出现立场上有问题的文化作品出现，而《南京》作为国庆献礼片之一（华表奖颁奖典礼播放了名单），必然是经过了常人难以想象的审查，才会最终在影院里和大家见面。这说明《南京》这部影片的立场并没有问题。因此我们看到了《南京》虽然没有参与华表奖的评选，但陆川还是以颁奖嘉宾的身份出席了颁奖晚会，而且还是为吴宇森开奖——一个华表奖今年刚刚设立的重要奖项。在今年这样一个特殊的年份，陆川以嘉宾身份出席一个几乎中国所有一线的影视剧人员都参与的电影颁奖晚会，这又说明了什么？要知道，汤唯在出演《色戒》之后被封杀，至今都无法出现在内地任何影视作品以及相关的公开活动中。

陆川出席华表奖是官方肯定陆川的一个信号。

从某种意义上来说，华表奖一直采用的是一种最为安全也最为保守的标准来选择影片，在这种标准之下，任何在技法上过于超前的影片都注定无法进入这个正在加速老迈的奖项之眼。而今年又恰逢新中国成立60周年，这必然会让本来就小心翼翼的华表奖变得更加谨慎，像《南京》这样一部本身就充满争议且技法过于超前的影片注定无法进入华表奖的颁奖台。这说白了仅仅是影片那过于凌厉的视角不符合华表奖的口味。电影局副局长张宏森对《南京》的落选已经给出了非常明确的答案：“正如社会上对这个片子存在争议一样，它在评委会也遇到了争议。我可以告诉你，《南京！南京！》是进入了评委会视线范围的，这里不存在立场的问题。”

有意思的是，华表公布两天之后，上海世博局召开新闻发布会，宣布聘任陆川导演担任2010年世博会主题电影总导演，为中国馆执导一部灵魂影片，一部史诗风格去展现中国30年城市化进程的影片，作为2010年世博会中国馆的核心展品。世博会世人瞩目，世博主题影片能够通过政治局的审批交托给陆川拍摄，让人嗅到了一种陆川将接棒中国核心权威导演的味道。若说张艺谋在雅典奥运会上将北京八分钟的宣传片拍摄得风生水起，那么陆川即将在世博会上展出的影片同样任重道远。此外，陆川还兼任世博会国家馆影像艺术总监，将中国馆恢宏大气的氛围渲染到底。

由于存在“过时”或是“陌生”的影片参赛，加上频出的双黄蛋和N黄蛋，早就使得华表奖的公信力已经大不如前。加上其获奖的的电影很多是娱乐性较差的主旋律影片，使得华表奖更是和普通百姓有着一定的距离。或者说，华表奖的评选标准仅仅是代表一种官方的口味，并不能完全代表普通百姓的喜好，所以华表奖早就和所谓的“民意”保持了一定的距离了。说起民意，曾深入调查过南京大屠杀的历史，并著有《南京大屠杀：被遗忘的二战浩劫》的张纯如生前常希望“南京大屠杀”能够被拍摄成为世界级的电影，这样，从日军侵略的历史中得出的教训才能不被人遗忘。她坚信电影传播的力量要远远大于书本。以此来纪念为了给1937年南京大屠杀死去的人们伸张真理和正义的那些顽强的斗士。如果说这都不能够代表民意，我想不出更能够代表大众的声音。事实上，观众已经产生了一定逆反心理，对华表奖的获奖影片往往有着一种潜意识的排斥感，甚至可以不客气的说，百姓已经不把华表奖太当一回事了。

所以，《南京》落选完全是一种争议无法平衡的牺牲品，同时也是华表奖在今年这个特殊年份选择更为安全也更为保守运作下做出的抉择。纵观今年华表奖，几乎是一次传统主旋律片的聚会，《超强台风》这部早在“民意”中批臭批烂的影片赫然在目，有着这样影片的榜单谈何“民意”？可是，蓄意批评者总能选择性忽视，独独从《南京》的落选上看到了华表奖身上的“民意”味道！

但也许是评委差强了官意，暗自揣测官方意图，以高度的自觉和所谓民族责任感，将南京列为政治不正确，这不难理解，拍马匹的总是比马更关心马怎么才舒服。但乌龙的是，不断滚动的片花中，南京南京任然被列为国庆献礼重点影片之列。

张宏森说：“电影评奖无论以什么方式进行，最终的目的都是鼓励。而且奖项也并非衡量电影价值的唯一指标，别忘了还有观众和历史这些指标的存在。”那么，《南京！南京》作为唯一的中国影片，入围多伦多电影节，圣塞巴斯蒂安电影节，釜山电影节，这是标准之一。《南京！南京》票房1.8亿，也是标准之一。

当然，话说到这，对于《南京》落选华表奖，我还是觉得有一点，中国的文化创作环境已经越来越宽松，形式也越来越多样化了，华表奖是否也该放下架子，关注一些真正受百姓受欢迎的电影，将华表奖办成一个鼓励创新，且真正贴近市场的电影节。而这一切，只要华表奖再宽容一点就可以了。

《天安门》：小情怀大感动

陈赖汉 — Mon, 07 Sep 2009 10:25:00 GMT

我承认这是我第一次看一部主旋律影片看到落泪，而且不止一次。但看到上野离开战友在车上放声大哭的时候，我第一次没有控制住自己的情绪，当看到最后五人的照片一张张闪出的时候，眼睛再次湿润。说我矫情也罢，爱动感情也罢，反正我对这种男人间的情谊特没抵抗力。

主旋律和娱乐性的平衡

不得不承认的是，中国的主旋律影片已经拍得越来越好看了。中国电影的市场化虽然造就了大量的浮躁的影片，但就是在如此步履蹒跚的摸索中，给了中国主旋律影片不少启发。而今年，新中国成立60周年，似乎给了这些沉寂许久的主旋律影片一次激情绽放的机会，而从目前在电影院播放过的所有的国庆献礼片来看，其技巧之多样、题材之广泛、类型之丰富、角度之新颖都是创中国主旋律影片的一个个之最。可以说，目前的主旋律影片已经逐渐摆脱了上个世纪那种主人公高大全、说教等缺点，变得更加好看。虽然《天安门》的票房形式肯定不会太乐观，但其品质已经达到了可以让人进影院的标准，至少比《气喘吁吁》这种不知所云的影片更值得一看。中国导演在这国庆60年主旋律影片云涌之际，似乎隐隐约约地找到了弘扬主旋律和加强娱乐性之间那个微妙的平衡点。

天安门在某种意义上，几乎已经成了中国人的一个精神图腾，尽管在天安门广场上有着其他类似的符号性建筑。我们从下便是唱着“我爱北京天安门”长大的，从来没听过谁唱“我爱北京华表”、“我爱北京人民大会堂”之类的，可见天安门在国人心目中的份量。可是已经化为精神符号的一个建筑，在新中国成立之初的那段修葺历史却没多少人知道，那8个经常出现在我们幼稚画笔下的大灯笼却还有着这样一个鲜为人知的故事，而《天安门》这部影片最大的意义也在于此，至少它用了一种尽量通俗的方式让观众了解了一段历史，尽管电影展示的并非是历史的全部。

打破常规的角色设置

中国传统主旋律影片其实大多也是以表现小人物为主，但是此前那些被我们所熟知的主旋律影片中，无论小人物也罢，领袖人物也罢，总是用一种高大全的手法来塑造，影片中的主角往往完美到没有任何缺陷，这种完美甚至是以牺牲角色的个性来塑造。因此许多影片的主角都像一个模子刻出来的，在某种程度上，这些人物已经成为一种不可侵犯的符号。在那个时代里这样的电影自然有其不可抹灭的历史作用，然而今天主旋律影片如果再没有将主角回归到人这个层次上来的话，那无疑是失败的。目前让人欣喜的是，今年国庆献礼片在这方面都有了相当的进步，《天安门》也是其中的代表。

在影片中，潘粤明扮演的田震英一方面是个忠于职守的好战士，一方面他也有着年轻人一些不可回避的缺点，而他所带领的舞美队甚至存在着不同思想阶层的人，甚至有一个日本人（不知道真实历史中是否也有这样一个日本人）。影片甚至表现了这些躁动的年轻人之间引发的矛盾——这种如今看起来非常普通的设置，在要表现绝对团结完美的传统主旋律影片中式难以看到的。这也是这部影片看起来比较好看，人物个性也比较饱满的一个重要原因。而同时，由于潘粤明这个角色的设置，在某种程度上使得影片中喊口号的镜头不会引起观众太多的反感，在那几个战士在首张面前声嘶力竭的表态的时候，我感到的更多的是那种军队不服输的尊严，是一种完全发自肺腑的，充满力量的男人承诺，而影片中角色对毛泽东的崇拜，包括影片最后那满广场的欢呼，则是一种对历史的还原，和以前主旋律影片中的口号有着本质上的不同，若以此来批评《天安门》，只能说过于吹毛求疵了，甚至有点刻薄。

除了一干主角之外，影片的其他配角更是超出了传统主旋律的角色塑造范畴之外。虽然这些配角还是承载了较大的符号意义（包括那个日本人），但这些角色和用娱乐片模式打造的影片结合在一起后，便有了让人惊喜的主旋律影像，所谓的呆板、教条等毛病在这部影片已经感觉不到了。其实如果以商业片的标准来看，影片中所有矛盾的设置以及剧情的发展都没有太大的惊喜，不过对于一部有着比其他影片更多限制的主旋律影片来说，已经难能可贵了。

不过本片最大的问题也是处在角色的设置上。郭柯宇前后不到5分钟的戏份甚至连个配角都算不上，在这部爱情可以走开的影片中，她的角色完全没有存在的必要，孩童们天籁般的歌声的出现，也不一定要依赖这个没有几句台词的老师的脸部特写，这完全只需要一个背影的群众演员就能胜任的角色何须一个莫须有的“女主角”，更何况，郭柯宇现在连花瓶都算不上了。

历史影像的出色还原

在看影片的时候，我多次惊讶剧组到底是如何整出这样一个破败的《天安门》，无论从天安门内部拿破败的砖墙以及城门外那坑坑洼洼的广场，都细致的让人难以看出破绽。是否可以真实还原解放初的天安门，从某种意义上决定了这部影片的成败，在这点上，《天安门》交上了一份让观众满意的答卷。

但相对比“天安门”的精致，后面媒体一直宣传的毛泽东真人特效则显得相对粗糙了，在硕大的电影屏幕上，还是很容易看出破绽，而开国大典广场上人山人海的鸟瞰镜头则壮观有余，细节不足。

小情怀带来大感动

通俗易懂的剧情，没有刻板教条的说教，《天安门》将开国大典如此重大的历史事件通过几个小人物反应出来，做到了举重若轻之感，相信这几个舞美剧团的战士的小人物小情怀给观众带来的感动，甚至比那些气势磅礴的历史电影要来得强烈。如果说《开国大典》是以一种大史诗的情怀来展现那激动人心的一刻的话，那么《天安门》则是以微观入手，使观众也成为那个历史的见证者之一。

《机器侠》：看刘镇伟折腾“人机恋”

陈赖汉 — Sat, 29 Aug 2009 06:17:00 GMT

坦白说，在看《机器侠》之前我对这部影片并没有太大的期望。一则是预告片除了那机器僵尸之外，并没有什么镜头可以刺激我的兴奋点，二来就是刘镇伟的前作《情癫大圣》在我看来其水准仅比烂片好一点这让我从一开始就对《机器侠》这部看起来炒作意义大于其电影本身意义更大的影片不抱多大的信心。然而看完电影之后，我居然久久的沉浸在K1消失的那个镜头中。虽然这部影片在某些桥段我不喜欢，虽然这部影片仍然无法达到《大话西游》的水准，但却比《情癫大圣》好太多了。那个熟悉的刘镇伟又回来了！

科幻只是外衣

片方在上映之前，屡次强调这是一部科幻片。然而在看电影时才发现，这其实完全不是那一回事。虽然较刘镇伟以前的影片来说，《机器侠》在表现形式上已经有了很大的突破，然而骨子里还是一股浓浓的大话西游情结。《机器侠》正是刘镇伟的传统手法的再延续，机器人纵然变形个天花乱坠，也无法变成影片其爱情的真正主题。

虽然影片不再纠葛于“人妖恋”或者“妖妖恋”，但故事中的机器人K1其实就是替代了以前影片中妖的位置，他的所作所为，几乎就是“妖”的再现。在影片前半部分，如果不是偶尔出现的特效镜头，影片甚至看不出有多少科幻的味道。刘镇伟似乎在一开始就在努力淡化影片的科幻味道，而想向观众灌输这是个爱情片的观念。如果你对《大话西游》喜爱的话，那么《机器侠》中的爱情故事纵然没有前者那么经典，也远远达不到雷人的程度。而影片在淡化该片是科幻片的同时，也一直在淡化K1是机器人的身份，这让影片中K1和素梅之间的爱情故事看起来就如同两个普通男女般爱慕。可以说，从特效场面大规模出现前以及最后K1消失的那个桥段，刘镇伟保持的他对诠释爱情这个题材的一贯水准，但从整部片子来看，这个爱情故事和《大话西游》还是有着一定的差距，问题主要出现在中间表现特效的桥段中。

《大话西游》之所以能够在最后的高潮大战戏中依然感人，那是因为将孙悟空对紫霞感情的掩饰同动作戏交织一起，使最后的动作戏并没有脱离影片的主题。但在《机器侠》中，特效戏场面却主要是为“机器人自我意识”这个主题服务，和“人机恋”并没有太大的关系。本来这两个主题的交叉而让影片的内容更加饱满，但可惜的是吴京所饰演的K88和孙俪饰演的素梅之间并没有什么联系，他们各自所负责的剧情部分仅仅是依靠K1一个角色相连，而K1在大部分桥段里只是单纯为其中一个主题服务，这便造成影片的文戏为爱情服务，武戏对机器人意识服务这样一个“分裂”的局面。因此影片的文武部分看起来便显得没有成为一个整体，显得较散，不像大话西游那样，无论剧情如何天马行空，但终究是将所有的元素紧紧锁在一起。《机器侠》从各个方面都超出了《情癫大圣》，唯独在这点上反而不如后者贯彻的坚决。

如果想看中国版《变形金刚》的话，那么很遗憾，《机器侠》必然无法满足你的要求。但如果你想在影片中寻找熟悉的刘氏感动和欢笑，那么《机器侠》已经完全合格。我们可以借这部披着科幻外衣的爱情片批评刘镇伟没有进步毫无创意等等，但是不知道在批评完后我们是否想过，如果连刘镇伟都不再愿意这么嘻嘻哈哈地来感动你的话，那么还有谁能够在让你笑疼肚子之后还会一把鼻涕一把泪的哭呢？刘镇伟不是无厘头的鼻祖，但目前我们所能看到的近几年的无厘头喜剧影片身上，多多少少都有着刘镇伟的影子。然而和最为纯正的刘镇伟相比，那些影片总是少了那么一点火候，或许就是这种恰到好处的火候，就是刘镇伟的独家。

莫以差距论成败

当《机器侠》的官方以科幻片这个噱头作为宣传之时，便注定这部影片会在上映后遭到一系列意料中的批评。“科幻”这个作为吸引观众进影院的元素，不可避免的成为所有批评最容易刺中的软肋。

在世界的大部分类型片中，除了西部片以及日本武士片这两种因空间限制而无法制作的类型片之外，华语电影已经涉足了几乎所有的类型片，且几乎没有人会怀疑华语影片的导演都能拍出各种类片中的经典。但惟独对科幻片没有什么信心。

虽然有一些借科幻来探讨人性的小众科幻片出现（如《K星访客》），但这种并不怎么需要特效场面支撑的科幻片毕竟是科幻片中的小众，并不能代表主流科幻。主流科幻影片必须要有较强的娱乐性，且特效场面必须是其主要卖点之一。然而由于技术上的缺陷，使得这类华语影片一直难以出现这样的主流科幻片，更多的影片仅仅是和科幻打个擦边球，和真正的科幻还有很大的距离。虽然华语电影已经成为亚洲电影的主流力量，但在科幻影片这方面，日本电影已经远远将我们甩到了身后。

无论从时间上来看，还是从观众的渴求心理来看，华语影片都急需一部主流科幻片来证明自己。这也是《机器侠》为何上映前大打科幻牌的一个主要原因。可以说，《机器侠》算是按照主流标准打造的科幻影片，纵然科幻仅仅是包装影片中爱情元素的一个外衣。但表现“科幻”这个元素来看，《机器侠》依然有给人畏首畏尾的感觉，这第一步迈得还不算太远。虽然《机器侠》已经大大提升了影片中科幻元素的地位，但还是给人感觉和世界上出色的科幻片还有着很大的差距。，它依然还是无法做到抛开我们这个时代，来营造出一个架空现有历史的未来社会。缺乏构筑一个大世界的野心，这便是从《机器侠》和国外优秀主流科幻片的一个主要差距。以著名科幻小说家刘慈欣的《三体》来看，中国科幻作家们已经具备了这种大世界观，说明中国具备孕育我们想象中的那种科幻大片的土壤，而最后的问题就是看电影导演们如何去实现，可从《机器侠》来看，这样的影片离我们还是比较遥远。

所以，虽然《机器侠》已经按照主流标准打造，但很明显，它并不完美。这是我们必须承认的差距。不过我们却不能因为承认这差距的存在而否认这部影片。

好莱坞虽然用其强势的电影攻势，为我们制定了科幻影片的“潜标准”，以至于其他国家的科幻片往往也要以好莱坞模式，其最终的结果就是，不仅在特效上赶不上好莱坞，就连一些本该属于本土的特色也消失殆尽，以至于影片尽显“山寨”本色。日本人在科幻影片，尤其是科幻动画片的打造上很值得我们借鉴，如《日本锁国》、《苹果核战记》都是典型的日式科幻。华语电影在科幻电影的探索上已经跌跌撞撞的许多年，我们不敢说《机器侠》是一部很好的科幻影片，但至少这部影片在华语科幻影片的突破口找到了一个不错的方向，或许就是从这部电影开始，华语科幻影片会逐渐脱离好莱坞的审美情趣，成为一支有着独特味道科幻影片力量。

不要因为这部电影在特效上的缺陷而过多指责，还是那句话，我们承认差距，但我们也要正视这部电影所带来的改变。

模拟金属的第一步

在进入上个世纪90年代后，由于电脑特效的进步，香港电影也逐渐摆脱了土法特效的年代，而更多的开始依赖电脑特效。然而遗憾的是，香港电影也是此时逐步走入下坡期，在娱乐性逐渐缺失的情况下，电脑特效依然停留在“山寨”阶段，这便造出了如《蓝血人》这样的怪胎。拙劣的特效，让这部影片就算放在数量本就不多的华语科幻影片中也如“过眼云烟”一样，除了那场“极具创意”的床戏之外，几乎没有什么镜头给人深刻的印象，其水准甚至不如八十年代末拍摄的《卫斯理》。在应用电脑特效而在视觉上大获成功的《英雄》似乎给了华语电影一个视觉效果的发展方向，于是我们便看到在进入新世纪后，越来越成熟的特效却几乎成了古装片的专属，而由于过于沉迷对古装那种相对虚幻的大场面的塑造，使得我们自己的特效在细节上的表现力永远不够。和好莱坞那可以模拟出逼真的金属效果的特效水平相比，我们的水平如同小学生一般。《机器侠》的特效效果，可以说给我们提了一个大醒。

不可否认的是，《机器侠》在特效方面的尝试是值得我们肯定的。这是华语影片中第一部大胆模拟金属效果的影片。从影片机器僵尸变形的那个桥段来看，虽然仿真度还远远达不到《变形金刚》的程度，但在大荧幕上看到的效果已经算是颇为壮观，影片特效的问题是出在K1和K88对战的那个桥段。可以毫不客气的说，这段的特效水平依然停留在《情癫大圣》的阶段。虽然机器人的造型极具东方味道，而两个机器人在空中的对打也相当炫目，但这段特效就细节来说远远不如机器僵尸，很多镜头都有着一种游戏画面的感觉，这是影片中最大的一个瑕疵。而就是在这个桥段之前，公路上的变形追车戏在特效方面的表现却远远没有这段这么不堪，在这段里，虽然金属效果模拟的仍然不是很好，但就变形效果来说已经挺让我满意，毕竟这是一段剪辑进预告片的镜头。

《机器侠》让我们看到了华语电影在模拟真实性方面和好莱坞先进的技术还是有着相当的差距，而我们也不该过分的沉迷于我们荧幕上那些虚幻的宏大场面，对细节的完美还原才是特效公司真正要钻研的。但尝试总比不尝试就嚷嚷叫板好莱坞的行为要来得实在，作为第一部对金属大量模拟的电影，《机器侠》还是迈出了勇敢的一步。

《海云台》给中国灾难片的一点启示

陈赖汉 — Sat, 29 Aug 2009 05:50:00 GMT

韩国人拍出了一部像模像样的灾难片了。这让我很不是滋味，我一向不喜欢韩国影片，然而这次我却要为韩国人叫好。韩国虽然是用常规手段拍摄了一部常规的灾难片，然而遗憾的是，就是这种常规，我们似乎都做不到，那么树立在中国灾难片面前究竟有几道坎呢？

一、技术问题

在中国越来越不缺乏大投资电影的情况下，拍摄一部灾难大片所需要的成本已经不再是问题，最大的问题是技术问题。

如果还像去年《超强台风》那样用粗糙的模型加上洗澡盆的水量的方法拍摄灾难大片的话，那还是趁早断绝了这个念头。在这个电影的特效已经开始追求尽量接近真实的情况下，还在用那种一看就特假的模型来拍灾难片，这本身就是对这种类型片的一种侮辱，同时也是对观众智商的侮辱。作为一部灾难大片，视觉效果是首要的问题，连这个问题都如此的敷衍塞责，不禁让人怀疑拍片时的诚意，不客气的说，拍《超强台风》这类灾难片，不如去拍奥特曼。

但很明显，中国现在似乎还不具备做灾难大片的技术。拍摄《后天》时，特效人员是在电脑上完全模拟出一个纽约市，然后专门设计出一段程式来计算水流在纽约街道横冲直撞时的状态，这其中的工作量以及复杂程度是无法想象的。所以中国要在短期内拍出灾难大片，特效部分只能外包，而外包则无疑要增加大量的成本，国外特效公司的收费是国内大多电影公司难以承受的，而灾难片最大的成本偏偏就是特效。如果成本达到好莱坞灾难片的成本，那么这部影片铁定要亏本，以为你别指望我们第一次做的灾难片能够进入北美市场，而国内的票房根本无力承担起那高额的制作费。

二、意识问题

去年的《超强台风》闹出的“零死亡”笑话，其归根结底就是一个意识问题。那就是我们的宣传机构似乎时时刻刻在传达一个概念，那就是在我们政府以及英明领导的带领下，在巨大的灾难面前，是不会有重大的人员伤亡的。这是典型的一种自欺欺人的做法，似乎灾难所带来的危害完全取决于领导是否拍脑袋。而偏偏就是这种可笑的意识形态，被带入了我们国内所谓的第一部灾难大片中。这便让我们再影片中看到了如此大的台风居然没有造成一人伤亡的可笑剧情，这种几乎侮辱观众智商的剧情就这么堂而皇之地在荧幕上大摇大摆。

而这同时，又牵扯出一个是否可以对政府领导批评的问题。众所周知，在国外的灾难大片中（包括这次的《海云台》），总有一个决策者在关键时刻不信主角的警告而延误了百姓撤离的最佳时机。这种设置其实并没有多大的讽刺意味，只是为后来的灾难镜头的出现提供了一个合适的理由。因为如果人都安全疏散了，那么一座被天灾袭击，缺少尖叫的空城还有什么意义？但是偏偏这样的设置也很难在我们影片中出现，说小了是讽刺领导，说大了是攻击政府。那好吧，那就只能整出一个“超强市长”了。

三、地点问题

这个简单说来就是影片中灾难发生地。由于荧幕上的灾难大多都是现实中未曾发生过的灾难。因此将这莫须有的灾难必须要找一个合适的地点落脚。所以在国外的灾难片中，如华盛顿、洛杉矶、纽约、伦敦、巴黎等这些著名城市就理所当然成为灾难片“攻击”的首要地点。因为这些地方标志性建筑多，而标志性建筑在灾难中的倒塌则更人激起观众对灾难片的认同感，《海云台》这次采用的也是这种准好莱坞方式。

可偏偏这种在灾难片中用烂的模式在中国也不行。这地点的设置在哪，哪的领导就不高兴了。中国人有极其敏感的爱国主义，老外大凡如果在影片里炸了一次中国著名建筑，那就是辱华了，虽然老外在影片里已经将自己的标志性简直炸得不爱炸了，可“爱国人士”就是视而不见，就说是你辱华了。其实呢，人家老外在影片里炸你这栋楼也是看的起你，谁叫你这栋楼出名呢？可这没用，我们的思维就这么僵化，管你出于什么目的，炸了就是辱华。同样的道理也会出现在灾难片中地点的选择上。虽然导演可能仅仅因为你这城市出名而选择你，并且你这城市有着足够多的标志性建筑可供摧毁，可那个城市就有一些人认为你是在侮辱这座城市，还侮辱这座城市的政府——我们的市政府怎么会败给那去去天灾呢？在影片让那些天灾发生在我们城市，就是对我们工作的怀疑和诽谤！说到这，便又回到了上面说的第二个问题了——意识问题。

好吧，这不能选，那不能选，只能莫须有的编造出一个城市（这在中国的电视剧中非常常见），然后弄些见都没见过的建筑——可这样的灾难片，还会有多少人看？

《海云台》：韩国人让我有点嫉妒

陈赖汉 — Sat, 29 Aug 2009 05:49:00 GMT

虽然我不喜欢韩国电影，但我这次不得不承认，在“第一部灾难大片”这个命题上，韩国人交出了一份比我们中国人要优秀得多的答卷。到目前为止，在灾难片这个类型片上，日韩两国已经将我们国家甩到了身后（新版《日本沉没》的视觉效果还是挺出色的）。世间能有多少次的“第一次”，而我们灾难片的“第一次”却被毁在了一群大言不惭的傻帽手上。看看某些人依然在《超强台风》中为那粗糙的“模型特效”沾沾自喜，我不禁要开始羡慕我一直鄙视的韩国人了。

虽然导演尹齐均一再表示这是一部有别于好莱坞灾难片的影片，但韩国人仍然几乎就是在踩着美国人灾难片的“脚印”一步一步走过来的，就如同一个已经设计成熟的模具摆在那，韩国人所作的就是将自己的东西压进去，压出一部韩国版的“好莱坞灾难片”。美国人已经很早就在灾难片片中开始抛弃俗套的个人英雄主义而加入了更多的亲情，韩国人所做的，只是将亲情线变得更多，而拍这方面的戏，一直是韩国人的强项。因此《海云台》的故事情节和人物设置。对于熟悉好莱坞灾难片的观众而言几乎一点都不陌生。曾经发生过的灾难、灾难前动物的骚动、灾难中屡试不爽的亲情牌、水漫城市的场面……这一切都能在《后天》中找到相似之处，《海云台》导演找来的似乎远不止只有《后天》的特效班底。

一部合格的灾难片至少要符合两大要求，一个就是符合当时技术的特效技术，另一个要有除了主角之外大量的龙套角色和群众演员在灾难中丧命。前者是为了满足观众的视觉刺激，但如果没有大量受害者的死亡，这种视觉刺激则完全成了没心没肺的快感，灾难片便会缺乏那应有的恐惧感。这便是后者的重要性，由此可见，国产国产灾难片《超强台风》几乎是给灾难片立了一个难得的难以逾越的反面标杆。

在电脑技术愈发成熟的今天，作为一部以大场面作为卖点的灾难片来说，视觉特效是决定影片成败的首演因素。场面以外的东西都是这部影片的附加值，做的好自然好，做的不好，如果有视觉效果撑撑场面，那些东西最多被批评称俗套，不会对影片的整体质量造成太大的影响。如果一部灾难片没有拿得出手特效场面的话，那灾难片本身就会成为一场“灾难”。《后天》的特效团队为本片制作的海啸效果甚至超过了《后天》中的那阵惊涛骇浪，从视觉效果上来看，《海云台》着实有大片的气势。

而影片另外一个震撼则来自于无数人在灾难中死亡。灾难最可怕之处就是生命在灾难面前显得不堪一击。只要是灾难片，就不能回避生命的死亡，否则，这本身就是一种极其不负责任的作法。因此无论是好莱坞的灾难片还是《海云台》，都用了大量的镜头来表现死亡，而这次《海云台》更是采用了好莱坞都少用的特写手法来表现灾难的残酷。比如《后天》虽然有大水淹没纽约的镜头，但对死亡的描述还仅仅是停留在大场面上，对个体死亡并没有描述，因为这多少会引起观众的不适。然而这次在《海云台》里，点击水面导致水里的人被电死的桥段，却让人难以忘记，也正是这组大量描写死亡细节的镜头让观众一下对之前灾难的“壮观感”变成了“恐惧感”，这样的一个特写显然对灾难片意义的提升有着极大的作用，使得灾难片不至于沦落为一个让观众纯粹在灾难中感受另类快感的电影。在我们的邻居已经开始不回避灾难中的死亡之时，我们的电影却仍然为了讴歌领导人的英明而拍出“零死亡”的灾难大片，这不能不说这是一种耻辱！

由于过多的主线以及影片走的是情感路线，使得影片前半部分略显拖沓，不如《后天》那样从影片一开始就毫无冷场，这让《海云台》显得不够过瘾，且影片前半部分走的仍然是韩国传统爱情片的路线，人物的设置依然是富家女和穷小孩、离婚男女这样韩剧中常用的设置，并没有太大的新意，且煽情戏有为煽情而煽情之嫌。加上特效场面和《后天》有所雷同，这让《海云台》从整体上来看并没有太大的特色。但从上面所说的两个标准来看，《海云台》已经完全合格，和好莱坞制作精良的灾难大片还是有一定的距离，但就亚洲来看，《海云台》已经是部一流的灾难片，韩国人用克隆好莱坞的方式为灾难片在亚洲立了一个标杆。而中国真正的灾难大片究竟在什么地方？不得不说，这次韩国人真的有点让我嫉妒了。

《白银帝国》：本该是三部曲承载的故事！

陈赖汉 — Sun, 23 Aug 2009 12:48:00 GMT

先说个题外话。在《白银帝国》上映前一周，我想先去买原著《白银谷》熟悉下故事。然而这本2001年出版的小说却突然在这周变得洛阳纸贵，淘宝上连续问了三十多个卖家之后，才买到一本书脊有破损的。卖书给我的卖家说，这一周以来，很多人来问这本小说，短短几天就脱销了。这不能不说和《白银帝国》的上映有着一定的联系，在同样根据这本小说改编的《白银谷》在电视里播映之时，这书没有脱销。

《白银帝国》受关注的程度可想而知，虽然在那一大串电影相关人员的名单中，导演的名字最为陌生，但这也丝毫不影响这部影片和一些名导的作品一道拼杀暑期档。但这部安排在暑期档上映的古装影片，却并没有如其他同档期的华语影片那样娱乐轻松。《白银帝国》所呈现出的温雅气息和浮躁的暑期档似乎有点格格不入。而就作为古装片而言，《白银帝国》在近年来的华语影片中也算是另类，在我们熟悉了一群古代人在荧幕上飞檐走壁打打杀杀之后，《白银帝国》这样一部丝毫不以动作场面作为卖点的古装剧情片，确实给这已经有点浑浊的古装片中带来了一丝斯文之气。

传统史诗的题材回归

正如本文前面所说的那样，《白银帝国》的出现至少开始转变我们国人对史诗片的概念。自《英雄》出现之后，宏大的战争场面、血雨腥风的拼杀几乎已经成了史诗片的代名词。由于对场面以及特效的过分依赖，使得过来的史诗片往往空有史诗之名，却无史诗之实。而实际上，史诗片之所以成为史诗片，完全不在于场面的大小，而是看这部影片是否有庞大的故事构架，影片是否透露出一种一般影片所不具备的大历史观。这类影片往往通过几个角色命运的沉浮来表现一个时代甚至几个时代的风云变幻。这就是为何《甘地传》、《末代皇帝》这样几乎没有什么大场面的影片依然被称为史诗片的原因，甚至陈凯歌的《霸王别姬》也可以称为一部史诗片。然而可笑的是，由于市场的浮躁，“史诗片”在我们国内几乎已经成了大型武打片的代名词。

而《白银帝国》至少在故事的构架上完全符合了史诗片的要求。

影片通过山西票号“天成元”来反映清末晋商的沉浮来反映那个时代的兴衰，而“天成元”的故事也是间接通过康老三这个角色来反映。这就是一种典型的小人物反映大历史的构架。因此《白银帝国》有着近几年华语影片中少见的大历史观。这固然和小说原著有一定的关系，虽然要将小说压缩到两个小时的影片中不可避免的要做大量情节上取舍，但导演姚树华没有因此将原著大加改动而加入一些无谓的家族争斗之戏，而将故事重心放在对外抗争上，这点着实难能可贵。这让《白银帝国》一开始位子就站得较高，或者说，姚树华有了打造一部传统史诗的心。

缺乏厚重的女性情怀

《白银帝国》有着一个相当不错的开篇。“天成元”三年一次的清算那个桥段着实拍出了这个当时金融大鳄的气势，几米长的算盘所隐含的霸气这是多少千军万马都无法比拟的。在影片前十几分钟那不多的镜头里，清末饥民遍地的惨状，几个兄弟各异的性格跃然而出，相当出色。《白银帝国》有着一个极其惊艳的开头。

但是影片自郝蕾出现之后，导演姚树华作为一个女性导演在大历史题材上把握力度不当的缺陷便开始体现。虽然郝蕾所扮演的杜筠清出现之后，女性导演那难以压抑的柔情便让《白银帝国》在开篇时所营造出的厚重逐渐变轻。影片用了大量的篇幅来描写杜筠清和康太爷以及康老三之间的不论三角恋，导演姚树华似乎舍得删减任何戏，唯独不舍得删减这三角恋。不仅影片中有多次床戏，甚至康老三和杜筠清的哭别都占用了大量的片长。这让这本来就只有两个小时片长的影片在“天成元”在商战这些戏上不得不一笔带过，于是我们便觉得清末这个“金融大鳄”在影片空有“大鳄”的气势，却缺乏一定的“大鳄”手段。三角感情戏上的拖沓，能让观众兴奋的商战戏又显得分量不够，而戴掌柜和邱掌柜这两个仅次于康太爷和康老三的角色也因此没办法深入挖掘，尤其邱掌柜的突然叛变让观众有点不知所以。这让影片后半段逐渐变得平淡，有给人一种吞温水的感觉——三个字：不过瘾。

两地演员的华彩绽放

先说说郭富城。作为影片中的男一号，郭富城没有愧对自己两大影帝的身份。他在《白银帝国》中的表现让那些对表演还有一定怀疑的人可以闭上嘴了。在一堆戏骨之间，郭富城的表现一点没给人气短的感觉，这在近年来港台演员和老戏骨同台对戏时相当少见的。正是因为影片中内地演员那极度华彩的表演，让郭富城的表演更显出色。

其次是张铁林。在这之前，我是对“张阿玛”是有着一定的成见。但是看了《白银帝国》后，发现姜仍然是老的辣。我没有看过杜雨露扮演的康太爷，但本片中的康太爷确实显现出掌控一个“金融大鳄”的气势，当他压低声音说话都能让人感到一种隐隐的震慑力，这就是戏骨的气场。而影片中的大量配角更是让人让人感觉到这部影片在选角上的出色，无论影片中只有几句台词的角色（如押镖白胡子老大和康老二），还是几个掌柜的扮演者都让人感到一种看戏的畅快，甚至那一句台词没有的康老大，也能让人感到那种佛教信徒的温润。算来算去，唯一不够份量的就是郝蕾的。

郝蕾的表演不能说不好，他在影片中的几场哭戏还是极具水平。只是他在影片中让人惊艳的表演实在不多，或者说是对不上她女一号的地位。出演《白银帝国》可以看出郝蕾是个会知道去挑戏的演员，但很明显，《白银帝国》中杜筠清这个角色的设置，是郝蕾无论怎么努力，还是难免互落下个花瓶的批评。

两个小时远远不够

对于这样一部厚重的原著而言，两个小时的片长实在是太少太少。这么短的时间来掌控如此庞大的故事，无论对哪个导演都是捉襟见肘的。虽然我们不指望《白银帝国》能够像电视剧《白银谷》那样做到面面俱到，但如果有一个三部曲来尽量还原原著中的风风雨雨那是最好不过的事情。

说起来，在内地公映的华语电影鲜有真正的三部曲巨作。早前《无间道》算是一个，不过另外两部也只能算是续集，是第一集票房好才开始拍的，并不是一开始就计划三部曲的；《赤壁》也只敢分为上下集上映，而这在这几年已经算是一次极大的尝试，这还是《赤壁》中有大场面来撑腰的缘故。而《白银帝国》这样完全不靠场面而靠剧情的戏，不用说在国内，就是国外如极其牛B的好莱坞也不敢冒这个险，毕竟拍电影是为了赚钱的。就目前国内浮躁的电影市场和观众叶公好龙的心态，《白银帝国》想以三部曲的面貌呈现实在是难上加难，因此最低最低的底线就是能够在以后的DVD中看到一个不受片长限制的导演剪辑版，还以这部影片可能被剪掉的真正厚重。

《飞屋环游记》：不仅是动画

陈赖汉 — Fri, 07 Aug 2009 03:29:00 GMT

当梦工厂开始“自暴自弃”潜心研究他们的“恶搞学”之时，当蓝天工作室也终于开始心安理得地当他的“千年老三”之时，已经稳居电脑动画界老大的皮克斯，野心却越发地膨胀起来了。虽然这次在3D立体电影之路上，皮克斯跟在了这两个小辈的后面，但这个已经成为精品标签的工作，似乎已经不再满足于“最佳动画长片”的争夺。皮克斯是不会有机会参与“最佳影片”的角逐，可他们很明显已经在用“最佳影片”的标准来打造动画片了。《飞屋环游记》如果换成真人表演，相信其带来的感动也丝毫不亚于动画版。皮克斯已经将动画片中的技术层面作为一个载体，而不仅仅是一个卖点。这个现代电脑动画界的鼻祖，已经开始“拍”电影了，而其他公司，却仍然在“制作”动画电影——这就是他们和皮克斯的最大差距。

技术依然强悍

虽然《飞屋环游记》看起来更像一部电影了，但作为一部电脑动画，技术仍然是一个不可忽视的元素。在电脑动画界中陆续解决了毛发效果（现在要是哪一家还做不好毛发，那可以不要做电脑动画了）、水流效果、金属效果（《变形金刚》和《瓦力》就是代表）这些曾经的难题之外，如何将影片中用技术将我们最容易忽视的元素几乎完美的模拟出来，则是电脑动画现在所要做的。如果说以前的目的是让画面一看就能看出是电脑动画的话，那么现在的目的是让观众感觉不到是电脑动画。

首先是重力模拟的升级。在皮克斯上一部《瓦力》力量，就已经让观众看到了几乎完美的失重效果，而在《飞屋环游记》中，皮克斯的工作人员对重力效果的还原更是达到了几乎完美的地步，在飞屋因为气球漏气的缘故而缓缓地，磕磕碰碰地降落在崖顶的那个桥段里便是最好的体现。重力模拟问题之前一直是电脑动画中一个令技术人员头疼的问题，这也是为何动作动态捕捉流行的一个重要原因。在重力的作用下，物体（包括人）的一些细微变化是很难用电脑模拟出来的。中国的第一部电脑动画《魔比斯环》中虽然有着比较壮观的场景，但是便是影片中对重力模拟的糟糕表现，让影片中的所有人物都看起来轻飘飘的，那更谈不上有和真实感了。

其次就是影片中对云彩的模拟。在影片中有许多镜头表现了云雾在山间缭绕的画面。画面上这些缓缓流动的水汽几乎让人真假难辨，如果说前面的重力模拟是看不到的技术的话，那么这里的云彩则是让你看到了，却让你感觉不到技术所带来的震撼——因为太真实了。

而影片中最为绚丽的便是气球模拟的效果了。作为影片中最为重要的一种道具，皮克斯的技术人员显然在气球上倾注了大量心血，不仅将气球那种轻飘飘的物理效果模拟得真假难辨，更是让气球从视觉上达到了一个让人叹为观止的程度。影片中有许多气球的特写镜头，细看这些镜头，甚至可以看到这些透明的气球因为叠加后而呈现出不同的颜色，气球所呈现出的光影效果细腻到每一个气球上。

用剧本讲话

一个老人，一个小孩，再加上一只狗和一只怪鸟。这种组合在电脑动画中是极其少见的（由于人类相对动物来说相对死板，不会如拟人化的动物那样能制造大量的笑点，大部分电脑动画都不会选择人类作为主角。蓝天工作室到目前为止出品的动画，还没有一部是以人类作为主角的；梦工厂近几年更是猛打怪物牌，《马达加斯加》中虽然有人类出现，但充其量只是个龙套；就连皮克斯之前的动画，也只有《超人总动员》和《料理鼠王》是以人类作为主角的，但前者并不算正常人类，后者故事的重心显然是在那只老鼠身上，至于其他不入流的公司和工作室，更是对尽量对“人类”避而远之的）。虽然影片讲述的似乎是一个“团队历险”的“老套故事”，但实际上是一个自我救赎的故事，因此影片并没有按照传统的冒险动画的角度来展开剧情。同样皮克斯这次依然没有设置一个动画片中常有的略带神经质，又不断喋喋不休的角色（比如《冰川时代》的树懒，《怪物史莱克》中的驴）来增加所谓的笑点，如果说这些都是电脑动画中的传统元素的话，那么皮克斯在很早便开始将这些传统一一打破，这也是《飞屋环游记》这样一个看似老套的故事能给我们带来惊喜的重要原因。而这一切又都归结于皮克斯对剧本的精心打造。

皮克斯在技术方面较梦工厂和蓝天工作室的优势，可能会随着电脑技术的发展而越来越不明显。但是，皮克斯在“软件”上所下的功夫，确实远远地将这两家动画公司甩出几条街。皮克斯从其诞生之日开始，所制作的动画片的剧本就几乎是以真人版电影的要求来创作，他们在奥斯卡上多次原创剧本的提名并不是浪得虚名的。而这也是皮克斯的动画片往往会让人感动的一个重要原因。去年的《瓦力》便已经让人惊呼这样的影片不应该仅仅参与最佳动画片的角逐，而今年的《飞屋环游记》更是继续往扎实剧本的路走下去，今年上映的《大战外星人》和《冰川时代3》虽然笑点的设置远比《飞屋环游记》来得密集，而远远不如后者让人回味无穷。电脑动画诞生以来，喜剧几乎快成为这类电影的“万金油”。但皮克斯似乎正努力跳出这个框框，或许过几年，第一部电脑动画正剧，就会在皮克斯的手下诞生，或许奥斯卡第一部非真人演绎的最佳影片的奇迹，会在皮克斯手上缔造。

皮克斯每年一部的动画片之所以能够让人如此期待，已经不仅仅是他们那美轮美奂的画面了。皮克斯的精品标签的地位也不是只靠技术拼来的，每年等待一次皮克斯，是等待皮克斯给我们的又一次惊喜，是等待皮克斯给我们的又一次感动。

期待皮克斯续集潮

每年看完一部皮克斯的新片，总是让人期待他们的下一次动作。不过就目前的消息来看，至少在题材的选择上，不如以前有那么多的惊喜了。皮克斯依然没有跳出好莱坞的续集潮，之前的动画片中只有《玩具总动员2》是部续集，而接下来却已经有两部续集摆上了皮克斯的工作时间表，分别是《玩具总动员3》和《汽车总动员2》。在好莱坞，打造续集只有给人两种印象，一个是圈钱，一个是故事创意开始匮乏。我宁愿希望皮克斯是前者而不是后者。好莱坞的续集精品少之又少，《终结者2》这样的殿堂级续集电影简直是凤毛麟角，打造续集，固然可以让我们找到曾经的快乐，但对皮克斯来说，这却是一个重大的挑战。希望好莱坞的续集怪圈在皮克斯身上可以出现例外，希望打造续集的皮克斯同样能让自己的精品标签更加闪亮！

《大内密探灵灵狗》：不必太较真

陈赖汉 — Wed, 05 Aug 2009 01:23:00 GMT

如同所预料的那样，《大内密探灵灵狗》就是一部无厘头的喜剧，而且是纯粹的王氏喜剧。王氏喜剧的风格就是没有风格，或者说只有一个风格——怎么闹腾得欢就怎么整。看这样的片子，不要消耗哪怕一点点的脑细胞，当然，看完后也无需花一个脑细胞去回味——这样的片子就不是给你回味的，如果不是和周星驰的《大内密探零零发》有相近之处，这部影片或许还不会引来这么多的争论。

看完《大内密探灵灵狗》（以下简称《灵灵狗》），总是难免要拿其和周星驰主演的《大内密探零零发》（以下简称《零零发》），至少在读音上只相差一个字的两部影片，实在有着太多太多让人联想之处，脸部影片的主角也同样是没有功夫、却有许多古怪发明的人，且身份都是大内密探，如果两者的导演都是同一人的话，那么《灵灵狗》甚至都会被认为是《零零发》的续集。

但就目前的情况来看，虽然《灵灵狗》会在是否是续集的问题上扫清大家的疑虑，但影片却处处有着《零零发》的影子却是一个不争的事实。再想想《灵灵狗》的导演是王晶，那么“抄袭”这个疑问也同时不失疑问了。可以说，王晶的电影总是在借鉴中走过来的，说其“抄袭”也确实过分了点。因此，在明白了王晶之后，在《灵灵狗》中看到那么多时曾相识的镜头也没必要大动肝火。要知道，王晶现在已经是为数不多在玩电影的人，人家电影拍的好也罢，拍得差也罢，但总归还是让每年的电影院里有这么一些没心没肺的喜剧片能够让我们不花大脑的发笑。纵然他的笑料总是那么千篇一律，甚至是低俗，可除了王晶还在孜孜不倦地折腾这种熟悉的港式喜剧之外，几乎没有什么导演愿意放低姿态去折腾这种看起来恶俗的电影。在越来越多的导演喜欢在电影里思考，加入一些某须有的沉重之后，也似乎只有王晶还在一如既往当着院线的调和油，让电影院不至于始终笼罩在鲜血和眼泪之中。像《灵灵狗》这样的片子出来后，总要讨来一堆批评，可我们也可以想象，院线没有像《灵灵狗》这样的片子也是何等的乏味。如此看来，王晶似乎还有了被保护起来的理由了。

日前王晶在接受采访时候表示他只做能够赚钱的电影，并且能够拿出一定的资金来支持文艺影片。今年金像奖的大赢家《天水围的日与夜》就是王晶投资的。2008年一部《十全九美》虽然被批评得体无完肤，却成了票房上的黑马。王晶拍摄《灵灵狗》这样的影片，说明还是对市场有信心，而市场也同样需要这样的影片。或许文艺青年某部被追捧的文艺片，正是靠一部被他们口诛笔伐的影片所赚的钱投拍的。在我们尚且不会再文艺片上贡献一定票房的情况下，有必要对一些在评论层面上作出牺牲的影片怀有一定的宽容。批评家们往往因为这样一部电影而大呼中国电影无望，但实际情况却可能大出他们的意料之外，事实情况就是如此——没有无聊恶俗，或许也没有期待中的曲高和寡。

最后还是回到《灵灵狗》影片本身上面来。这部影片同诸多的港产闹剧相比，不至于太烂，至少算得上一部合格的口水喜剧，不必对这样的影片太过仇恨，看过了，笑过了，就可以了，王晶的目的也就如此，不求永垂青史，但求过眼云烟吧。

《窃听风云》：黑色到底的残酷

陈赖汉 — Wed, 05 Aug 2009 01:15:00 GMT

和之前炒得沸沸扬扬的《新宿事件》相比，《窃听风云》才算得上时一部真正的黑色电影，而这几乎是我再09年看过的最为优秀的一部香港影片。

最为传统的黑色

黑色电影之所以黑色，并不是因为其血腥的镜头，而是其电影可以直面人性中最为阴暗的角落，在许多好莱坞经典黑色电影中，影片甚至没有出现什么暴力镜头，却压抑得让人窒息。因此可以说，麦兆辉和庄文强几乎就是在用最为传统的黑色电影手法来打造《窃听风云》。

片头那肮脏的角落爬满肥硕的老鼠就预示了《窃听风云》并不是一部单纯的警匪片，或者可以说，这完全就是一部披着警匪片外衣，而来揭示人性黑暗的影片。对商业嫌疑犯的窃听仅仅是这部电影的引子，而由这个事件而引发的一干人的癫狂才是这部影片的重点。在影片中，你几乎看不到一个我们所认为的性格完整的角色，刘青云、古天乐以及吴彦祖身上都有着极大的性格缺陷（这也是传统黑色影片打造人物的一大特色，也是构成影片冲突，甚至是推动剧情的重要设定），而正是这些缺陷称为最后他们坠入黑暗的导火索。

尽管电影在上映之前闭口不谈其黑色的本质，而大作窃听等元素的宣传，但事实上，这部电影给我带来的震撼远超出了我的预期。

被刻意掩盖的黑色

然而作为一部黑色影片，至少在悲剧发生之前，影片分并没有给人那种窒息般的绝望，甚至有一度会有人让人认为这是一部讲述男人中年危机的影片，前半部分不时出现的一些笑料，也会让观众那突然绷紧的神经得到放松，如果不是事先知道剧情的话，至少在他们拿到那几千万的巨款之时，观众会认为这一切的一切都会往好的方向发展。如果按照正常思维，下面的剧情应该是三个警察顿然醒悟，然后自首，然后配合抓捕罪犯，剧情完美收场。

但是在主角三人齐聚刘青云所扮演的角色的家里的时，谁都没有预料到，就是在这一段温馨的告别之后，残酷犹如一把尖刀猝不及防地刺入观众的心。在古天乐和吴彦祖所扮演的角色被谋杀的那个桥段可谓是影片中最让人窒息和刺痛的一刻，而也是这几分钟，影片的镜头在王敏德扮演的黑帮老大那道貌盎然的演讲和谋杀的镜头之间快速地切换，给人以视觉以及心灵上的强烈震撼，而影片此前所被压抑，或者说所掩盖的黑色也在这一刻被肆无忌惮地爆发，使得这几分钟称为到目前为止，09年香港电影中最为残酷的几分钟。而也是从这一刻开始，影片的黑色本质才完全地展露在观众眼前，之前所有的温情，所有的希望在这一刻全被撕得粉碎。我几乎都为此次广电的仁慈而拍手叫好，因为如此血腥的镜头，如此惨烈以及黑色的剧情，似乎不该在内地的荧幕上出现。

如果说麦兆辉和庄文强在这之前还对影片的黑色本质而可以遮遮掩掩的话，那么此时他们再也无需掩盖，也终于使我们看到了极具震撼的黑色影像。

被隐藏起来的黑色

《窃听风云》之妙，妙在结局。在影片中廉署出现并逮捕王敏德后，剧情似乎又开始往港产片内地化后那种妥协式剧情方向发展。然而却偏偏在影片诠释诠释“正义战胜邪恶”这个主题之时，影片更加浓厚的黑色此时被悄悄的隐藏。这个结局看起来似乎是妥协的结局，其实却是一个最为黑色的结局。在那短短的几分钟里，我们没有看到正义无敌的警察，没有那种将罪犯绳之于法却带着憋屈的快感。在这种，只有最纯粹的复仇，而廉署以及经常，只是这个复仇行动中被利用的道具。因此我们才可以再影片中看到王敏德的车子可以大摇大摆地离开廉署的车队，而看起来威风凛凛的廉署却对此无能为力；因此我们也看到了一场无关乎正义或是邪恶的最黑色的复仇，古天乐的假手出现在镜头上时，我感到的是一种无奈的悲凉，在那缓慢的镜头里，几乎看不到有何生的希望，或者说看到值得生存的理由，只有赤裸裸地奔向死亡——但车子终于落入水中，我看到的一种绝望的再度延续。

“正义战胜邪恶”此时成了一种绝望复仇的“借口”，而廉署以及警察都成了这场个人复仇中的摆设——这不能不说是种讽刺。

《窃听风云》，黑色到底！

《守望者》：要么大爱，要么大恨

陈赖汉 — Mon, 13 Jul 2009 10:05:00 GMT

虽然不少朋友对《300》深恶痛绝，但我依然认为，《300》是最好的美漫改编影片之一。导演扎克·施奈德对漫画的画面还原程度让我咋舌——原版漫画几乎成了电影《300》的分镜脚本，无论您是先看过漫画还是先看过电影，总能从两者中找到似曾相识的画面或镜头。同样，扎克·施奈德的新作《守望者》，至少在画面上，已经做到了对漫画的高度还原，从这点上来看，已经是诸多漫画改编作品所不能比的。

《300》和《守望者》，两本风格完全不同的漫画拍成电影后，如实呈现出两种完全不同的风格这是漫画原作者的功劳，这是两个漫画作者风格不同所致，而能够同时将这两种风格高度还原，这却着实是导演的功劳。从《300》到《守望者》，至少可以看出扎克·施奈德并没有在电影中加入过多的“个人理解”，您可以说这导演是毫无创意没有思想，但我也可以说偏偏就是这样的导演是最适合改编一部美漫，尤其是一部有着无数粉丝的美漫。

同当时看《300》时的热血沸腾不同的是，《守望者》至少在前一个小时内，剧情让我一头雾水，这部通篇充满了对超级英雄解构、又充满浓郁政治隐喻的影片，确实在一开始给了我不同于其他美漫改编影片的感觉，但由于对原著的陌生、对其作品产生的背景以及中西方文化的差异等原因的存在，《守望者》无法如同《300》那样在一开始就用简单甚至有点粗暴的方式来从我的眼睛来占领我的脑袋，除了那牛Ｂ的片头之外，这一个小时几乎没有让我兴奋。如果说《300》是近两个小时的高潮的话，那么《守望者》则是到了影片的最后也没有给人一种酣畅淋漓的感觉。不过《300》直到今天仍然没有给我重看一遍的欲望，而在我粗略翻阅了《守望者》的漫画以及了解了该漫画的诸多背景之后，却让我对这部沉闷的美漫英雄片回味无比——而这就是《守望者》的魅力所在，而事实上，艾伦·穆尔的漫画正是因为其冷峻的视角以及对现实犀利的批判赢得了无数漫迷的追捧，而将其漫画作品改编成电影的最关键之处就是是否可以将其“黑色”忠实再现，而电影《守望者》在这一点上也做到了。

但由于原版漫画较为生涩，这难免造成了其读者群本身就有一定的局限性，而作为其改编的电影，其受众面将会更窄了一层（《守望者》甚至可以说是美漫电影中的“小众影片”），不用说影片那多条线索纠葛不清的剧情，也不必说影片中无处不在（包括各个角色本身）的象征意义，就是影片那“沉闷”的对白都可以让人一头雾水，总之，影片里的一切，都有将非粉丝拒之门外的意思，这种态度似乎比那些文艺片导演更加冷漠。所以很容易想象的出来，对那些不了解《守望者》漫画且一心想看美漫英雄大显神威的观众而言，《守望者》是何等的枯燥和乏味，甚至是极度沉闷和无聊的；而因为对原著漫画的高度还原，《守望者》也必然会获得不少死忠粉丝的支持——因此，《守望者》就不得不面对一个嫉妒两极分化的评论，要么大爱，要么大恨，几乎没有什么中间派。

同时，《守望者》在上映的地区分级大多偏高，而其通篇的政治隐喻更是让其无法在部分国家和地区上映（影片中的暴力、以及情色镜头直接将这部影片划为了少儿不宜的行列里，但就算没有这些元素，《守望者》的剧情也不是小孩子所能理解的，同时幸好《守望者》没有如同之前所风传的那样要被引进内地，只可惜我们就此错过了影史上最“伟大”的“剪刀手”），所以《守望者》则要不得不面对其可能的票房尴尬——纵然它可能是最好的漫画电影之一。而这些牺牲所换来的便是对原著漫画的还原（电影对漫画最大的改编就是对结局的改编），虽然其原著作者艾伦·穆尔一再表示拒绝观看该影片，但《守望者》已经拍到这种份上，就算他不高兴，估计也不会让他有直接拍桌子骂娘的冲动了。

《新宿事件》：虎头蛇尾的遗憾

陈赖汉 — Wed, 08 Jul 2009 23:05:00 GMT

从无法在内地上映，到香港电影死亡论，《新宿事件》在上映之前便被渲染得极具悲剧色彩，这不由让人对这部意料中的黑色电影有着诸多的期盼。由于在上映之前，无数的电影杂志已经完美地完成了剧透工作，甚至连影片中角色的命运也早被影迷烂熟于心。所以，我已经不再期待尔冬升来给我讲一个在日偷渡华人的悲惨故事，我所期待的是尔冬升究竟要用一种如何残酷的镜头来满足我对这部影片“黑色”的渴望。

从影片的开头来看着实有一种震慑人心的趋势，中国电影以前几乎没有用影像如此赤裸裸地表现中国上个世纪90年代偷渡潮。四处逃散的人群以及刺耳的尖叫，奠定了电影灰暗的基调。而接下来铁头等人在日本所受的欺辱以及日本黑帮之间的争斗（尤其日本黑帮的第一次亮相），都隐隐给人一种史诗黑帮之感。从影片的前半部分来看，影片呈现出的是一种让人心酸的灰暗，而影片的厚重感也是在这种在日华人的磨难中一点点的沉积起来，一切都似乎在表明，《新宿事件》将会远远超过《旺角黑夜》。

然而到了影片的后半段，其跳跃且渐落俗套的剧情，让影片前半部分逐渐积累起来的厚重没有得到一个有效的释放。

最大的问题在片长。影片用了几乎一半的时间来渲染在日偷渡华人的悲惨生活，而由铁头为首的华人帮派的发展以及最后的分裂却都塞在了后半段，而就是这本来就不多的一个钟头，还要留出一定的时长给后半段大量的暴力戏，这让剧情本来就不饱满的后半段和前半段相比更显得单薄。于是我们便在影片中看到了尔冬升几乎在用几段暴力戏来完成后半段剧情的衔接，因此便给了我“前一分钟是天堂，后一分钟是地狱”的感觉。若是影片有三个小时的片长，并且涉黑部分能够占据影片近三分之二，那影片或许会比现在饱满许多。

由于在影片最为关键的后半段缺乏足够的时长来展开剧情，这便让影片所该承载的意义被大大削弱。从某种意义上来说，《新宿事件》的后半段依然无法跳出香港传统黑帮片的模式，纵然其背景是日本东京。而从在日偷渡华人这个现象来看，尔冬升在影片的前半部分对华人涉黑的原因做了初步探讨，却在其后半段无力对其进一步的剖析，使影片最终有流于表现之嫌。铁头这个角色最后的惨死并没有让影片最后的剧情避免落入俗套，因为铁头这个“好人角色”的死在影片中只是个别现象，简单来说，他的死并没有触及到在日涉黑华人的真正悲剧所在，因为与铁头的死相比，其他角色的死亡有给人一种“多行不义必自毙”的感觉，其悲剧的根源更多在于本身，而和其原来偷渡客的身份已经没有太大的关系了。尔冬升似乎对这越发展越庞大的剧情有种无力掌控之感，只能不得不用一种最为娴熟、看起来似乎也最为悲剧，但同时也是最为俗套的方式来完成影片。于是我们便在影片的最后看到了香港黑社会影片中那熟悉的元素，械斗、内讧、背叛、死亡等。虽然最后的械斗桥段有着大量的群众演员撑场面，却完全没有影片开始那段三和会祭拜场面的那种震撼力。打得惨烈，却已经和普通的黑帮械斗没有太大的区别了。

如果说“缺乏足够的时长、剧情逐渐落入俗套”仅仅是让影片变得单薄的话，那后半段无所不在的说教味则彻底让这部影片的黑色程度大打折扣。成龙确实是可以为影片带来一定的票房保证，但事实证明，成龙并不适合这部影片。虽然他不再非常能打，但他似乎依然无法放下自己老好人的“身段”，依然无法解开不演反面角色的心结，这便使得他所扮演的铁头成了影片最大的一个瓶颈。在影片中看到铁头终于愿意走偏门，并且愿意为了“出人头地”而杀人的时候，我隐隐看到了成龙一次彻底转型，但偏偏就是到了后半段，那个熟悉的成龙又回来了。而成龙的“回归”也彻底让影片开始了“诲人不倦”的说教，那为了生存甚至有点不择手段的惨烈逐渐成了安分守己的温润，以至于影片中还喊出了诸如“中国人不打中国人”这种在影片中极度不合时宜的台词（之前砍台湾人，打华侨的时候怎么都没这么想？），这使影片失去了那种震慑心扉的阵痛感。用一个善良的人来表现出对命运的无力，这本是一个可以让影片主题得到升华的设置，但这种无力成了一种因说教需要而强加的“无力”，并且让影片的角色变得有点不可信的时候，则不仅没有得到应有的效果，反而使影片本该因此更加震撼的黑色也同样变得“无力”。正如我前面所说的那样，铁头的悲剧固然可怜，“好人没好报”的设置固然会让人心痛，但占绝大多数其他角色的死亡却只是简单地传递着“恶人有恶报”的信息（这未尝不也是一种说教）——至此，影片已经从对命运的控诉转向了对角色本身的控诉，“恶人”的“恶报”因为“其恶”，与其电影所本要表达的悲剧根源已经没有太大的关系了。同样是黑色电影，同是尔冬升导演的，在有着近似题材的《旺角黑夜》，在这个方面上就比《新宿事件》要好得多。

《新宿事件》透露出了导演尔冬升的野心，却也看到了他的无力。或许一切的问题还是要追寻到影片片长这个最根本的原因。两个小时的片长，确实很难承载一个这么庞大的题材，也无法完美塑造影片中那超过十个有名有姓的角色（在演员方面，《新宿事件》不算成功，除了吴彦祖以及日本演员竹中直人的出色表现外，其他角色均没给人留下太深刻的印象，徐静蕾和范冰冰则更是沦落为准花瓶），这让影片离我预期的震撼有着一定的距离。或许这正应了那句老话：“希望越大，失望越大。”

《变形金刚2》：多十分火爆，少一分激动

陈赖汉 — Sun, 28 Jun 2009 07:56:00 GMT

相对于《变形金刚1》的“捉襟见肘”，迈克尔·贝拍摄《变形金刚2》可谓是阔绰的多了。这个一直擅于“花小钱办大事”的导演在拿到投资的那一刻，便必然会给我们带来一部比《变形金刚1》更加火爆的续集，而事实上，这个看到爆炸场面便一脸吸毒表情的疯子，着实没有让我们的肾上激素失望，两个半钟头几乎没有给我们上厕所的时间，如果电影院的音箱够劲爆，我相信观众走出电影院后耳朵里还在回荡着那轰隆隆的爆炸声。

在近年来续集电影越来越沦为承托前作优秀的工具之后，《变形金刚2》却没有让影迷白白地巴巴等上两年，虽然这集的剧情有“借鉴”《国家宝藏》的嫌疑，但好在《变形金刚1》的剧情本来就是属于小学生级的，所以续集在剧情上面，还是相对第一集有很大的进步——更何况，观众走进电影院就是为了看这些巨大的钢铁家伙打架去的。因此我相信，到了《变形金刚3》，迈克尔·贝也不会让剧情变得太复杂，毕竟大脑一秒钟的思考，则很可能错过了看几千个金属零件在你眼前放肆挪动的机会。

在第一集上映之后，便有影迷抱怨影片中的机器人是在太少，来来去去就那几个，其中还包括几个死跑龙套的。所以对于渴求在电影中见到更多钢铁家伙的观众来说，迈克尔·贝这次可算是足足让他们过了眼瘾，影片中一共出现了四十多个大大小小的机器人，虽然其中大部分还是属于死跑龙套的，但这些却是极其昂贵的龙套。纵然我们在影片中我们看不到大部分“龙套金刚”的样子，甚至大部分的“龙套金刚”都没有台词，但就是这些龙套加上我们所熟悉的机器人，使得《变形金刚2》的视觉特效和第一集相比，已经不是翻了一翻那么简单。在第一集中，在影片的前半部分，除了大黄蜂、眩晕以及路障之外，并没有其他重量级的机器人出现，而擎天柱更是在影片进行了饿近一半后才姗姗来迟，而整部影片看下来，擎天柱完整的变形镜头甚至只有两个——便是这个让影迷看后大呼不够过瘾的第一集，其特效画面也吃掉了工业光魔整整15个T的硬盘容量（1T=1000G），而《变形金刚2》更是将这个咋舌的数字变得更加咋舌——140T，而其影片的预算相比第一集却只有增加了5000万，从这点上来看，迈克尔·贝似乎比第一集更加“抠门”了。当在影片的一开始，擎天柱便以两个近乎于完整的变形过程来完成他的华丽登场之后，两个半小时的视觉盛宴就开始不知疲倦的轰炸我们眼镜了。从影片所呈现出的效果来看以及从几乎相同的投资来看，迈克尔·贝至少在特效方面着实比MCG更加有叫嚣的资本，《终结者2018》在视觉效果上和《变形金刚2》完全不是一个量级上的。

然而如此疯狂的视觉轰炸，也将这部影片的问题给“炸”出来了。《变形金刚2》是一部好看的电影，是一部让人感到非常爽的电影，然而却不是一部给人足够回味的电影。我至今仍然忘不了在看到《变形金刚1》中擎天柱等机器人在山姆面前集体变形的那种屁滚尿流的感觉，在看《变形金刚2》之前，我已经做好了再次被激动得想哭的准备，可影片直到结束也没有给我这种机会。我相信，和我有相同感觉的人不在少数。可以说，成也特效，败也特效——如果，这勉强算是“败”的话。

《变形金刚1》的出现一下让变形金刚粉丝二十多年的情绪得到了痛快的发泄，而由于预算的原因，迈克尔·贝在影片的前半部分有意的压缩机器人的戏份，这让走进影院却急着要看擎天柱变形的影迷有了足够情绪积累阶段，在吊起影迷足够胃口之后，擎天柱的“姗姗来迟”便成了影片中最直接的一个情绪爆发点，这也让那个桥段成了《变形金刚1》中最为经典的一个桥段。可以说，正是《变形金刚1》中那让影迷不够过瘾的特效镜头让影迷更加珍惜影片中每次出现的变形过程，所以那上万个零件的每次颤抖都能让人在椅子上浑身发抖，这正应了中国的一句老话“物以稀为贵”。

而到了《变形金刚2》中，机器人的变形已经变得极其平常，而且除了擎天柱的那次从天而降，影片并没有对机器人的变形过程的气氛有着足够的渲染（事实上第二集确实也不能将镜头的重点对准“变形”二字了，毕竟影片的中心已经从“降临”转移到真正的“斗争”了），而在第一集中，就连大黄蜂的第一次变形镜头都是经过了长时间的铺垫。削弱对机器人变形时气氛的营造加上影迷对变形镜头不再陌生，这便使得《变形金刚2》的诸位机器人的出场并没有让影迷激动到像第一集看到擎天柱那种程度，而影片中最有可能引发肾上激素狂飙的大力神组合镜头，却也因为其印象和影迷所期待的相差甚远，使得该镜头震撼有余却激情不足。

同时随着机器人的增多，机器人面目不清的问题在第二集中再次出现。在第一集时便有影迷抱怨当影片中两个钢铁怪物扭打在一起之后经常分不清角色，而这个问题在第二集中随着大量机器人的出现变得越发突出。不可否认，大量的机器人出现让最后的高潮戏精彩无比，但机器人的面孔却在诸多的机器零件以及摇晃的镜头中更加模糊，由于造型上不如动画版更像人的缘故，所以电影版中的机器人在对戏之时，给观众的代入感远不如动画片那种简单的造型来得有效，因此无法想象倘若有更多的机器人，那会造成视觉上何等的混乱，所以所谓的想看机器人大混战，看来只是个美好的想法而已，当真有一堆机器人将屏幕塞得满满之后，我们或许会发现，情况比我们想象得要糟糕得多。而在战争场面的营造上，由于混战场面的增多，影片中也几乎没有像第一集铁皮慢镜头飞跃那样的难忘的经典镜头，这便使得最后的高潮戏，火爆是升级了，却没有留下一个足够经典的镜头。

机器人的面孔被模糊化，这当然和迈克尔·贝有意增加擎天柱的戏份有一定关系，擎天柱在第二集中已经成为了真正的主角，甚至战斗力也得到了倍增，在第一集的结束之时尚且要靠魔方来打败威震天，而在本集中最不仅在第一次差点秒杀威震天、红蜘蛛等三个机器人，更是在和天火合体之后秒杀了变形金刚的元老级人物，这无疑可以让擎天柱的粉丝大呼过瘾。有大量机器人出现加上要维护擎天柱的主角地位，一些“老面孔”就不得不受委屈了，因此就连大黄蜂也成了绝对的配角。在擎天柱之外，迈克尔贝将更多的镜头对准了几个新机器人，其中那个机器犯贱玩具小机器人更是成了影片中体积最小的“明星”，这涉及到影片相关玩具的销售，也是无可厚非的。

无论从场面、特效镜头、剧情甚至是影片中的幽默元素来看，第二集都超过了第一集，除了机器人太多造成场面上的一点混乱之外，作为一部商业片来说，《变形金刚2》已经做得相当不错，而且这所谓的瑕疵也不会影响我再次观看这部影片。做为一部续集来说，想让影迷再找到那种等待了二十年的激动也确实比较强人所难，毕竟这两年等待的是续集，而不是等待《变形金刚》归来，无论从等待的目标以及等待的时间上来看，这都是无法可比的，也是无论如何用多么壮观的变形场面都无法替代的。所以，在经历过《变形金刚1》的那种近乎癫狂的激动后，到《变形金刚2》的平静（当然这是相对第一集的平静）也应该是这个系列电影的影迷所要经历的并需要接受的，毕竟擎天柱归来时的那种感动只有一次。所以我们除了继续迈克尔·贝在视觉上给我们的再次冲击之外，也要等待他给我们带来一个完美的三部曲，既然我们经历过那种“归来”的激动，那我们就踏踏实实地享受“归来”后给我们带来的一次又一次的冲击。

《终结者2018》：不敢逾越和难以逾越

陈赖汉 — Tue, 09 Jun 2009 13:40:00 GMT

《终结者2018》终于将镜头对准了“审判日”之后的末日景象，但是影片却没有显出应有的宏大，虽然剧情挺让人惊喜，可拨开这“创新”的外皮来看，依然是对前作一种近乎于“保守”的延续。《终结者2018》给了MCG一个超越前作的机会，但是MCG依然没有做到让人咂舌的程度。如果说《终结者3》在面对前作的时候更多是一种力不从心的“难以逾越”的话，那么在《终结者2018》里我看到的则是一种战战兢兢的“不敢逾越”。詹姆斯·卡麦隆的余威犹在，而后面的几亿粉丝从开机的那一刻就已经开始蠢蠢欲动，一个闪失都会让导演MCG被粉丝撕成碎片。毕竟不是每个导演都有乌维·鲍尔的勇气的。

浅尝辄止的战争场面

可以说，我们在最终版的预告片中所看到的人机对决几乎是《终结者2018》中战争场面的所有精华所在。那个引发迈克尔·贝和MCG口水战的“收割机”机器人，留给其露脸的机会也不多，这个大型机器人的出现确实让《终结者》系列里的机器人等级有了一个质的飞跃，但是它的出现并没有让战争场面有一个量的突破。若不是这个大家伙对剧情有一定的作用，那它几乎只是在某个特定时刻衬托了人类的渺小罢了，MCG估计没有足够的钱来折腾这块大金属，以至于观众难以看到它身上的任何细节，当从这点上来看，迈克尔·贝的《变形金刚》确实有向《终结者2018》叫嚣的资本。

可以说，如果希望在《终结者2018》中看到那种酣畅淋漓的人机战争，那无疑是失望的，影片中的所有战争加起来充其量只是一种小范围的冲突，而最后天网基地的爆炸更多也是主角个人英雄孤军奋战的结果，和反抗军没有太大的关系。詹姆斯·卡麦隆在《终结者1》和《终结者2》中在小空地上塑造的末日战场给人带来的震撼甚至也超过了本片。换句话说，除了影片开头那场短时间的轰轰烈烈的对决之外，影片便几乎没有反抗军和机器人正面战争的桥段。

面对巅峰的畏惧保守

詹姆斯·卡麦隆的两部《终结者》，换句话说就是讲述主角的亡命逃亡之路，这几乎已经成了《终结者》的核心剧情，而在这场被机器人追赶的逃亡中，卡车又是一个让观众难以忘记的角色，在《终结者3》换了导演之后，这两个传统依然被忠实的延续了下来。从好的方面来看，这是对巅峰的一种尊敬，然而换个角度看，这也是一种过分的保守。当然对于导演来说，这种保守是一种最安全的做法。

如果说《终结者3》的故事因为是发生在审判日之前而不得已而“保守”的话，那么已经突破了“逃亡”这个框架的《终结者2018》则完全可以不再遵循这个传统，而将重点转移到人机对战上。但是在这部讲述发生在“审判日”之后故事的《终结者》，依然没办法完全绕考“逃亡”和“追杀”这两个主题。因此，我们在这部最新的《终结者》影片中依然看到了机器对人的追杀，机器摩托追杀大卡车的桥段几乎就是对“传统”的“忠实传承”，只是在面对对手仅仅是缺乏智商的摩托机器人之后，这场追逐戏虽然火爆，却少了《终结者1》和《终结者2》中那种近乎于绝望的感觉。不过在本片中，这场逃亡戏倒是从影片的主线中剥离了出来，和核心剧情扣得不那么紧密，成了影片动作场面的一个调味剂，从这个角度上来看，本片在延续传统的同时还是做了一点突破，虽然这种突破并不见得人人都喜欢，但至少已经让《终结者2018》在向前作“致敬”的同时，有了一点新的气息。纵然我们在这种尊敬中还是感觉到了一丝畏惧之意。

如果说在影片的前半部分，MCG尚且可以放开手脚大胆的创新的话，那么在天网中的戏则完全成了“致敬”的爆发地。约翰·康纳和T-800之间的对决，依稀让人看到了《终结者1》最后一场戏的影子，而两个机器人之间的对决，以及四处飞溅的火花又有着《终结者2》的味道，而施瓦辛格的那张年轻的脸出现的时候，则更是赤裸裸的告诉粉丝这最后的高潮戏就是对前作放肆的致敬，然而影片最大的问题则也出现在这里。

这种人与机器的“肉搏戏”在《终结者》的前三部中都不是问题，因为那是发生在审判日之前的故事，那仍然是一个机器人占少数，人类占主流的社会。但到了《终结者2018》里，“肉搏”的战场已经转移到了天网里，而天网里最不缺的就是机器人，在反抗军的首领以及其父亲被抓住后，天网居然不派遣大量的机器人将其围歼而任凭其肆无忌惮地在总部里和自己的机器人单挑——这便成了影片最大的硬伤。导演MCG似乎过于专注于对詹姆斯·卡麦隆的致敬，以及过于追求其主角的个人英雄主义，而让影片的剧情不得不硬生生的扭转过来为角色服务，使得影片的剧情在前半部分比较优质的情况下变成了结尾处的庸俗。

MCG有机会突破的更多，但遗憾的是，畏惧和保守让这部影片并没有“优质”到底，如果说《终结者3》更多的是一种难以逾越的话，那么MCG所面对的则是自己“不敢逾越”的心结。

期待剧情新的突破

值得肯定的是，《终结者2018》在剧情方面确实已经跳出了传统《终结者》的框架，而在影片的大部分时间里，对其“传统”的传承更多的是在场面上。虽然影片的火爆程度没有达到我的预期，虽然影片中带着心脏的机器人一时还让我难以接受，但毕竟已经在影片中看到了一个新的系列诞生的倾向。

而《终结者2018》做得最为出色的一点就是不再将影片的主角定位于约翰·康纳身上，克里斯蒂安·贝尔虽然被称为影片的主角，但其实影片中最为关键的角色却是那个认为自己是人的机器人，这个角色继承了前两部中施瓦辛格的作用，实际上才是影片真正的主角。这点设定使得约翰·康纳不会一开始就以一种救世主的姿态出现，虽然约翰·康纳在影片最后过了一把个人英雄主义的瘾，但在整部影片中却没有沦为一个传统的美国大英雄，这让这个角色也显得饱满许多，这也为后面两部续作角色的塑造开了个好头。从目前的表现来看，这个新的《终结者》系列的续集也应该是板上钉钉的事了，MCG之前的履历一度让人不大放心，但他的表现还是超出了我的预期，至少表现得要比乔纳森·莫斯托（《终结者3》导演）表现的要好的多。

我不奢望新的《终结者》能超越詹姆斯·卡麦隆的作品，我希望这将会到来的新的三部曲会给人一种新的感觉，经典难以逾越，但若是如此而不敢逾越，那不如不拍。